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El parque vertical

2008-09-20T23:38:00.000-05:00

Iñaki Ábalos 20/09/2008

Lo que entendemos por parque nace en el momento en el que alguien traza un camino sinusoidal atravesando un fragmento virgen de naturaleza y descubre lo atractivo que es conseguir que nunca coincidan las direcciones del ojo y los pies, que los caminos rodeen el objeto de la visión y construyan una escenografía de la mirada y un ballet con la motricidad del cuerpo. Éste es el principio elemental, bidimensional, de un interés por la "experiencia" que se inaugura entonces como tema de orden estético, como una nueva forma de belleza que cien años después la modernidad reelaboró introduciendo esos caminos en los edificios -Le Corbusier los llamó acertadamente promenades architecturales y con ellos atravesaba sus proyectos que se convertían así en naturalezas muertas cinemáticas, encontrando un duplicado del jardín pintoresco en el interior de sus arquitecturas (las ventanas-paisaje unían y separaban ambos, al exterior los jardines enmarcados, al interior las naturalezas muertas cubistas, haz y envés de una concepción que ampliaba a tres dimensiones el ballet y la escenografía sinusoidal)-.

Hoy, las formas sinuosas más complejas han entrado a formar parte de la arquitectura y el paisajismo incorporando nuevas referencias plásticas, nuevas técnicas y materiales, nuevos paradigmas científicos y nuevas "dimensiones", pasando éstas a cuatro con la incorporación del tiempo como instrumento de proyectación. Aún está por escribir la historia de esta línea elemental pero también está aún por imaginar lo que semejante expansión de sus posibilidades espacio-temporales puede dar de sí en el futuro próximo. Algo conoceremos si miramos al lugar en el que surgen las ideas, esas incubadoras que son las Escuelas de Arquitectura. La línea sinusoidal inaugurada por los primeros autores pintorescos recibe en ellas, de forma inconsciente, una atención y una evolución vertiginosas. Vayamos donde vayamos, sea cual sea el país o el profesor, la escuela o la tendencia dominante, los futuros arquitectos ensayan y repiten casi al unísono un mismo gesto aún frustrado, casi nunca exitoso, pero con esa obstinación que sólo da el estar abducido por una idea que "hay" que hacer, y que va consolidándose así como necesaria. Y lo que se modela con esta reiteración es algo que difícilmente puede catalogarse en los compartimentos de la "arquitectura" o del "paisaje", porque busca obstinadamente fundir ambos, enroscarse formando hélices o nidos o tornados, construir una entidad híbrida, de nuevo cuño, vertical, que sólo la inercia nos permite llamarla momentáneamente aún construcción vertical o "rascacielos". Esta "entidad" vertical es una amalgama, un material a la vez natural y artificial, que busca tecnificar su hilazón sinusoidal para construir una experiencia análoga a la que nuestros maestros modernos llamaban parque, espacio público, ágora. Al enroscarse genera una naturaleza diferente, cuya manipulación permite construir programas híbridos de ocio y productivos, a la vez ecosistemas, parques naturales, parques temáticos, laberintos, granjas agrícolas y ganaderas, parques energéticos; "entidades" autosuficientes y abiertas, que utilizan el viento, el agua, la luz o la tierra como material de construcción activo, capaz de generar recursos públicos y económicos.

Esta amalgama vertical es en definitiva un nuevo parque ajustado a una nueva percepción y a una nueva noción de ocio, una entidad que permitirá establecer nuevos diálogos entre los humanos y los no humanos, levantar un nuevo "parlamento de las cosas", para utilizar la expresión de Bruno Latour. No es difícil vaticinar que veremos esta idea construida en pocos años, como resultado actualizado de un artificio proyectual con más de 200 años. El último parque será vertical, se construirá en todas las grandes metrópolis y dará nueva vida al paisajismo como disciplina del espacio público y el medioambiente.

El lado oscuro de la arquitectura

2008-09-20T23:36:00.000-05:00

Propuestas sostenibles, algún dislate y necesarias dosis de realidad, en un recorrido por una Bienal de Venecia llena de preguntas sobre el futuro

ANATXU ZABALBEASCOA - Venecia - 19/09/2008

El lado oscuro de la arquitectura es la ambigüedad. En el mejor de los casos, porque se convierte en una puerta abierta a la interpretación y, en el peor, pretende engañar. Así, el "más allá de los edificios" propuesto por el comisario de la actual Bienal de Venecia, Aaron Betsky, ha sido interpretado por la mayoría de los países participantes como la exigencia de una respuesta sobre las urgencias de la arquitectura, tan ligadas a las del planeta.

La francesa Anne Lacaton, que un día declinó intervenir en una bienal al ser rechazada su propuesta de emplear el presupuesto en construir un puente en África, sigue creyendo que las bienales son una "pérdida de energía y dinero". Tal vez por eso aplaudió convertir el pabellón belga de esta bienal en un espacio vacío, repleto de confeti, titulado Después de la fiesta. Lo firman Geers y Van Severen. Y algo parecido han hecho otros países, como Japón, donde Junya Ishigami ha levantado invernaderos en torno a un pabellón vacío y caligráfico. Entre vacíos, realismo y filigranas, las dos vertientes de la arquitectura actual se han dado cita en esta undécima edición de la Bienal (que tiene lugar hasta el 23 de noviembre). Una trata de resolver problemas y la otra no cesa de proponer utopías formales y conceptuales. Así, es significativo que el León de Plata se lo llevara Gregg Lynn, la gran promesa de la arquitectura digital, por fabricar muebles supuestamente reciclando juguetes pero, en realidad, decapitándolos para que parezcan reciclados. Todo un signo del final de la fiesta.

En el Arsenale, donde exponen los arquitectos seleccionados por Betsky para ilustrar su tesis, Zaha Hadid presenta sus muebles fluidos que funcionan como arquitecturas. Otros autores de formas sinuosas, los neoyorquinos Asymptote, exponen "prototipos de futuro", "casas para el subconsciente". Y Víctor López Cotelo, que muestra su reconversión de una fábrica de curtidos en el pabellón de España, comenta que "las casas deben pensarse para el presente si quieren llegar al futuro".

Pero no todos opinan lo mismo. Los holandeses MVRDV están detrás del Skycar City, "una ciudad que libera al urbanismo de la incomodidad del plano" y en la que los coches circulan... por el cielo. En esa línea, el valenciano Vicente Guallart pone una vela a Dios y otra al diablo cuando propone un vistoso "hiperhábitat" en el que "la interacción de objetos con microordenadores puede programar el mundo", dice. Y se pregunta si el planeta podría resistir otro siglo XX. ¿Cómo han respondido las estrellas arquitectónicas a la provocación de Betsky? Con la fórmula mágica, y nada fácil, de nadar y guardar la ropa. Hay quien lo consigue. El octogenario Frank Gehry, que recibió el León de Oro a su trayectoria, sostiene que "la arquitectura existe antes, durante y tras la construcción". También los suizos Herzog & de Meuron (con Ai Wei Wei) saben hacer equilibrios. Como su arquitectura, su respuesta es sutil. En el corazón del pabellón de Italia tienen instalada una hermosa estructura de bambú de la que brotan sillas. Lo tiene todo: es escultural y espacial, habla de tradición pero no es convencional.

Los comisarios españoles Ángel Fernández Alba y Soledad del Pino también contestan a Betsky eligiendo la obra de arquitectos discretos: Llinás, Clotet, Picado y de Blas, Navarro o el propio Cotelo, y las propuestas de jóvenes. "La ironía no se pasa, pero el chiste sí", comentan.

La propuesta de mayor calado podría estar en el pabellón británico. Cinco arquitectos, de Tony Fretton a Sergison Bates, responden a las especulaciones con la realidad de viviendas públicas. Denise Scott Brown, invitada estelar, lo explica así: "Una enorme preocupación por dar cobijo a los pobres sacará a los arquitectos de la arquitectura y los llevará a la economía y a la política", vaticina. En el pabellón de Francia echan mano de Camus: "La generosidad hacia el futuro consiste en darlo todo al presente". Y dedican su pabellón a lo inesperado: un jardín en la azotea, pequeñas alegrías en lugar de grandes soluciones. Más allá de la arquitectura, la política también pasea por Venecia. Con el lema "Venezuela construye una esperanza", el antiguo pabellón de Carlo Scarpa queda oculto tras paneles que explican la mejora en el nivel de vida de los venezolanos. Contrastan con la información que dan los ex residentes cuando aseguran que Chávez ha eliminado la clase media y se dedica a repartir azúcar, como un señor feudal. El pabellón de Polonia, que explora "la vida después de los edificios", recibió el León de Oro. Y López Cotelo resumió esta edición con esperanza: "A través de lo negativo llegamos a lo positivo".

¿Reprogramando la ciudad?

2008-09-20T23:33:00.000-05:00

JOAN SUBIRATS 18/09/2008

El título de este artículo puede parecer excesivo, pero he de advertir de que mis pretensiones se limitan a la ciudad, y he añadido prudentes interrogantes. En la Bienal de Venecia de este año, el arquitecto Vicente Guallart, con mucha más valentía que yo y sin interrogante alguno de cautela, ha titulado su instalación Hyperhabitat. Reprogramando el mundo. Mi intención es aprovechar el manifiesto del comisario de la Mostra Internazionale di Architettura que se encuadra en la Bienal, Aaron Betsky, en el que plantea el dilema "edificios o arquitectura", para aportar mi granito de arena a tan ambiciosa tarea.

Por lo que se desprende de los resúmenes de prensa que se han publicado acerca de los objetivos de la Mostra de este año, su planteamiento trata de evitar la tendencia a disociar la labor del arquitecto del entorno en el que se inscribe. Betsky denuncia que la tarea específica del proyecto de edificio, con las limitaciones cada vez mayores que incorporan los códigos técnicos y las condiciones de seguridad e higiene, ha ido reduciendo al mínimo la capacidad de experimentación de la arquitectura con relación a la estructura, a la forma o al espacio. "Una arquitectura que pretenda dar soluciones construyendo es falsa, está muerta. Los edificios son la tumba de la arquitectura". Como provocación no está nada mal, y de alguna manera se alude y se critica la moda de contratar arquitectos que dejan caer sus edificios en una ciudad o espacio con una lógica autista, indiferente a su entorno.

El problema es descubrir cuáles serían las salidas a esa hipotética parálisis autocontemplativa. Y por lo que aparece en los medios acerca de las propuestas recogidas en la Mostra veneciana, no podemos ser demasiado optimistas. Por una parte, se exploran diseños de interiores, de objetos, de muebles. Por otra, se apuesta por la interconectividad entre los espacios construidos y el mundo exterior. En la propuesta de Guallart, todos los objetos de las seis viviendas para jóvenes, con un macroespacio compartido, disponen de equipamiento electrónico, que les permite comunicarse entre ellos y con el exterior. El crucifijo con el Vaticano, la bombilla con la central nuclear. Y como afirmó Guallart al respecto, la paella con los potenciales interesados en su ingesta inmediata o la postergada de los restos que acaben sobrando. El objetivo aparente sería avanzar en la optimización de servicios y la autosuficiencia de cada pieza y de la vivienda en su conjunto, "en pos de una mayor eficacia, del ahorro energético, de una mayor interacción social, de un mundo más humano". El objetivo es ambicioso, ya que nada más y nada menos se quieren sentar las bases de una nueva organización mundial.

Simpatizo con la incomodidad que producen esos edificios icónicos convertidos en la expresión más evidente e hiriente de una arquitectura al servicio del marketing de ciudades, de la ciudad espectáculo o de la "ciudad de pensamiento único", en afortunada expresión de la urbanista brasileña Erminia Maricato. Y concuerdo con la necesaria búsqueda de espacios que permitan encontrarnos. Pero lo menos que se puede afirmar es que la propuesta de Betsky está llena de contradicciones, al plantear este tipo de dilemas invitando a "repensar el mundo" a arquitectos como Frank Gehry o Zaha Hadid, que más bien parecen representar la tendencia que se discute. Frente a las dinámicas económicamente hegemónicas, en las que se prima la hipermovilidad de unos cuantos (los frequent flyer class) y al mismo tiempo el repliegue defensivo del lugar en el que tratan de refugiarse, deberíamos poder postular políticas e intervenciones urbanas que traten, al mismo tiempo, de constituir un lugar común (de todos y para todos), la mayor facilidad para la movilidad colectiva (evitando el sentido de clausura, de exilio de la periferia) y la capacidad de gobierno conjunta de esos espacios compartidos. Y para ello hemos de superar esa visión estrecha que prima los lugares físicos y la ornamentación sobre las personas, y que acostumbra a dar por supuestas las prácticas o relaciones sociales a partir de lo construido.

Esa "ideología espacialista" (como dice Olivier Mongin) ha tratado de defender la idea que la clave de la convivencia estaba en el diseño de los lugares, en la combinación de edificios y flujos. Y sin restarle importancia al tema, deberíamos reivindicar la aceptación de una mayor complejidad conceptual y operativa. Para que los ciudadanos puedan hacerse suyos esos lugares, deben poder practicar en ellos su autonomía, ejercitar su diferencia, hacer reales las posibilidades de solidaridad e igualdad. Y sin empleo, sin formación, sin condiciones dignas de habitabilidad, sin transportes adecuados, sin salud o sin seguridad, ello se hace muy difícil. ¿Se puede reprogramar el mundo sólo desde la arquitectura? Necesitamos espacios, pero espacios practicados, espacios conquistados y vividos. Y espacios conectados. La condición de movilidad para todos es hoy esencial. Sin movilidad ya no podrá haber lugares. Una de las formas más evidentes de desigualdad social en la actualidad es precisamente las grandes diferencias que se generan en la capacidad de moverse, de desplazarse, de salir y entrar. Buscamos sitios en los que permanecer y vivir, pero también sitios de los que salir.

No acabo de ver (quizá por mi propia incredulidad ante esos ejercicios elitistas de aparente renovación conceptual que acaban cayendo en los propios vicios autistas y esteticistas que aparentemente denuncian) que las propuestas de la Mostra de Venecia apunten en esa dirección. Lo que necesitamos es conceptualizar y materializar nuevas aproximaciones a los problemas urbanos (sostenibilidad, inclusión social...) y hacerlo no con una estricta mirada disciplinaria, sino con diálogo y la puesta en cuestión de los parámetros que hasta hoy han impulsado la construcción de la ciudad. Y en un plano más operativo, no podemos desvincular esas reflexiones de la existencia de conflictos, de la necesidad de plantearnos nuevas formas de gobernar las ciudades. Una agenda urgente y exigente de nuevas políticas urbanas y sociales en la que la arquitectura, con sus espacios, edificios y capacidad reflexiva, debe estar presente, en diálogo con muchos otros actores y colectivos.

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Joan Subirats es catedrático de Ciencia Política de la UAB

La Solana del Mar y La Ricarda

2008-09-20T23:32:00.000-05:00

ORIOL BOHIGAS 17/09/2008

Han llegado hasta aquí persistentes rumores de una protesta colectiva contra la degradación y la destrucción parcial de uno de los edificios más significativos de la arquitectura moderna en Uruguay y seguramente en toda la América Latina: La Solana del Mar, en Punta Ballena, obra del catalán Antoni Bonet (1913-1989).

Josep Lluís Sert y Antoni Bonet fueron, en dos etapas muy próximas y consecutivas, los mejores representantes en España del Movimiento Moderno, los arquitectos con mayor cultura internacional y con una sensibilidad extraordinaria que les permitió elaborar la evolución de los iniciales dogmas racionalistas hacia la reintegración crítica de las realidades locales, las tradiciones constructivas y el complejo identitario del genius loci, en lucha contra el amaneramiento del International Style. Los dos sufrieron el exilio después de la Guerra Civil y desarrollaron su obra en América hasta que retornaron a Cataluña, donde pudieron volver a trabajar, con intervalos sucesivos pero con obras significativas y sin duda muy valiosas.

Una de las obras que catapultaron a Bonet al prestigio internacional fue, precisamente, la urbanización de Punta Ballena, construida en los años cuarenta en un paraje todavía inmaculado de una belleza sorprendente. En los últimos años esa belleza natural ha sido gravemente mutilada por la especulación turística adocenada y abusiva. A pesar de ello, el conjunto de la urbanización, las viviendas privadas proyectadas por Bonet y el centro social de la colonia -la Solana del Mar- han mantenido su presencia activa, si no en el nivel de uso que prometían, por lo menos como testimonio de una aventura cultural en el paisaje y en la forma de vida. Parece, no obstante, que la degradación y la ausencia de una protección oficial están afectando al conjunto, sobre todo al edificio central, de carácter más comunitario y, en cierta manera, más representativo.

Desgraciadamente, la obra de los arquitectos hay que juzgarla teniendo en cuenta el complicado itinerario de fracasos y encargos interrumpidos. Los dos proyectos urbanísticos más ambiciosos de Bonet fueron el Plan de Buenos Aires de la época de Perón y el Plan de la Ribera en Barcelona de la época de Porcioles. Ninguno de los dos llegó a realizarse a pesar de los buenos apoyos políticos y económicos, y del interés programático de las propuestas. En ambos estableció una nueva fidelidad a los principios del urbanismo racionalista o funcional, condicionados, no obstante, a un inicial realismo estructural y estético, por lo cual pueden todavía citarse como testigos de un momento crucial en la evolución de los nuevos asentamientos urbanos y en la rehabilitación de los antiguos, adictos a la esencia del lecorbusierismo, pero tendentes al reconocimiento de una urbanidad más consensuada.

Esa misma actitud -con las variantes impuestas por el tema- se descubre también en las diversas viviendas unifamiliares que Bonet construyó en Cataluña. Entre ellas, las más representativas son la Casa Gomis, en La Ricarda, junto al aeropuerto de El Prat, y la Casa Cruïlles, en una playa de Aiguablava, dos obras maestras indiscutibles, adaptadas a las exigencias del paisaje, definidas con racionalidad geométrica, construidas con sistemas de bóvedas según tradiciones locales, enmarcadas en un lenguaje a la vez radicalmente innovador y pudorosamente tradicional. A la torre de la plaza de Urquinaona -una de las mejores obras de la época incierta de los "edificios singulares"- podrían aplicarse los mismos adjetivos.

La maravillosa casa de La Ricarda, ante los cambios del aeropuerto y la proximidad de las nuevas pistas, las normativas de la costa y la depauperación ambiental, ha dejado de funcionar como una vivienda unifamiliar estable, pero se mantiene con dificultades como un modelo paradigmático. El profesor Jordi Garcés inicia cada año su curso en la Escuela de Arquitectura acompañando a todos sus alumnos a visitar esa casa y a analizar los parámetros estilísticos y metodológicos que pueden ser todavía el sustento de un programa pedagógico. Es un monumento, por tanto, que hay que conservar y potenciar con inteligencia y con sentido de la historia. Y en este caso la conservación pasa ineludiblemente por destinarle un uso más colectivo -más histórico- que supere los residuos de una vivienda familiar, hoy día ya prácticamente imposible. Sé que ha habido gestiones con la Generalitat, el Ayuntamiento de El Prat, la Universidad Politécnica y el Colegio de Arquitectos para definir y promover institucionalmente esos nuevos usos, sin resultados positivos. Parece que la propiedad está dispuesta a colaborar y, de momento, mantiene la estabilidad y el valor paisajístico de esa joya de la arquitectura. Pero no es suficiente: el único camino eficaz para mantener un monumento que ha perdido su uso es aplicarle otra función adecuada y compatible.

Evidentemente, tenemos que sumarnos a la llamada colectiva en defensa de La Solana del Mar y de todo el conjunto de Punta Ballena, pero en paralelo tendríamos que preocuparnos fundamentalmente de La Ricarda y, en segundo término, de otras obras de Bonet construidas en Cataluña que pueden estar en peligro de decadencia e incluso de ruina. Casi siempre la solución será encontrar nuevos usos a las edificaciones que se han convertido parcialmente en obsoletas, porque, sin un contenido adecuado, la arquitectura se momifica y acaba en una extemporánea y difícil pieza de museo insostenible o en una ruina ni siquiera aureolada por un contexto romántico.

Oriol Bohigas es arquitecto

Calatrava pierde las alas

2008-09-20T23:30:00.000-05:00

Mientras todo Nueva York se rendía durante el pasado aniversario ante la evidencia de que la reconstrucción de la zona cero es un desastre, Santiago Calatrava, responsable del intercambiador de transportes, afirmaba: "En Nueva York no hay problema. Los trabajos continúan adelante". Lo declaró a este periódico después de que el alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg clamara, en un artículo publicado en The Wall Street Journal, que su estación debía "reducirse" por ser "demasiado complicada". El regidor no sólo criticó el intercambiador, sino toda la reconstrucción del solar que ocupaban las Torres Gemelas.

Pero, puesto que se asentarán sobre el centro de transportes, las obras de los edificios dependen de que avance o no el ambicioso proyecto del ingeniero y arquitecto español, que nació con un presupuesto de 2.200 millones de dólares (1.547 millones de euros), pero que se ha multiplicado y cuesta ya un tercio más. En definitiva, si la construcción del intercambiador se retrasa, toda la zona cero sufre.

Pese a haber sido aplaudido unánimemente por su diseño "excepcional", según el arquitecto Daniel Libeskind, autor del proyecto original general para toda el área, además de estar resultando más caro de lo previsto, la idea de Calatrava va perdiendo poco a poco su esencia original. Lo más aplaudido desde que se conociera el proyecto, era que incluía una estructura transparente que evocaba las alas de una paloma y que, al abrirse, permitiría la entrada de luz natural. En julio ya se anunció que las alas no eran viables. El mes próximo se sabrá hasta donde podrá volar Calatrava.

'Zona cero': misión imposible

2008-09-20T23:26:00.001-05:00

Un complejo entramado de intereses políticos y económicos retrasa la reconstrucción del World Trade Center - Las obras podrían durar otros 10 años más

BARBARA CELIS - Nueva York - 15/09/2008

Ni Sexo en Nueva York ni Los Soprano. El verdadero culebrón que mantiene en vilo a Manhattan se titula zona cero y acaba de entrar en su octava temporada. Desde que los atentados del 11-S derribaran las Torres Gemelas dejando al desnudo 64.000 metros cuadrados de isla, un puzle de emociones, intereses económicos y políticos se ha adueñado de aquel espacio, impidiendo su renacimiento urbanístico. "Siete años después de los ataques, el solar en el que se erigía el World Trade Center sigue teniendo el triste sabor de un área en construcción", clamaba durante el reciente aniversario un editorial de The New York Times.

El mito de Nueva York como ciudad urbanísticamente dinámica del que el Empire State Building era el mayor emblema -se construyó en apenas 13 meses en 1931- se ha topado con el muro inexpugnable de un ambicioso proyecto de presupuestos astronómicos que nadie sabe cómo financiar. La última estimación rondaba los 13.000 millones de dólares (9.100 millones de euros), pero aparentemente sólo existe la mitad de ese dinero.

Además, en siete años el precio de los materiales de construcción se ha encarecido en un 30%, por no hablar de la crisis económica que ha golpeado ese sector y que hace que cada decisión tenga que ser calibrada con extrema atención. Los enfrentamientos de poder entre las 19 agencias locales, estatales y federales que participan en el proyecto han llevado a una falta absoluta de dirección en las obras. A esto hay que añadir continuos cambios en el diseño de toda el área, debidos en gran parte a la politización de los sentimientos que genera un espacio con sobredosis de carga emocional: no sólo es terreno edificable, sino el santuario en el que murieron casi 3.000 personas un fatídico 11 de septiembre.

El resultado de este cóctel único es que los plazos para la finalización de la construcción de cinco rascacielos, un monumento, un museo dedicado a las víctimas, dos centros culturales y un intercambiador de transportes -el que diseña el español Santiago Calatrava- volverán a retrasarse oficialmente a finales de septiembre. "Los plazos actuales no son realistas, así que la Autoridad Portuaria de Nueva York publicará en dos semanas un nuevo calendario. También los presupuestos volverán a cambiar", aseguró a este diario su portavoz Steve Coleman. Esta agencia es la encargada de dirigir la construcción de un área de la que es propietaria, pero cuyo alquiler hasta finales de siglo está en manos de Larry Silverstein, el magnate inmobiliario con los mayores intereses económicos de la zona cero.

Silverstein era el arrendatario de las Torres Gemelas, por cuya pérdida recibió el pasado año 4. 500 millones de dólares (3.160 millones de euros) de sus aseguradoras, un tercio de lo que en 2003 se calculaba que podría costar la reconstrucción de la zona cero. Con ellos ha financiado el único edificio que ya existe, el WTC7 y parte de la construcción de las torres 2, 3 y 4, cuyas obras comenzaron este año. También está en sus manos la torre 5, imposible de construir hasta que no se desmantele el ruinoso Deutsche Bank Building, un edificio dañado durante los ataques, pero aún en pie en medio del solar. La emblemática Torre de la Libertad, que este mes alcanzó los ocho metros de altura -¡después de cuatro años de obras!-, también depende en gran parte de su bolsillo, aunque por conflictos políticos -tiene carga simbólica- este año la responsabilidad de la construcción se le entregó a la Autoridad Portuaria.

El controvertido rascacielos, coronado por una espiral en su cima que emulará la antorcha de la Estatua de la Libertad y que algún día alcanzará una altura de 541 metros (1.776 pies, cifra simbólica que alude a la fecha de la independencia norteamericana) es el perfecto reflejo del caos en el que se ahoga la reconstrucción.

Originalmente fue concebido por Daniel Libeskind, que ganó en 2003 el concurso de planificación de toda la zona cero, titulado Memory foundations (Cimientos de la memoria). Un año después, las discrepancias entre Silverstein y el arquitecto obligaron a que Libeskind aceptara el rediseño de esa torre hecho por David Childs, de la firma SOM, que se llevó el suculento encargo de su construcción, presupuestada entonces en 3.000 millones de dólares (2.110 millones de euros). Seguridad y problemas técnicos han hecho que su diseño vuelva a cambiar tres veces desde entonces. "El resultado es que ahora la Torre de la Libertad es un híbrido mediocre", ha sentenciado Paul Goldberger, crítico de arquitectura de la revista New Yorker. Esa torre, que este año tendría que haber alcanzado la mitad de su altura, también tiene financiación pública a través de la Lower Manhattan Development Corporation, una confusa agencia creada tras los atentados con el fin de gestionar, entre otras cosas, los fondos federales para la reconstrucción y que ahora el alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, quiere desmantelar. "Debería entregarle a la alcaldía sus responsabilidades en la construcción para eliminar burocracia innecesaria", clamó la pasada semana desde las páginas del Wall Street Journal.

Respecto a las torres 2, 3 y 4, Silverstein le entregó el encargo a los estudios de Richard Rogers, Norman Foster y Fumihiko Maki. Sin embargo, según fuentes cercanas a uno de ellos, "todo está casi paralizado porque hay continuos retrasos en la construcción del monumento y el intercambiador, y eso imposibilita ponerle fecha al fin de las obras de los edificios. Sin una fecha de entrada, es difícil captar clientes dispuestos a alquilar oficinas, contratos de los que depende el dinero para completar los proyectos".

El monumento a las víctimas diseñado por Michael Arad y Peter Walker es otro culebrón en sí mismo. Con un presupuesto de 1.000 millones de dólares (700 millones de euros), tenía que haber estado listo en 2009. Pero la falta de fondos y las protestas de los familiares, que consideraron que era un monumento a los edificios y no a los muertos, retrasaron su arranque (la primera columna de sus cimientos se puso el pasado 2 de septiembre). Las familias de las víctimas también dinamitaron el complejo museístico que lo iba a acompañar, donde estaba previsto crear el Centro Internacional de la Libertad, dedicado a mostrar la historia internacional de la lucha por las libertades, y el Museo del Dibujo. Al primero, las familias lo consideraron irrespetuoso porque hablaría de "otros" cuando aquello era un terreno dedicado a "sus" víctimas. Y clamaron contra el Museo del Dibujo porque en su actual sede neoyorquina se había atrevido a mostrar "arte antipatriótico" (una exposición sobre las torturas de Abu Ghraib). "No fueron sólo los familiares, muchos ciudadanos se quejaron", se excusaba a este periódico Michelle Breslauer, portavoz del museo y monumento a las víctimas del 11-S. La firma Snohetta, escogida para diseñar el complejo museístico ha tenido que limitarse a diseñar una entrada para el Museo de las Víctimas.

Breslauer no quiere criticar los retrasos que ha sufrido un monumento cuyo presupuesto ha encogido en 500 millones de dólares. "Han pasado muchas cosas, pero ahora lo único importante es que todos los implicados en la zona cero se comprometan a terminarlo para el décimo aniversario. Las víctimas necesitan un lugar al que ir a recordar a sus muertos", declaró.

Del centro cultural que iba a construir Frank Gehry no hay ni rastro en los planos actuales porque no hay fondos para construirlo. "No arrancará hasta, al menos, 2010 o 2011, cuando finalicen las obras del intercambiador de Calatrava", ha declarado Silverstein. Toda la expectativa se centra ahora en las nuevas fechas que anunciará la Autoridad Portuaria en breve. Pero, a la vista de las circunstancias, al culebrón de la zona cero aún le pueden quedar 10 años de vida por delante.

Esquisses d'un au-delà de l'architecture

2008-09-20T23:24:00.000-05:00

REPORTAGE. La 11e Mostra internationale expose des installations plutôt que des constructions. Pour plus d'idées, une exploration des pavillons nationaux s'impose.

Lorette Coen, Venise
Samedi 20 septembre 2008

Décor immuable, Venise et sa lagune, sites identiques, affluence affolante, convergence massive de journalistes et couverture de presse impressionnante: la 11e Mostra internationale d'architecture n'a plus rien à envier, désormais, à sa grande sœur, la Biennale de l'art. Ouverte le week-end dernier sous des trombes d'eau, elle a refusé une foule de «beautiful people» à la fête inaugurale, en dépit des cartons d'invitation, au prétexte que l'immense Arsenal était plein. On se contentera de pressentir la présence de têtes couronnées - Jean Nouvel, Zaha Hadid ou encore Frank O. Gehry, sacré du Lion d'or pour l'ensemble de sa carrière. Puis on plongera jusqu'à l'asphyxie visuelle et intellectuelle dans cette Biennale démesurée, galaxie foisonnante et confuse sur laquelle d'innombrables expositions, conférences, débats et réceptions sont venus se greffer.

A l'orée des Giardini di Castello, site des pavillons nationaux, une rencontre rafraîchissante: celle de la Pallethouse des Viennois Andreas Claus Schnetzer et Gregor Pils, l'un des dix projets lauréats du premier Concours étudiant européen d'architecture durable. Ce prototype grandeur nature construit à l'aide palettes recyclées s'adapte aux situations les plus variées: maison de vacances aussi bien que logement d'urgence pour personnes déplacées ou habitants de bidonvilles. On retrouvera d'autres architectes en herbe exposés dans les Artilleries, espace dévolu à Everyville, le concours «on line» pour jeunes talents lancé par Aaron Betsky, le directeur américano-néerlandais de cette 11e Biennale.

782 candidats, de 48 pays, les plus nombreux originaires d'Italie, des Etats-Unis et du Brésil, ont répondu à la question résumée ainsi: imaginez une ville, rappelez-vous celle où vous avez grandi, vos sensations, les sons, le vent dans les arbres... Or voici qu'aujourd'hui les lieux s'évanouissent plus rapidement qu'une vie humaine. Dans ces conditions, qu'est-ce qui constitue la réalité, qu'est-ce qui confère un ancrage physique et social? L'architecture, au sens traditionnel, n'apporte pas la réponse. Car comment construire un sentiment d'appartenance communautaire alors que l'espace matériel se dérobe? Formulées par des étudiants de toutes disciplines, les cinquante meilleures réponses, projetées sur grand écran, selon un système habile et ludique capable de relier thématiquement les projets entre eux, offrent des préfigurations de l'avenir d'un enthousiasme entraînant.

Heureusement. Car la visite de l'Arsenal évoque celle d'un bric-à-brac. Priés de renoncer aux habituels plans et maquettes, les quelque 22 bureaux invités par Aaron Betsky - selon quels critères? - s'y expriment de manière plus ou moins forcée et séduisante, sous forme d'installations plus ou moins hermétiques. L'exercice paraissait périlleux d'emblée; et, en effet, mimer les langages de l'art pour traiter le thème de cette Biennale, «Out There. Architecture Beyond Building» (Là-dehors. L'architecture au-delà du bâtiment), n'a pas produit de discours articulé perceptible.

Dans un tel contexte, le Suisse Philippe Rahm reste l'un de ceux qui tire le mieux son épingle du jeu. Alors que les visiteurs passent devant la pièce de mobilier de tonalité citron, aux sempiternelles formes fluides, le Lotus Design de Zaha Hadid, ils s'arrêtent devant le Digestible Gulf Stream qu'il a imaginé, prototype d'une architecture qui travaille sur les températures, les atmosphères, la lumière. Entre deux plans métalliques horizontaux, placés à des hauteurs différentes, portés l'un à la température de 28°, l'autre à 12°, se crée un mini courant d'air; un paysage météorologique invisible se trouve ainsi construit. D'autres expositions-installations - Hall of Fragments, Rome interrompue, La Ville non éternelle - occupent encore l'Arsenal sans qu'un sentiment autre que celui d'impuissance ne se dégage de cette accumulation d'images.

Inversement, dans certains pavillons nationaux des Giardini, qui proposent des réflexions sur l'architecture durable (l'Allemagne), le logement social (l'Angleterre), l'éducation et la recherche (la Suisse), le changement climatique (le Danemark), s'ouvrent, plus humblement, des pistes autrement fructueuses. Ainsi, cette remarque formulée lors d'un débat organisé dans le pavillon helvétique, par Alejandro Aravena, représentant le groupe chilien Elemental, lauréat du Lion d'argent pour jeunes architectes prometteurs: faire de l'architecture aujourd'hui, c'est élargir son métier à la solution de problèmes d'intérêt général. Elemental en a donné l'exemple très concret en dressant des projets de logement, assortis de modes de financement originaux qui favorisent l'inclusion sociale ainsi que la densification urbaine. Un discours terre à terre, très au-delà du bâtiment selon Aaron Betsky.

© Le Temps, 2008 . Droits de reproduction et de diffusion réservés.
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Una Bienal más allá de la arquitectura

2008-09-20T23:23:00.000-05:00

La megaexposición de la ciudad italiana, que estará abierta hasta el 23 de noviembre, busca la sostenibilidad. La edificación pierde protagonismo.

Venecia, Italia, EFE

Los edificios, a pesar de ser los elementos que se asocian intuitivamente con la arquitectura, no tienen cabida en la edición del 2008 de la Bienal de Venecia. La exhibición se centra, más bien, en proyectos innovadores sobre cómo hacer el espacio más habitable.

“La arquitectura no se trata solo de construir, sino del modo de pensar y dialogar sobre los edificios. Es el modo de representarlos y realizarlos. Y, de forma más genérica, es un modo de dar vida y de dar alternativas críticas al ambiente humano”, sostiene el comisario de la Bienal, Aaron Betsky

A esta tarea se dedican los 25 estudios internacionales que participan en esta sección, la principal de la XI Muestra Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia, que cerrará sus puertas el 23 de noviembre, añade el estadounidense.

Por esto, tanto los promotores de la cita como algunos especialistas han apuntado que la muestra parece más propia de un museo de arte contemporáneo que de una exposición de arquitectura de uso.

Las creaciones elegidas son, en su mayor parte, instalaciones de aspecto futurista y visionario sobre posibilidades inexploradas de ‘habitar’ el espacio, que en varios casos permiten la interacción del visitante e incluyen una ‘performance’ en vivo.

La propuesta de la arquitecta de origen iraní Zaha Hadid y su socio Patrick Schumacher, por ejemplo, es un enorme mueble verde de una sola pieza con una compleja forma que permite su uso para descansar sentado, dormir, guardar cosas o simplemente curiosear y ‘toquetear’. Muy cerca está la del estadounidense Frank Gehry, que consiste en una estructura de madera recubierta de placas de barro seco.

Al comienzo del recorrido está un mosaico de docenas de bolas blancas y negras que contiene purificadores de aire, un elemento que aparece como Leitmotiv en varias salas para ‘crear atmósfera’ en el Arsenal, el edificio de la muestra, aunque el calor de Venecia mermó su eficacia.

Entre los elementos más llamativos se encuentra la ‘performance’ creada por el equipo de Philippe Rahm, que consiste en un grupo de jóvenes parcial o totalmente desnudos que, tendidos sobre una amplia plataforma blanca, se dedican a dormir, cantar o tocar música.
Una de las instalaciones más explícitas sobre el futuro del urbanismo es la del estudio Drogg & Kesselkrammer, que, con el título ‘Singletown’ (Ciudad de solteros), representa a varios maniquíes ‘encajados’ cada uno en una pequeña casa y plantea la necesidad de crear nuevas redes sociales ‘en un mundo atomizado’.

La preocupación por crear hábitats adecuados y confortables llega incluso a la sala de prensa, equipada con varias camas y colchones tirados en el suelo, donde los periodistas pueden tomarse un descanso, protegidos por las figuras de dos leones alados, símbolos de Venecia.

Koolhaas designs ‘peek-a-boo’ building for New York skyline

2008-09-20T23:22:00.000-05:00

Posted by Kevin Brass in Lots Of Zeros, News, General

Bird’s Nest designers Herzog and de Meuron are not the only A-list European architects unveiling plans for towers in New York City these days. Plans were recently released for a new residential tower designed by Dutch master Rem Koolhaas’s Office for Metropolitan Architecture, which is creating compelling, thought provoking designs for cities around the world.

The project, 23 East 22nd Street, is tucked behind an existing tower, One Madison Park, creating a unique challenge. The result is “a form that steps out from behind, in a peek-a-boo shape that recalls his 1978 book, “Delirious New York,” in which skyscrapers do a tango,” the New York Times reports. Units in the building will range from a $7 million studio to a $50 million penthouse (about €4.9 million to €35 million).

The New York Sun dubbed it the “Peek-a-boo Building,” and took hyperbole a step further by also calling it the Lou Costello of towers. “Peeking out from behind the back of the taller building, it will deliver the impish and subversive laugh lines, while the taller building, the grown-up straight man in the equation, will preserve its unflappable rectilinear integrity,” the Sun said.

Koolhaas’ contribution—his first tower in New York—is part of a recent flood of top architects reshaping the New York skyline, as chronicled by a recent Financial Times article. “Every big figure from contemporary architecture is building there now, and building big,” the article notes.

How the works of Le Corbusier touched his admirers

2008-09-20T23:21:00.000-05:00

Architect, artist, visionary - Le Corbusier won admirers in many fields. Our correspondent talks to collectors and fans
French architect Le Corbusier
Christian Pambrun

HEIDI WEBER

Weber met Le Corbusier in 1958, when she was a successful interior designer in Zurich, and their subsequent collaborations led to her building a museum, the last building Le Corbusier designed and the only one in steel and glass, to house her vast collection of Le Corbusier artworks.

In 1957 I went to see a Le Corbusier exhibition at the Kunsthaus in Zurich, and I didn’t know at that time that he was a painter. I knew his architecture, but not painting. I was unbelievably moved. Then a neighbour, a graphic designer who had made the famous seven-volume book of Le Corbusier’s work, told me that he had an original Le Corbusier collage. I closed my interior design store and went to see it right away.

When I saw it, I asked if I could buy it from him. He said never: I paid 200 francs and I will never sell it. Then, about three or four weeks later, he came to my store. It was a lovely sunny day, and we went to the country park in my Fiat Topolino. He was saying, “Oh, it’s so fantastic in the car – without the car you can’t do anything like this,” and I replied, “But you have money, surely you can afford a car?” He said no, he had no money at all. Then I jumped in – but you have the collage at home! I’ll give you my car for it, I offered. He said that I was crazy, that he had only paid 200 francs for the collage. The car was 3,500 francs. I said no question, I would give him anything he wanted for it. So, we went home, I gave him the key to the car and he gave me the collage.

That was the year before I met Le Corbusier at his house in Cap Martin, on the French Riviera. I knew one of his friends, and went to see him there. Le Corbusier showed me around his house, and always in my mind was getting another painting. I was young and full of excitement, and I offered to exchange a Picasso for a painting of his. He looked at me with open eyes and he said, “All right, but how much do you want to pay for it?” I said that I had 10,000 francs in the bank, and he opened his eyes big and replied, “You really want to pay as much for a painting?” I would have paid anything. I would have sold my house for a painting! And that’s how we started.

He only designed about five private houses, he was only engaged in social projects – that’s why I worked with him. He was a real humanist. He was a very correct person, very quiet, but each minute, creative. He said nothing without creating ideas. And he was very polite. He would give a little smile and say, “Mrs Weber, come more often to Paris, it would be my pleasure.” I went every two weeks for seven years.

ALEXIS LAUTENBERG

In 1956, the father of Alexis Lautenberg, the Swiss Ambassador to London, gave him a drawing made by Le Corbusier in 1953. The Ambassador has treasured it since.

I lost my father when I was a little boy and this drawing was the last gift he gave to me. He bought it in the South of France where he used to spend his holidays. He gave it to me when I was about 11, and he died when I was 12, and I have been travelling with it ever since.

My father was a very wise man. He was interested in the development of social expressions in architecture and its important role in the immediate postwar period. He had a strong relationship with France, and was an admirer of Le Corbusier, so it was an obvious choice. He was amused by the drawing – he thought it was a nice thing to give to a little boy. I’m not going to sell it – this drawing is a very nice memory of that time.

When I was Ambassador to the EU in Brussels [1993-2000], I had a fantastic team around me and I gave everyone a copy of the drawing. I think it’s a very nice souvenir.

I didn’t realise straight away how important the drawing was, I was just trying to understand what the message written on it meant. I have considered the message [here translated from French] very important for the rest of my life. The three sentences are loaded with meaning. “To fight the mills” means that you have to stand for something – as does “Overthrowing Troy”; this refers to breaking up established thinking and inherited situations. The third one, “To be ready to carry the load”, is something that every one of us should do, and the last bit, “Without money”, is a very nice message – particularly when you read it today.

Le Corbusier was intellectually and conceptually far ahead of many others. In a way, he’s now rediscovered – he’s a very interesting choice as one of the key exhibitions in the Liverpool capital of culture programme.

NIALL HOBHOUSE

The governor of the London School of Economics and chair of its advisory board owns two very special pieces made by Le Corbusier: a 1951 model of one of the walls of the Notre Dame du Haute chapel in Ronchamp, eastern France, and a set of drawings for the Baghdad Olympic Stadium – which was one of the architect’s major projects that was never built.

These works came from one of Le Corbusier’s assistants who had worked in his office in the Rue de Sèvres [in Paris]. I bought them three or four years ago during a trip to America – they were then owned by the family of this assistant. When I saw them, I knew absolutely that I wanted to own these works. I felt that no one had been paying them attention.

What motivated me to buy them is that they’re from a phase of Le Corbusier’s architecture that has really been influential in many ways: they gave an idea of how concrete could be used in a powerful architectural way, and how architecture was liberated from a very rectilinear conception.

I have been to Ronchamp four or five times. It’s a fascinating place for architects or people really interested in architecture. I own a model of the southwest wall and the rest may have been destroyed, though there is no evidence that it was ever part of a larger or complete model of the chapel. It was made for the specific purpose of studying the effect of the window embrasures within the enormous thickness of the south wall – it seems that Le Corbusier was trying to work out the best distribution of the holes and the effect of the light on them.

Regarding the Baghdad Olympic Stadium drawings, “Corb” was discussing with his assistants how to represent plastic moulded forms in two dimensions – as they were making those new revolutionary shapes in architecture, they were forced to find a brand new language of representation. The project ran for an incredibly long time, and there are a lot of documents of all kinds related to it. The one that I’ve got is the most finished.

Both objects interest me in different ways. Not so much because of what they are, but in their capacity for conveying ideas. I’m interested in the process behind them. They’re incidentally beautiful because of the way they articulate ideas that were present during their making. I’m fascinated with the reasons why architects designed buildings the way they did, and especially with Ronchamp. Owning those works is a little bit like touching the hand of God, it’s an incredibly direct connection with Le Corbusier.

Le Corbusier – the Art of Architecture, the Crypt, Liverpool Metropolitan Cathedral (www.architecture. com/lecorbusier), Oct 2-Jan 18 2008

Des nouvelles des medias d’architecture entendues à Venise

2008-09-20T23:20:00.001-05:00

18/09/2008 Papy fait de la résistance.

Jean Nouvel, l’architecte médaillé, s’est porté acquéreur du groupe JMP ( Jean-Michel Place,) il se retrouve donc à la tête de la revue historique AA ( Architecture d’Aujourd’hui ) ainsi que de la revue Techniques et architecture. Personne ne savait dire à Venise, qu’elle en sera la ligne éditoriale, ni l’éventuelle implication de proches de Jean Nouvel ( Hubert Tonka, Jean-Paul Robert, Odile Fillion ) dans cette nouvelle aventure.

Souvent mécontent du traitement de ses réalisations par les médias, qu’il juge partisan à son égard, Jean Nouvel, cependant sauve ainsi les dernières revues françaises d’architecture.
A suivre.

Les jeunes s’en vont.

Les difficultés de la presse généraliste française ont de sérieuses répercussions sur le renouvellement des générations. Coup sur coup on apprenait le départ de Marie-Douce Albert du Figaro, après onze années de collaboration au quotidien, elle part s’installer en Belgique, et de Cyrille Poy de l’Humanité, qui devrait notamment animer des conférences au pavillon de l’Arsenal. ( Ville de Paris. )

Solano Benítez ganó premio en Suiza

2008-09-20T23:18:00.000-05:00

El arquitecto compatriota Solano Benítez ganó ayer la primera edición del BSI Swiss Architectural Award, con un monto de 100.000 francos suizos (alrededor de 360 millones de guaraníes). El galardón para profesionales menores de 50 años fue fruto de una extensa selección previa y es el resultado del alto nivel conceptual de Benítez.

La comunicación oficial se realizó ayer en Lugano, Suiza, y se trata de un premio internacional de arquitectura auspiciado por la BSI Architectural Foundation con el patrocinio de la Oficina Federal de Cultura de Berna y de la Academia de Arquitectura de Mendrisio (Universidad de la Suiza Italiana). En el Gabinete de Arquitectura donde desarrolla su labor sobre la calle Padre Cardozo casi Juan de Salazar, Benítez recibió a familiares, colegas, medios de prensa, para festejar esta distinción que significa un compromiso para el equipo de profesionales que está desarrollando su labor hace varios años.

El premio se otorga a un arquitecto que haya “contribuido de manera decisiva a la cultura arquitectónica contemporánea y ha demostrado una sensibilidad especial hacia el contexto paisajístico y medioambiental”.

El jurado presidido por Mario Botta y compuesto por los arquitectos Emilio Ambasz (Nueva York), Valentín Bearth (Coira), director de la Academia de arquitectura de Mendrisio, Zhi Wenjun (Shanghái) y Davide Croff, anterior presidente de la Fundación de la Bienal de Venecia, le ha concedido el premio de forma unánime. Las tres obras presentadas por Benítez (una tumba en Piribebuy realizada en 2000-2001, la sede de Unilever en Villa Elisa realizada en 2000-2001 y la casa Abu&Font en Asunción realizada en 2005-2006) convencieron al jurado por su singular fuerza expresiva y por su capacidad de conjugar una lúcida relectura de la tradición del Movimiento moderno con una especial consideración hacia el contexto en el que se crean.

Según Mario Botta, presidente del jurado, “la investigación arquitectónica de Solano Benítez, elaborada en un contexto político-económico problemático, con dificultades operativas objetivas y alejada de los procesos productivos impuestos por la globalización, resulta ser de una calidad extraordinaria. La mayoría de las veces, Solano Benítez usa materiales simples”.

El Reina Sofía acoge presentación de la arquitectura de la Expo de Zaragoza

2008-09-20T23:17:00.001-05:00

El presidente de la Sociedad Expoagua, Roque Gistau, ha presentado hoy, en el Museo Reina Sofía de Madrid, una colección de libros de arquitectura que pretenden ser un legado importante para el futuro de la Expo de Zaragoza y para la arquitectura de la capital de Aragón.

Durante la presentación de la revista 'Z Arquitectura', Gistau ha comentado que uno de los objetivos de la Expo ha sido crear 'una pastilla urbana de la mayor calidad arquitectónica del siglo XXI, tanto desde el punto de vista del diseño como de la eficiencia en el uso de materiales, y en sostenibilidad, que era uno de los lemas de la exposición.

El presidente de Expoagua ha manifestado que los edificios que van a permanecer, tras cerrar sus puertas la Expo el pasado día 14, 'son los más emblemáticos', y entre ellos ha citado la Torre del Agua, su preferido, así como el Pabellón de España y el de Aragón.

El presidente de la demarcación de Zaragoza del Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón Luis Peirote, ha explicado que el primer número de las revistas editadas recoge un reportaje de todos los concursos que se hicieron con arquitectos internacionales y nacionales; el segundo y tercero describen como comenzó a construirse la Expo, y en el último se muestra la Expo tanto fotográficamente como en planos arquitectónicos.

Peirote ha señalado que las revistas, que se han agotado, se van a seguir reeditando y se va a realizar un estuche que contenga los cuatro números.

En cuanto a sus preferencias por las obras de la Expo, Peirote ha comentado que tiene predilección por las que van a permanecer, es decir que no son arquitectura efímera, por lo que le gusta la recuperación de las Riveras del Ebro, el Pabellón de España, la Torre del Agua, y el Pabellón Puente.

Por último, el director de la revista 'Z Arquitectura', José Javier Gallardo, ha comentado que la labor fundamental de la revista es 'difundirla' ya que pretenden que a través de esta edición se conozca Zaragoza porque quieren una 'ciudad con marca'.

A su juicio, es importante que los ciudadanos conozcan que detrás de la Expo 'hay una ciudad muy bien hecha, muy bien constituida, y regenerada', en la que hay oportunidades empresariales, sociales, lúdicas y económicas.

Venice Architecture Biennale: Ideal Homes

2008-09-20T23:14:00.003-05:00

By RACHEL SPENCE Wednesday, Sep. 17, 2008
IT'S A WIRED WORLD: Guallart Architects' Hyperhabitat installation
Guallart Architects

Asked what he hoped to achieve as curator of this year's Venice Architecture Biennale, Aaron Betsky replied: "To astonish and amaze." He succeeds. "Out There: Architecture Beyond Building" (until Nov. 23; www.labiennale.org) opens in the Arsenal with a parade of "starchitect" installations — visionary, fantastic creations that push the boundaries of architecture.

Frank Gehry's Ungapatchket, a wooden tower with curved panels covered in clay, is both a design for a contemporary Moscow hotel and a throwback to the plaster-and-wood molds used for the Statue of Liberty. It's a dramatic, back-to-basics statement by the maestro of high-tech spectacle. The Spanish studio of Guallart Architects takes the opposite approach, presenting a Hyperhabitat of household objects embedded with micro servers that digitally communicate with each other.

But whether sci-fi or low-tech, the future of architecture is still, it seems, about people. Landscape artist Kathryn Gustafson offers up Towards Paradise, a lush oasis that stands as an allegory for the human condition. "It's not a Utopia," explains Betsky. "It's a garden you can sit in. A concrete paradise." That, surely, is the ultimate architectural vision.

Peter Zumthor, architecte lauréat du Praemium Imperiale 2008

2008-09-20T23:14:00.001-05:00

L'architecte suisse Peter Zumthor, mondialement connu pour les thermes de Vals, a été récompensé le 16 septembre pour sa "contribution au monde des arts", à travers le Praemium Imperiale 2008 décerné par la Japan Art Association. Une somme de 15 millions de yens (environ 98.000 euros) lui sera remise lors de la cérémonie officielle qui se déroulera le 15 octobre prochain à Tokyo.

Né le 26 avril 1943 à Bâle (Suisse) d'un père ébéniste, Peter Zumthor étudie à Bâle et à New York. Puis, il travaille sur des projets de restauration de bâtiments historiques dans le canton de Graubünden, au sud-est de la Suisse. Devenu architecte indépendant en 1979, il conserve aujourd'hui son atelier dans le petit village de Haldenstein du même canton. Il construit principalement en Suisse mais également dans d'autres pays d'Europe, souvent dans des zones rurales ou montagneuses éloignées des grandes villes. "L'architecture est ma passion, explique Zumthor. Aussi, quand on me propose un projet, il est important pour moi d'avoir la possibilité de faire quelque chose de beau."

Lieux de culte, musée, maison, thermes…
Son talent particulier réside dans la conception de lieux de culte. La Caplutta Sogn Benedetg (Chapelle Saint-Benoît), construite en 1989 dans le village alpin de Sumvitg, remplace une église médiévale détruite par une avalanche. Son intérieur tout en bois, conçu comme un navire, est l'image même de l'ordre. De même en 2007, la Bruder Klaus Feldkapelle (Chapelle Champêtre de Frère Nicolas) émerge des champs au sortir de Cologne. L'édifice incarne avec noblesse le profond engagement religieux des habitants de cette campagne qui vivent en communion avec la nature.

S'y ajoute Kolumba, Musée d'art de l'archevêché de Cologne (photo ci-dessus), applaudi à son ouverture à l'automne 2007, qui exprime la continuité de l'histoire depuis l'époque romaine à travers la revalorisation d'une ruine ancienne. Le musée puise sa force spirituelle dans la lumière naturelle qui en baigne les salles. Zumthor a également construit, entre autres : la Maison Gugalun en Suisse, où il s'est employé à donner un nouveau souffle à une ancienne ferme transmise à travers les générations d'une famille alpine ; les thermes de Vals, également en Suisse, bâti en pierre locale ; ainsi que le Musée d'art de Bregenz (Autriche), couvert de verre translucide.

Dans chacune de ces constructions, l'aspect pratique vit en symbiose avec la dimension esthétique. L'agencement des ombres et de la lumière ne dépareillerait pas dans l'Éloge de l’ombre du Japonais Junichiro Tanizaki. Pour Zumthor, l'architecture ne doit jamais être uniquement fonctionnelle : elle doit également apporter la beauté à l'usage. Les constructions, insiste-t-il, doivent être "conçues spécifiquement pour les lieux qu'elles occupent, pour ainsi dire, faites sur mesure".

A noter que la chaîne de télévision "Arte" diffusera à plusieurs reprises un reportage de 27 minutes sur "Les thermes de pierre" de Peter Zumthor (Richard Copans, réalisateur) : le 18 septembre à 6h10, le 20 septembre à 4h25, le 27 septembre à 11h05 et le 29 septembre à 13h.

Venise, capitale mondiale de l'architecture

2008-09-20T23:13:00.001-05:00

La Sérénissime accueille jusqu'au 23 novembre la XIe Biennale internationale d'architecture autour du thème proposé par son directeur, Aaron Betsky : "l'architecture au-delà du bâtiment".

Face à une telle proposition, les tentatives de réponses sont d'ordre conceptuel - de nombreuses installations artistiques en témoignent, tant dans la corderie de l'Arsenal que dans les pavillons nationaux - ou bien ancrées dans le réel et la pratique du projet. C'est le parti adopté par Francis Rambert, directeur de l'Institut français d'architecture et commissaire du pavillon français. Sous l'étendard de la "GénéroCité", le collectif d'architectes invité French Touch a sélectionné une centaine de bâtiments passés, actuels, ou promis à réalisation, qui démontrent qu'il est possible d'élargir le cadre strict du programme pour aller vers un supplément de valeur d'usage. "Dans une société marqué par le repli sur soi, la générosité apparaît comme une valeur-refuge qui amène à explorer la question de l'usage et non celle de l'image" explique Francis Rambert. Autrement dit, une architecture "qui fabrique de la ville et crée de nouveaux liens sociaux, en donnant plus d'espace intérieur et plus d'espace public, malgré les exhortations à être toujours plus économe en budget et en énergie", précise t-il. Côté récompenses, l'architecte américain Frank Gehry a reçu un Lion d'or pour l'ensemble de son oeuvre, tandis que le pavillon polonais était distingué au titre de "meilleure participation nationale" pour sa réflexion sur le cycle de vie et le devenir des bâtiments dans le monde contemporain.

Jacques-Franck Degioanni

Architecture icône cherche acheteur fiable

2008-09-20T23:11:00.000-05:00

LE MONDE | 17.09.08 | 16h55 • Mis à jour le 17.09.08 | 16h55

Si vous regrettez de ne pas avoir pu acheter la paradisiaque maison Kaufmann, en Californie, lors de sa vente événement par la maison Christie's à New York le 13 mai, consolez-vous : contre toute attente, elle est toujours sur le marché. Fait rarissime, l'acheteur de la villa s'est en effet désisté.
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Icône de l'architecture mondiale, la Kaufmann House a été bâtie en 1947 dans le désert de Palm Springs par un des maîtres du modernisme américain, Richard Neutra. Le 13 mai, elle a une nouvelle fois marqué l'histoire en devenant le premier bâtiment vendu dans des enchères d'art, au milieu de toiles de Mark Rothko, Francis Bacon ou Andy Warhol (Le Monde du 2 mai).

Les vendeurs, Brent et Beth Harris, ont restauré la maison avec soin, au prix de 5 millions de dollars, après l'avoir achetée 1,5 million de dollars en 1993. Ils souhaitaient par cette vente "que les gens voient les maisons modernistes comme davantage que de l'immobilier" : des oeuvres d'art. Le 13 mai, un acheteur anonyme emportait le marché par téléphone, pour 15 millions de dollars, plus 1,8 million de frais. Soit l'estimation la plus basse de la maison, que Christie's avait évaluée entre 15 et 25 millions de dollars.

Quelques mois plus tard, patatras, Christie's annonce que "la transaction a été annulée par le vendeur en raison du non-respect du contrat par l'acheteur". Difficulté à réunir les fonds sur un marché bancaire sinistré par la crise des subprimes ou désamour soudain pour le décor rocailleux de Palm Springs ou les lignes géométriques dessinées par Neutra, le mystérieux acquéreur a en tout cas changé d'avis.

Christie's refuse de donner la moindre indication sur la suite des événements et un éventuel procès, renvoyant vers l'avocat californien des Harris, Mark A. Nitikman. Lequel observe un rigoureux silence radio. La Kaufmann House pourrait être proposée dans une nouvelle vente d'art. Beth et Brent Harris pourraient aussi décider d'afficher simplement leur maison chez un agent immobilier. Au risque de voir s'évanouir les prix mirobolants du marché de l'art : selon le couple, l'estimation de leur bien sur le marché immobilier était inférieure à 6 millions de dollars.
Grégoire Allix

Bernard Tschumi: principes d'architecture dans un taxi

2008-09-20T23:10:00.000-05:00

Le célèbre bâtisseur franco-suisse vient de relever un défi vertigineux en réalisant le Musée de l'Acropole à Athènes. Dans une voiture qui l'amène à Genève-Aéroport, il évoque quelques grands moments de sa carrière.

PAR SYLVAIN MENETREY

Architecte de quelques-uns des bâtiments les plus emblématiques de ces vingt dernières années, théoricien proche des milieux artistiques et personnage cosmopolite, Bernard Tschumi est de passage à Renens, sa ville d'origine. Il est venu expliquer son travail lors d'une conférence sur le lieu de l'un de ses récents hauts faits, le nouveau siège de l'Ecole cantonale d'art de Lausanne (Ecal).

Outre le bâtiment de la fabrique Iril, qu'il a transformé avec l'aide du bureau Fehlmann afin qu'il accueille cette école d'art, il a largement évoqué son dernier projet, un défi vertigineux: la construction du Musée de l'Acropole à Athènes, qu'il vient d'achever.

Tschumi a échafaudé le concept de ce bâtiment avant-gardiste à partir de la fameuse frise en marbre du Parthénon que détient encore le British Museum, mais qui doit réintégrer son site originel.

L'étage supérieur du musée, à la superficie égale à celle du Parthénon, est orienté de manière strictement parallèle au temple antique. Un dispositif qui permettra à la frise de retrouver sa configuration initiale et à l'histoire qui y est gravée d'être perçue comme jadis.

Ce parti pris donne toute son originalité et son élégance au bâtiment dont l'étage semble se déhancher au-dessus d'un rez-de-chaussée, lui-même posé sur des pilotis de béton qui sauvegardent les fouilles archéologiques du sous-sol. Un nouveau tour de force pour l'architecte franco-suisse de 64 ans qui n'aime rien mieux que se frotter aux ouvrages réputés inexécutables.

Il nous a reçus au lendemain de sa conférence dans un taxi en partance pour Genève-Aéroport.

C'est amusant de vous interviewer en taxi, car j'ai lu que vous utilisez ce temps dans les transports pour développer vos concepts.

Pendant le travail en agence, on est sans cesse interrompu. Les seuls moments durant lesquels je trouve le calme pour prendre de la distance par rapport aux questionnements sont mes déplacements, que ce soit en taxi, en avion, en train ou même dans le métro. J'ai des centaines de feuilles volantes où je trace des esquisses et des diagrammes, avec généralement mes écouteurs sur les oreilles.

Vous allez bientôt inaugurer l'un de vos projets les plus représentatifs avec le Musée de l'Acropole. Comment vous êtes-vous intéressé à ce défi qui vous confrontait à plus de 2000 ans d'histoire de l'architecture?

Des gens en Grèce ont attiré mon attention sur ce concours. Au départ, j'étais un peu dubitatif, craignant la lourdeur de la bureaucratie et un concours malhonnête comme il en existe tant. Mais comme le thème était quand même intéressant, j'ai participé.

Vous parlez des nombreuses contraintes inhérentes à cet objet et au site qui coïncide avec un champ de fouilles archéologiques à préserver. Le choix paraît pour le moins curieux.

Je crois que l'ensemble du territoire athénien n'est qu'un vaste réseau de fouilles. Il aurait fallu construire dans les franges de la ville à 5 ou 10 kilomètres de l'Acropole. Le site en question s'est retrouvé au cœur d'une bataille ahurissante qui opposait divers groupes de pression. Les archéologues demandaient qu'on ne touche à rien, tandis que d'autres personnes estimaient que le musée était une occasion de mettre en valeur ce lieu.

Comment est né le concept?

J'ai montré dans les années 70 ce que j'ai appelé les «Filmscripts» dans une galerie new-yorkaise. Il s'agissait d'un dessin de 11 m. de long qui racontait un meurtre sur la 42e rue. Pour percevoir l'histoire, le spectateur devait se déplacer dans l'espace et littéralement éprouver l'architecture. Le mode de notation superposée, en portée, permettait de montrer simultanément la narration, des plans de la rue et d'autres éléments.

J'ai découvert plus tard qu'Eisenstein a composé «Alexandre Nevski» selon le même système. Chaque plan du film était découpé en vignettes qui progressaient au même rythme que la musique par exemple. Or, Eisenstein avait construit son film après un voyage en Grèce où il avait observé la frise du Parthénon. On retrouve des scènes de bataille dans son film qui sont des copiés-collés de l'œuvre antique.

A partir de ces déductions, il devenait évident qu'il fallait reprendre le concept des «Filmscripts» et concevoir un bâtiment qui puisse la rétablir dans sa configuration originale. Je suis le seul architecte qui ne l'ait pas fractionnée dans son projet ce qui m'a sans doute valu la victoire.

Vos expériences passées nourrissent toujours vos projets ultérieurs. A contrario, qu'y a-t-il de nouveau avec cette récente réalisation?

J'ai gagné le concours d'Athènes en 2001. Pendant trois ans, je n'ai jamais montré ce projet lors de mes conférences, car je ne voyais pas de lien avec mes réalisations antérieures. Je pensais qu'il s'agissait d'une exception.

Rétroactivement, j'ai découvert beaucoup de choses. J'ai reconnu la notion de contexte que j'ai toujours évacuée de ma réflexion au profit du concept et du contenu alors que cette contrainte fait partie intégrante de tous mes projets. Avec l'Acropole, il n'était pas possible d'arriver avec une solution toute faite, il fallait travailler avec une situation sans précédent. Cette dimension du contexte n'apparaît pas dans les livres d'architecture, elle est pourtant essentielle.

Que dessinerait un Bernard Tschumi sans restriction?

Je ne vois aucun problème à travailler en l'absence de contrainte. Prenons l'exemple de Vacheron Constantin à Genève. Le site ne posait a priori pas de difficultés particulières. Mais dans chaque projet, il s'agit de poser un questionnement.

Dans ce cas, j'ai identifié que le problème concernait l'enveloppe (ndlr: métallique à l'extérieur, en bois à l'intérieur) car il fallait trouver un dénominateur commun entre l'espace de la manufacture et celui des bureaux administratifs.

Comme plusieurs de vos architectures, ce bâtiment ne possède pas de façade. D'où vous vient ce désir de supprimer cet élément?

J'ai fait plusieurs bâtiments semi-circulaires qui questionnaient la hiérarchie à quatre côtés qu'implique la façade. Pourquoi distinguer le toit du mur? C'est une idée reçue vieille de plusieurs milliers d'années qui s'explique par des raisons pratiques de construction.

Aujourd'hui, cette dichotomie n'est plus indispensable grâce aux avancées techniques. Mais la culture n'a pas évolué aussi vite. L'idéologie des portes, des fenêtres et des façades nous emprisonne. Je m'en suis libéré en parlant d'enveloppe.

L'enveloppe et le vecteur sont deux notions clés de votre recherche, pouvez-vous nous expliquer ce dernier concept?

Un bâtiment est non seulement un abri, mais aussi un espace de circulation. Il est toujours composé d'une enveloppe et de vecteurs. Au lieu de façade et de corridors ou de coursives, on arrive avec ces concepts à une certaine liberté qui permet d'envisager une approche architecturale libre et fraîche.

Vous avez été pendant des années un théoricien de l'architecture jusqu'au projet du parc de la Villette à Paris. Qu'est-ce qui a enclenché ce tournant vers la pratique?

Un moment, je me suis dit qu'il était bien beau de développer des concepts, d'enseigner et d'exposer des projets dans des galeries. J'ai voulu me confronter à la réalité des choses. A son arrivée, la nouvelle équipe socialiste au pouvoir en France a décidé de lancer des grands projets destinés à embellir Paris.

Le premier concours était celui de La Villette, une compétition anonyme. J'en suis sorti lauréat et j'ai dû promptement monter une agence et jongler avec des budgets de centaines de millions!

Pourquoi ce concours précisément?

Au contraire de ses prédécesseurs, il n'était pas réservé qu'aux architectes nationaux, mais ouvert à tous ce qui a consacré l'avènement d'une nouvelle génération d'architectes trentenaires. Tous les meilleurs de cette tranche d'âge comme Zaha Hadid ou Rem Koolhaas ont participé. Un nouveau débat d'idées s'est amorcé. Ceux qui nous prenaient pour des architectes de papier se sont rendu compte qu'on était capables de mener des projets à bien.

Dans les années 80, votre nom s'est trouvé associé aux leurs de même qu'à quelques autres comme Daniel Libeskind, Frank Gehry et Jean Nouvel sous l'appellation «déconstructivistes». Comment jugez-vous votre carrière en regard ce ces architectes, tous devenus des stars de la profession depuis lors?

L'évolution d'un architecte est de deux ordres. D'une part, il y a les décisions qu'on prend, de l'autre le fruit des circonstances, des téléphones qu'on reçoit, des concours... Certains d'entre nous doivent composer avec des bureaux de plus de 100 personnes, ce qui force à accepter des mandats commerciaux.

J'ai la chance d'être toujours critique et de m'impliquer directement dans chacun de mes projets grâce à la taille volontairement réduite de mes bureaux (ndlr: Bernard Tschumi emploie dix personnes à Paris et 20 personnes à New York).

Vous avez participé aux événements de Mai 68 dont on fête l'anniversaire cette année. En quoi ces événements vous ont-ils influencés?

En Mai 68, une génération d'architectes s'est dit qu'elle pouvait changer le monde. Pas simplement, du point de vue créatif, mais en réinventant des définitions et en pensant de manière globale. Il fallait une certaine dose d'innocence pour y croire, mais ce fut un moteur incroyable qui aujourd'hui encore m'anime dans mon travail.

Et plus généralement, en quoi Mai 68 a-t-il fait évoluer l'architecture?

Dans l'après-guerre, on a assisté à une consolidation des idéaux modernes soutenus par des intérêts officiels et corporatifs, avec tout ce que cela suppose d'excès, d'injustice et de manque de contenu social.

La Chine contemporaine et ses destructions de quartiers populaires au profit de grands ensembles donnent une idée de ce qu'on vivait à l'époque. Toutes ces questions ont amené des réflexions. Certains ont trouvé une échappatoire en disant qu'ils ne pouvaient plus être architectes. D'autres ont regardé vers le passé, le XVIIIe siècle, ses rues et ses places devenant synonymes de démocratie et d'interaction.

Un dernier groupe auquel j'ai appartenu, peu sentimental du passé, s'est posé la question des nouvelles avant-gardes en s'attachant à la problématique du contenu. Nous l'avons plutôt théorisé au sein de quelques instituts d'architecture foisonnants comme l'ICA et l'AA de Londres et Columbia à New York où j'ai enseigné.

Nous étions les seuls à faire ce travail d'exploration qui a généré des architectes attentifs à l'image et la forme. D'autres, comme moi et Koolhaas, ont plutôt réfléchi au programme, à l'activité et à l'usage. Ces recherches ont ébranlé le postmodernisme.

Aujourd'hui, vous faites partie des architectes qui s'attaquent aux ouvrages de prestige. N'y a-t-il pas un risque de tomber dans la pièce unique, l'objet sculptural?

Il faut effectivement faire très attention de ne pas tomber dans ce piège. En anglais, on distingue l'architecture du what et celle du wow. Je me situe quand même dans le what, même si je veux faire de belles choses.

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Du théoricien engagé à l'architecte star

Né en 1944, Bernard Tschumi a de qui tenir puisqu'il est fils de Jean Tschumi, grand architecte vaudois, constructeur entre autres du bâtiment Nestlé de Vevey.
Il a étudié l'architecture à l'Ecole polytechnique fédérale de Zurich (EPFZ), après une éducation cosmopolite qui l'a amené à vivre dans divers lieux comme New York où il réside encore aujourd'hui.

Il se forge une réputation de théoricien d'avant-garde comme enseignant au AA de Londres (Architectural Association School of Architecture), avec les «Filmscripts», avec des projets à la limite du pop art et du situationnisme comme les tracts «Advertisment for architecture» et des publications qui lancent de nouveaux concepts radicaux comme autant de pavés dans la mare du postmodernisme.

Le parc de La Villette à Paris (1982-1995) constitue son passage de la théorie à la pratique. Premier parc urbain du XXe siècle, célèbre pour ses 26 folies métalliques rouges, ses non-lieux, ses entre-deux, son concept point-ligne-surface et son espace éclaté, La Villette est une application des concepts qu'il a développés jusqu'alors.

Ses autres réalisations d'importance sont le Centre national pour les arts contemporains du Fresnoy (1991-1997), un «palimpseste» pour lequel il a imaginé un toit sous forme de superstructure qui venait chevaucher le bâtiment existant; le siège Vacheron Constantin à Genève (2001-2003); les Zénith de Rouen et de Limoges, le premier en béton et acier, le second translucide en bois et verre, mais tous deux composés d'une double enveloppe qui fait fi de la façade et des colonnes.

La Blue Tower de New York, immeuble d'habitation de 16 étages à la peau bleutée et aux courbes évasées, est un autre manifeste de l'architecte franco-suisse.

Un arquitecto global

2008-09-20T23:09:00.000-05:00

17.09.08 - J. G. | AVILÉS

El nombre del barón Norman Robert Foster siempre figura en la selecta serie de firmas de la arquitectura mundial que, por sí solas, dan impronta a sus cotizadas creaciones que se reparten por todo el mundo. Foster, como Gehry, Nouvel, Zaha Hadid, Calatrava o Isozaki, además de Óscar Niemeyer, forman parte de un selecto grupo cuyo nombre ya es garantía de repercusión para cualquier proyecto. Y por eso, gobiernos, empresas e instituciones de todo el mundo se los rifan.
Norman Foster tiene en la actualidad una veintena de grandes proyectos en marcha. En España, destacan la torre Caja Madrid (llamado a ser el rascacielos más alto de España, con 250 metros de altura) y la reforma del estadio Camp Nou de Barcelona.
Pero no han sido los únicos. Ejemplos de su arquitectura lucen también en Bilbao (su estudio firma el metro de la ciudad vasca) o Valencia (palacio de congresos). Norman Foster, de 73 años, ha sido prolífico, y cuenta con obras repartidas por medio mundo, desde Astaná, capital de Kazajistán, donde en 2006 inauguró su Palacio de la Paz y la Reconciliación, hasta la torre Hearst de Nueva York, el aeropuerto internacional de Hong Kong, la torre Commerzbank de Frankfurt, el puente del Milenio de Londres o el edificio del Deutsche Bank en la ciudad australiana de Sydney.

Foster se interesa por la ´Isla de la innovación´ que tilda de proyecto ´espectacular´

2008-09-20T23:08:00.001-05:00

El arquitecto británico Norman Foster ha reconocido hoy en Oviedo su interés por la "Isla de la innovación" que se construirá en Avilés, y ha afirmado que se trata de un proyecto "espectacular" que, a su juicio, "toca todos los grandes temas de la arquitectura y del urbanismo actual".

EFE Foster se ha reunido hoy en la capital asturiana con el presidente del Principado, Vicente Álvarez Areces, tras haber solicitado una reunión al Gobierno regional por su interés en el proyecto arquitectónico que se desarrolla en Avilés.

"La isla de la innovación", que se construye en la ría de Avilés, surgió en torno al Centro Internacional Oscar Niemeyer, tras ceder el arquitecto brasileño el proyecto a la Fundación Príncipe de Asturias con motivo del 25 aniversario de esta institución.

El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer será la sede de la Fundación del mismo nombre, pero también aspira a ser referencia o sede permanente de la Bienal de Arquitectura española.

Además, también en esta isla artificial con forma de pez, se generará un espacio donde pueden convivir actividades relacionadas con la cultura y la innovación, y se situará el Palacio de América, con la finalidad de acoger congresos, convenciones y actividades feriales.

El entorno contemplará un parque empresarial y en el borde del canal se ubicarán los lofts, tipología edificatoria propia de antiguas áreas industriales recuperadas, y a lo largo de la ría se dispondrán los denominados 'Cubos de la Innovación', pequeños edificios de diseño eco-tecnológico, con pantallas interactivas, que serán soporte de proyecciones de arte electrónico, información y presentación de programas.

El proyecto conlleva la construcción de una nueva estación de trenes y autobuses, la superación de la barrera ferroviaria que hoy día aisla la zona de la ría del centro urbano de Avilés y la generación de espacios urbanos de calidad.

Tras la reunión, Areces ha explicado que "antes del verano" Foster se dirigió al Gobierno regional "mostrando su interés por esa actuación", y ha afirmado que para el Principado "es un honor" que un arquitecto de su prestigio "conozca los proyectos que se están haciendo en Asturias y esté interesado en ellos".

"Sería extraordinario que pudiera participar en algunos de esos desarrollos y hemos mantenido hoy un cambio de impresiones muy positivo", ha manifestado Areces.

Según Areces, Foster ha destacado que lo que se está proyectando en Asturias tienen un "interés internacional de primerísimo nivel" y ha anunciado que darán continuidad a estos contactos para buscar la colaboración de un arquitecto tan "prestigioso".

El jefe del Ejecutivo asturiano ha precisado que, de momento, el proyecto se está analizando en su conjunto y en el mismo puede haber "una o varias piezas" de interés que cuenten con la participación del arquitecto británico, aunque ha subrayado que "todavía es prematuro definir" esa colaboración.

Foster, por su parte, ha insistido en que la "Isla de la innovación" es "espectacular" con una visión internacional porque toca todos los grandes temas del urbanismo y la arquitectura actual, como la relación entre lo histórico y el futuro, la ambición y la coordinación de las infraestructuras y de los edificios singulares.

"Estoy realmente encantado de conocer estos proyectos y de poder participar en ellos", ha afirmado Foster.

Venice Architecture Biennale

2008-09-20T23:07:00.000-05:00

The star system doesn't cast much light, but some national pavilions shine.
By Christopher Hawthorne, Times Architecture Critic
September 17, 2008
VENICE, ITALY -- WHILE THE Venice Architecture Biennale remains the most anticipated and ambitious design show in the world -- not to mention the only one featuring cocktail parties in canal-side palazzi -- every edition is marked by a curious split personality. There is a core exhibition, organized by a single curator and displaying work by the leading names of the profession, and along with it a scattered collection of national pavilions filled with designs by mostly anonymous younger architects. Because the pavilions vary so much in quality -- and theme -- they always knock the central exhibition at least a bit off message.

Rarely, though, has the gap in tone between the two sections been as wide as it is this year. The main show, organized by American-born Aaron Betsky, manages to be unsure of itself, divided against itself and pleased with itself at the same time. Its biggest gestures -- at the start of the exhibition, inside the cavernous old shipbuilding complex called the Arsenale -- come from a parade of celebrity architects, including Zaha Hadid, Elizabeth Diller + Ricardo Scofidio and Frank Gehry, nearly all of them playing down to the moment with overscaled, underwhelming work. A separate section on experimental architecture, which Betsky prepared with a young Italian curator, Emiliano Gandolfi, has the opposite problem. It is dense and unwieldy, a thicket of projects containing a handful of stirring moments but no clear theme.

In the way it embraces celebrity architecture and digital design without hesitation or irony, Betsky's Biennale seems nearly a decade out of date. It reflects the attitudes that dominated architecture before 9/11, the Iraq war or the current economic crisis -- and before rebuilding fiascoes at Lower Manhattan's ground zero and in New Orleans, which proved a kind of Waterloo for architecture's star system and exposed computer-modeling skills as ultimately meaningless in the absence of political ones.

In chasing glamour, and in trying to wring the last drops of relevance from tired and impenetrable theory, Betsky walls off the show itself from the real world and its growing list of ailments with a certain incoherent nonchalance.

Where the action is

The tone in the best of the national pavilions, on the other hand, could not be more different or seem more timely. The standout Polish pavilion -- curated by a pair of young architecture critics, one 28 and the other 32 -- features Photoshopped images of new buildings in Warsaw as they might be used in a dystopian future five or six decades from now, with a steel-and-glass office block by Norman Foster re-imagined as a dank prison and an airport holding livestock instead of planes. The tone of the accompanying wall text is pitch-perfect: apocalyptic but dry, like Cassandra writing in the Onion.

The Belgian pavilion is wrapped in makeshift metal scaffolding and filled ankle-deep with confetti, suggesting that the party architecture has enjoyed for the last decade, with seemingly endless sources of capital available for big building projects, has finally and definitively come to an end. It asks how architects with a collective hangover might rally to design projects to save a ruined world.

Those two pavilions, by leading with black comedy and taking environmental degradation as a given, offer a reminder that, while tough times don't produce many new buildings, they often help cultivate architecture's most lasting ideas. That alone is reason, in this shaky moment, for at least some optimism.

Ranging ideas

The prize for bluntness, meanwhile, goes to the Estonians, who erected a bright yellow pipe as their pavilion. Snaking through the grounds of the Giardini, the leafy gardens where most of the Biennale's national pavilions are located, it offers a sophomoric but highly effective commentary on plans by the Russian gas conglomerate Gazprom to run a gas pipeline under the Baltic Sea, through or near Estonian territory.

Other pavilions are quietly forceful. Japan is showing defiantly fragile, dreamlike house designs by Junya Ishigami. The American pavilion, intelligently organized by William Menking, is packed with substantive projects, such as a tribute to Alice Waters' Edible Schoolyard project as well as work by Rural Studio, Teddy Cruz and others, that aren't helped by a rather dull installation. And the Chinese pavilion, curated by a team led by Yung Ho Chang, dean of the architecture school at MIT, features handsome photographs, sealed under glass atop schoolroom desks, of what it calls "ordinary" architecture. The pictures show Soviet-style housing blocks that went up in Beijing and Shanghai in the 1950s and are now under nearly constant threat of demolition as the Chinese government pursues headlong growth and urbanization.

In those sections, it's possible to imagine a long list of themes Betsky might have turned to for inspiration in place of "Beyond Architecture," the boilerplate, intellectually jaded one he chose. Now the director of the Cincinnati Art Museum and before that head of the Netherlands Architecture Institute, Betsky has long been known more for his broad web of relationships with architects, critics, curators and editors than for the strength of his ideas. This Biennale will only cement that reputation. He has enlisted an impressive collection of talent -- including Atelier Bow-Wow, UN Studio, Droog Design, An Te Liu and MVRDV -- without managing to shape their contributions into a pointed argument. Los Angeles is represented by a generational cross-section that includes Gehry, Thom Mayne, Koning Eizenberg Architecture, Greg Lynn and Ball-Nogues Studio -- although it may say something about Betsky's selection process that he once worked in Gehry's office, as did Lynn and both founders of Ball-Nogues.

Scattered shots

To be fair, Betsky had less time to organize the exhibition than did curators of other recent Biennales. But feeling rushed and slightly ad hoc is the least of this Biennale's problems. Particularly in the Arsenale, where the boldface names reside, you get the sense that the architects told Betsky what they wanted to include in the show and exactly how they wanted to present it rather than the other way around. When they mail it in -- as many do -- the show sags. And when they produce something inspired, it peps up, if only temporarily: The landscape architect Kathryn Gustafson nearly saves the Arsenale section all by herself with an evocative garden hidden behind the warehouse buildings, while the Chinese firm MAD Studio turns nostalgia for Archigram and other collective firms of the 1970s -- which was rampant in this Biennale -- into something relevant to contemporary city-making. Its proposal for a new kind of stand-alone mobile city -- in the form of a multi-pronged, star-shaped megastructure -- can easily be read as a critique of Chinese ambition, which is limitless and heavy-handed but also markedly isolationist.

Betsky also asked more than two dozen architects in the show to contribute manifestoes, playing directly to their vanity -- and overlooking the fact that nearly all of them are proud owners of almost comically wooden prose styles. The Spanish architect Vicente Guallart delivers this bit of rip-roaring, to-the-battlements rhetoric: "Any vital function is part of a scaled relation of environments, networks and nodes that interact with individuals on the basis of cultural and economic patterns." Viva la revolución!

christopher.hawthorne@ latimes.com

OMA presenta la renovación urbana de dos ciudades europeas en la Bienal de Venecia

2008-09-20T23:06:00.001-05:00

En la 11 ª Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia la Oficina de Arquitectura Metropolitana exhibe la regeneración urbana propuestas para el distrito de negocios de La Défense en París y para el descuidado puerto pesquero de Saint’Elia en Cagliari, Italia.

L'architecte suisse Peter Zumthor reçoit l'une des plus grandes distinctions culturelles au Japon

2008-09-20T23:05:00.000-05:00

16.09.2008 22:41
L'architecte suisse Peter Zumthor a été désigné mardi lauréat du prix "Praemium Imperiale", l'une des plus hautes distinctions culturelles japonaises. Il recevra son prix et 158'000 fr. lors d'une cérémonie le 15 octobre à Tokyo. Ce prix récompense chaque année 5 personnalités qui s'illustrent dans les domaines de la culture et des arts. Né à Bâle en 1943, Zumthor a ouvert un bureau d'architecture à Haldenstein (GR). Il rejoint au palmarès du "Praemium Imperiale" Jacques Herzog et Pierre de Meuron, primés l'an dernier. Jean-Luc Godard et Niki de Saint-Phalle avaient aussi reçu cette distinction. (SWISS TXT)

Le métro parisien dévoile son patrimoine

2008-09-20T23:02:00.001-05:00

En voiture pour un voyage à travers plus d’un siècle d’architecture ! A l’occasion des journées du patrimoine qui auront lieu ce week-end, la RATP organise des visites guidées à travers son patrimoine visible mais aussi caché. L’occasion pour les visiteurs d’entamer un voyage dans le temps et les époques, de l’art déco aux lignes automatisées. Visite.

«Le rames défilent, le patrimoine reste» : c’est ainsi que la Régie autonome des transports parisiens (RATP) introduit sa participation aux journées du patrimoine, pour la quatrième année consécutive. Les 20 et 21 septembre, le métro offre des visites guidées à travers son architecture et son patrimoine. C’est l’occasion de revoir des quais arpentés chaque jour avec un œil de visiteur et non d’usager, mais aussi de découvrir les stations fantômes et autres trésors cachés de ce métro qui fête cette année ses 118 ans.

En y regardant de plus près, on s’aperçoit que chacune des quelque 300 stations du métro parisien est unique ! Certaines sont même chargées d’histoire… telle la station Pasteur, qui au début du siècle dernier offrait deux entrées différentes… à quelques mètres d’écart ! Deux lignes exploitées par deux compagnies différentes passaient en effet par cette station. A l’arrêt Victor Hugo, on découvre une deuxième station, laissée à l’abandon car construite trop en courbe pour pouvoir être exploitée : il y avait à certains endroits des écarts de plusieurs dizaines de centimètres entre les voitures et le quai ! L’ancienne station est donc visible depuis le métro, à l’intérieur du tunnel, et la nouvelle accueille les voyageurs quelques mètres plus loin.

Un capital culturel
En plus des anecdotes sur l’histoire du métro et de ses stations fantômes, dont certaines servent d’ailleurs régulièrement à des tournages de films, la visite du patrimoine du métro passe aussi par un voyage à travers plus de cent ans d’architecture. «A la RATP, l’histoire nourrit le futur», explique Yo Kaminagai, responsable de l’unité design et projets culturels. «Le patrimoine est un capital culturel issu des créations du passé, un élément partagé par toutes les générations et dont on peut se servir. Au sein du réseau, chaque création doit s’insérer dans un cadre qui transmet l’histoire et a l’ambition de nourrir le patrimoine de demain». On redécouvre ainsi les entrées du métro en style Art déco, conçues par Hector Guimard, qui furent à l’époque aussi controversées que le kiosque des Noctambules créé cent ans plus tard par Jean-Michel Othoniel pour décorer la sortie du métro Palais royal, faisant face à une entrée du musée du Louvre. On y apprend aussi pourquoi le métro parisien reste tellement attaché à ses carreaux blancs, malgré les tentatives plus colorées lancées dans les années 70.

Dans certaines stations, on trouve aussi des cadeaux offerts par de grandes métropoles comme Mexico, Chicago ou Montréal, en échange de répliques des entrées de métro imaginées par Hector Guimard : car le métro, c’est aussi un grand musée ! Comme le rappelle Yo Kaminagai, «un ouvrage de cette taille installé dans la ville, c’est assez incroyable au niveau urbanistique !»

Découvrez les dessous du métro parisien en images

M. D.

16/09/2008

A Venise, la pirouette triomphe de l'architecture

2008-09-16T00:49:00.001-05:00

VENISE ENVOYÉ SPÉCIAL

L'humour et la pirouette l'ont emporté sur le premier degré. La 11e Biennale d'architecture de Venise, la plus importante manifestation du genre, a décerné ses Lions d'or, samedi 13 septembre, avant d'ouvrir au public le lendemain. Hors concours, l'Américain Frank Gehry a reçu un prix pour l'ensemble de sa carrière. Restait à distinguer les architectes et pays qui ont le mieux répondu au thème obscur formulé par le directeur, Aaron Betsky : "l'architecture au-delà du bâtiment".

Côté exposition internationale, dans l'Arsenal, où l'on croise cette année plus d'art contemporain que d'architecture, les meubles en jouets recyclés de l'Américain Greg Lynn se voient récompensés. Et dans les jardins, le pavillon de la Pologne a été désigné "meilleure participation nationale", pour sa réflexion amusée sur le devenir des bâtiments polonais dans un monde en plein chaos. D'habiles photomontages et des scénarios bien troussés imaginent ainsi un immeuble de bureaux signé Norman Foster transformé en prison, la bibliothèque de l'université de Varsovie en centre commercial ou l'aéroport en élevage agricole.

Loin de cette fiction récréative et d'une exposition internationale qui revendique le refus de construire pour libérer l'architecture des contingences mesquines du réel (Le Monde daté 14-15 septembre), certains pavillons se confrontent à l'avenir de la discipline de manière plus... constructive.

Si le pavillon allemand se contente de passer en revue des enjeux d'une architecture responsable, les Danois préparent scrupuleusement la conférence des Nations unies sur le changement climatique, prévue à Copenhague en 2009. Ils transforment leur pavillon en centre de ressources multimédia sur le développement durable et présentent des initiatives locales exemplaires - écodensité à Vancouver, transports publics à Bogota, développement métropolitain à Shanghaï...

MIXITÉ DES USAGES

Le pavillon canadien offre, lui, le survol d'une architecture nationale capable de s'adapter au défi des économies d'énergie dans des milieux variés à l'extrême, du Grand Nord aux grandes plaines, des côtes Atlantique et Pacifique aux Montagnes rocheuses.

Dans le pavillon français, point d'obsession écologique mais une autre forme de militantisme : celui d'une architecture "généreuse et non générique". Intitulée "GénéroCité", l'exposition présente des bâtiments qui, "au-delà de leur qualité architecturale, aujourd'hui un service minimum, fabriquent de la ville et créent de nouveaux liens sociaux, réussissent à donner plus d'espaces intérieurs mais aussi plus d'espace public, malgré les exhortations à être toujours plus économe en budget et en énergie", explique Francis Rambert, directeur de l'Institut français d'architecture et commissaire du pavillon sur lequel flotte en lettres de néon le mot "optimiste".

Francis Rambert s'est entouré du jeune collectif French Touch, auteur d'un récent Annuel optimiste d'architecture, catalogue décomplexé d'une production française ambitieuse et inventive. A Venise, les quinze agences de French Touch (Périphériques, Philippe Gazeau, Beckmann et N'Thépé, Marrec et Combarel, Plan 01, Jacques Moussafir, Brenac et Gonzalez...) ont sélectionné une centaine de bâtiments.

On y visite des musées et des logements, des piscines et des stades, une crèche, un hôpital et un crématorium, un commissariat et des palais de justice. Des objets architecturaux souvent spectaculaires et colorés, qui ont en commun de dépasser leur cahier des charges pour se confronter aux questions de société que sont la recherche de densité, le partage de l'espace entre public et privé, la mixité des usages, les nouvelles pratiques sociales... Pas toujours des chefs-d'oeuvre. Mais un souci accru de soigner cette architecture du quotidien qui fait la matière des villes.

Devant un écran qui relate l'histoire et les enjeux du projet, une maquette de chaque bâtiment se laisse retourner sur un bras articulé, mode de découverte ludique et métaphore d'un des enjeux de cette architecture voulue durable : l'appropriation par ses usagers.

11e Biennale d'architecture de Venise, jusqu'au 23 novembre. Sur Internet : www.labiennale.org.

La vida de soltero exige un cambio radical en el diseño y planificación arquitectónica

2008-09-15T11:01:00.001-05:00

AMSTERDAM, September 11 /PRNewswire/ -- Cada vez es más la gente que vive sola. Son el grupo demográfico de más rápido crecimiento en el mundo occidental. S1ngletown, parte del Bienal de Arquitectura de Venecia de este año que abre el 14 de septiembre, explora el mundo de estos nuevos "solteros" y qué cambios pueden ser necesarios para acomodarlos en el mundo de los productos, el diseño y el medio ambiente.

Los jóvenes profesionales urbanos eligen estar solteros más tiempo, los viudos viven más tiempo. En espacios diseñados para una ocupación múltiple sólo encontramos una persona. En vehículos con cuatro asientos, solemos ver a un conductor solitario, en camas para dos, sólo duerme uno. Las fuentes prevén que un tercio de la población del mundo desarrollado será soltera para 2026. Este cambio alterará profundamente cómo viviremos y trabajaremos en el futuro. Afectará a las construcciones, productos y servicios.

Las implicaciones se exploran como parte de la Bienal de Venecia de este año, organizada por el crítico de arquitectura Aaron Betsky.

¿Quiénes son los nuevos solteros?

¿Qué tipo de vida llevan?

¿Qué productos y servicios necesitan?

¿Qué implicaciones hay en la forma en que planificamos los productos y servicios, y creamos las ciudades del futuro? Para iniciar el debate, Droog, junto con la agencia de comunicaciones KesselsKramer creó S1NGLETOWN, una exploración de la vida de soltero.

A través de los ojos de nueve tipos de "solteros", desde los recientemente viudos a los jóvenes profesionales urbanos, los solteros se emparejan con productos y servicios que más se adaptan a su estilo de vida. Estos productos van desde conceptos de iluminación de alta tecnología a ropa y soluciones de almacenamiento inteligentes.

Los visitantes a la exposición pueden caminar por las calles de S1NGLETOWN, visitar a sus ciudadanos y descubrir la tecnología, diseños y servicios que pueden contribuir a un espacio urbano orientado al soltero del mañana. A lo largo del recorrido, los huéspedes pueden visitar un concepto de restaurante único orientado a los que viven solos y explorar las consecuencias medioambiental de estar soltero (los solteros producen muchos más residuos que los que viven juntos).

S1NGLETOWN es un proyecto Droog y KesselsKramer. Es parte de 'Out

There, Architecture Beyond Building', la Bienal de Arquitectura de Venecia de este año, organizada por Aaron Betsky y a la vista del público desde el 14 de septiembre al 23 de noviembre de 2008.

KesselsKramer es una agencia de comunicaciones con sede en Amsterdam.

Droog es una compañía de diseño conceptual con sede en Amsterdam. Para más información, contacte con: Kyra Muller, us@s1ngletown.org, +31-20-530-1060

"Lo que llevamos a la Bienal es cínico"

2008-09-15T11:00:00.001-05:00

"Este es un régimen antiurbano. Es un régimen que odia a las ciudades. Chávez es una persona que defiende el conuco"

El arquitecto y ensayista Marco Negrón es contundente. Según él, el Pabellón Venezuela construye una esperanza, instalado desde ayer en la XI Bienal de Arquitectura de Venecia, sólo responde a los intereses propagandísticos del régimen que encabeza el mandatario nacional, Hugo Chávez Frías.

Un pabellón, ubicado en el parque de los Giardini della Biennale, que ostenta como principal bandera arquitectónica los módulos de la misión Barrio Adentro.

-Juan Pedro Posani, director del Museo de Arquitectura, ha dicho que el Pabellón muestra una "arquitectura responsable, contra el espectáculo, y de provocación (...) que apoya la gran inversión en infraestructura (deporte, cultura, educación, salud y medios de transporte, entre otras áreas), que incide en la calidad de vida de los venezolanos".

El planteamiento que se está llevando a Venecia se hizo con mucha sangre fría. Ellos son personas inteligentes. Están armando un paquete para vendérselo a los europeos que están descubriendo el nuevo mundo en América. Es una acción propagandística del régimen. Ese argumento de que es una arquitectura provocadora no es así. En mi opinión, se trata de una arquitectura cínica y fraudulenta. Lo que hay es un intento de ocultar 10 años de desastre en el país", afirma Marco Negrón.

-Posani dijo también que se está presentando una arquitectura modesta, pues Venezuela no cuenta con los recursos para tener edificaciones espectaculares como las que expuso Pekín en los pasados Juegos Olímpicos...

-Pero remodelaron un montón de estadios de fútbol para la Copa América. No se trata de espectacularidad. De hecho, la espectacularidad no está en el costo de las construcciones. Un ejemplo es la gestión de solamente cuatro años que ha tenido el alcalde de Medellín, Sergio Fajardo. Aparte de lograr la reducción de la delincuencia y bajar los asesinatos en la localidad, ha realizado obras espectaculares y de primera calidad, lo que no quiere decir que sean caras. Fajardo construyó bibliotecas-parque en los barrios más pobres de Medellín. Bibliotecas que fueron realizadas por los mejores arquitectos a través de concursos, actividades que no se hacen en Venezuela desde hace mucho tiempo. Son edificaciones que están conectadas por metrocable y hacen que la gente que no vive en los barrios suba, porque le interesa lo que allí se está haciendo. Eso genera una integración social. Cuando comparas la gestión de Fajardo contra los diez años de revolución, no nos queda más remedio que indignarnos.

-Pero justamente, en la Bienal se están mostrando las construcciones realizadas por este Gobierno, que según el director del Musarq han influido en la calidad de vida del venezolano. Ahí están Barrio Adentro, la Villa del Cine, el Cardiológico Infantil, el Centro Latinoamericano de Acción Social por la Música, el ferrocarril, el Metro y el Aeropuerto Simón Bolívar...

-Para serte sincero me parece una actitud hipócrita e incluso cínica. Primero, la mayoría de los núcleos de Barrio Adentro están cerrados o nunca se abrieron. Luego, desde el punto de vista arquitectónico no son ninguna referencia. Esto es de alguna manera el pulso de cómo concibe este Gobierno al pueblo, que tiene que ser atendido en hospitales infames y de pésima calidad. Este es el balance que tenemos que hacer para entender que la calidad de vida se descifra por las ciudades. Nadie pone en discusión que el Cardiológico Infantil y la Villa del Cine sean buenos edificios. Pero, por ejemplo, por qué no se llevó el ambulatorio que construyó la Alcaldía de Baruta en Las Minas, que presenta la más alta calidad arquitectónica; o lo que hizo la Alcaldía de Chacao con la escuela Juan de Dios Guanche; o con las aceras de la avenida Francisco de Miranda; o el gimnasio vertical de Chacao. La respuesta es sencilla: ellos lo que quieren es mostrar una revolución que no existe.

-Pero el director del Musarq asegura que esos edificios han influido en la calidad de vida del venezolano...

-A mí no me vas a vender la calidad de vida con la Villa del Cine o con los estadios que hicieron para la Copa América, que de paso fueron un robo. ¿Quién va a la Villa? ¿Cuántos niños atiende el Cardiológico? ¿Por qué esas cifras no se dicen? Cómo hablan de calidad de vida si esta ciudad no había estado peor en materia de basura como ahora.

-¿Es decir que no está de acuerdo con lo que se está presentando desde ayer en la XI Bienal?

-Creo que hay cosas arquitectónicamente válidas. Se debe reconocer. Lo que pasa es que no puedes venderlo con ese argumento de que llevan la revolución de la arquitectura venezolana, sobre todo por ese término que quieren usar de provocación, por llamarse revolucionarios. Lo que se lleva a Venecia es cínico. Quieren enmascarar un desastre de gestión en materia urbanística y arquitectónica. Enmascararlo en una supuesta visión revolucionaria de lo que debe ser la arquitectura. Es un fraude. Es tratar de vender gato por liebre. La propuesta me imagino que en Venecia y en los sectores de izquierda ingenuos europeos puede generar cierto impacto, pero eso no va a cambiar para nada nuestra realidad. Vamos a seguir con este desastre.

-¿Por qué el Estado está en contra de la arquitectura iconográfica? Tomando en cuenta que en Bilbao redefinieron espacios que estaban perdidos gracias al museo de Guggenheim, que salvó un puerto; o la ciudad de la ciencia en Valencia, que salvó un río baldío. Acaso, ¿aquí se terminó con el Teatro Teresa Carreño?

-Sí, con eso no hay duda. Fíjate, Bilbao es más que el Museo de Guggenheim, pero esa institución se convirtió en el detonante del renacimiento de Bilbao. Sobre todo por el impacto en la economía y en el turismo. Esa llamada arquitectura de firma o de autor puede tener muchos efectos positivos, además de subirles la autoestima a los habitantes del lugar. ¿Por qué crees que el Gobierno tiene copado el Teresa Carreño con actos políticos? Simplemente es un lugar demasiado bueno. Allí está la prueba, ellos son los que lo tienen invadido. Allí sí se ve cómo una obra influye en la calidad de vida del venezolano.

-¿Cuál sería el ejemplo de la arquitectura de la llamada V República?

-Barrio Adentro. Ese es el emblema de la revolución.

-La Galería de Arte Nacional es un complejo arquitectónico que no termina de definirse. Y ahora tendrá un centro de buhoneros al lado...

-La GAN no es un proyecto de esta república. Tiene más de 20 años de retraso. Estuvo paralizado y ellos lo que están haciendo es terminándola. Además de estar al lado de un mercado de buhoneros, este proyecto se planteó junto al Paseo Vargas.

-¿El Paseo Vargas fue un buen ejemplo de lo que pudo ser y no fue?

-Es un problema complicado. Fue una buena iniciativa, pero creo que a mi juicio, fue parcialmente fallida. Lo primero que hay que reconocer es que se demostró que no hay que hacer autopistas en la ciudad. Pero lamentablemente como espacio urbano está perdido. El Paseo Vargas se debería recuperar. Aunque su autor Carlos Gómez le indigne que se diga, probablemente se tenga que rediseñar. Este tipo de lugares lo ha hecho Baruta con la plaza Alfredo Sadel y Chacao con sus aceras.

-¿Qué proyectos urbanísticos se pueden desarrollar en La Carlota?

-Necesariamente tiene que ser reservada como espacio público, como parque. La Carlota tiene un poco más de 100 hectáreas, no construidas en el centro de la ciudad. Eso es irrepetible. ¡Hay que protegerlas! Aunque la sigan ocupando los militares. En Caracas todavía se puede construir. E incluso, Fuerte Tiuna tiene cinco mil hectáreas. Caracas actualmente tiene menos de un metro cuadrado de verde por habitante. Los índices internacionales más conservadores hablan de 10 metro cuadrados por persona. Si destinaras la mitad del Fuerte Tiuna tendrías 7 metros cuadrados por habitante.

-¿Podría hacer, entonces, un análisis de la gestión urbanística del Gobierno revolucionario?

-Es una opinión crítica, sobre todo por la cantidad de recursos que han tenido. Mira el estado de las ciudades. Tengo una especulación muy general. Este es un régimen antiurbano. Es un régimen que odia a las ciudades. Creo que tiene que ver con la personalidad del propio Chávez. Una persona que defiende el conuco como la forma más idónea de producción, no puede ser una persona que entienda la ciudad y la respete. Además, las ciudades son muy peligrosas. Allí se congrega demasiada gente que confronta, discute, tiene opiniones distintas y le gusta que se le respete. La ciudad es absolutamente contradictoria con los regímenes autoritarios. Aunque no puedo generalizar con la gente que conforma el Gobierno.

Dubraska Falcón
EL UNIVERSAL

La arquitectura, reflejo del 68

2008-09-15T10:58:00.000-05:00

Luis Carlos Sánchez

La austriaca Heidrun Holzfeind fue deslumbrada por el funcionalismo de CU y a partir de ahí ahondó en el movimiento estudiantil

El movimiento estudiantil de 1968 y Ciudad Universitaria (CU) son dos elementos casi indivisibles: continuamente uno lleva al otro y viceversa. En los rincones de su arquitectura se esconde el eco de aquella época, sus paredes gritan la historia de la que han sido testigos.

Atraída primero por los trazos constructivos de la arquitectura funcionalista de CU, la artista austriaca Heidrun Holzfeind (Lienz, 1972) conformó la exposición Mexico 68, que se exhibe en la Sala de Arte Público Siqueiros.

Integrada por diapositivas, videos, carteles, fotografías, libros y archivos de la época, la muestra estudia la relación entre la arquitectura moderna de la máxima casa de estudios y el episodio histórico que marco el rumbo de la segunda mitad del siglo XX mexicano.

“Quiero mostrar no sólo el episodio trágico que fue la masacre del 2 de octubre, no sólo la cuestión dolorosa que significa el movimiento, sino todo el movimiento que se gesto dos meses antes de la masacre, el cual fue un periodo festivo, de mucha comunicación y agitación social, donde la gente quería cambiar las cosas y cómo se unieron”.

Para lograrlo Heidrun Holzfeind reunió fotografías inéditas de colecciones privadas que registran los primeros mítines que los estudiantes organizaron en el 68, así como carteles originales de la revolución social que significó el movimiento, letras de canciones que incluyen una versión del bolero Esta tarde vi llover, cambiada por Esta tarde vi correr, en alusión al intento por huir de las balas en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco.

La austriaca reunió también más de 40 volúmenes sobre el fenómeno, así como 18 testimonios grabados con los protagonistas del movimiento que incluyen a Raúl Álvarez Garín, Salma Beraud, María Fernanda Campa Uranga, Adriana Corona, Deborah Dultzin Kessler, Rodolfo Echeverría, Silvia Gonzáles Marín, Hira de Gortari, Renata von Hanffstenge y Marcelino Perelló Valls, entre otros.

“En mi trabajo en general he investigado sobre la arquitectura modernista en otras partes del mundo y por ello llegué ahí, me di cuenta cómo en CU funciona la arquitectura a diferencia de otros países donde los edificios ya son obsoletos, sin otro propósito; los de CU funcionan, son vivos y es un espacio donde se integra la comunidad universitaria y además los fines de semana las familias llegan y lo utilizan como un espacio de recreación”, señala.

Holzfeind investigó, además, el papel que desempeña la arquitectura en la construcción del espacio social y realizó un mapa de las redes de dependencias que condicionan la identidad, tanto individual como colectiva, dando en el blanco de la intersección de lo público y lo privado, donde la experiencia personal, la percepción del espacio y la memoria contribuyen a la construcción del discurso político, social e histórico.

'Education for the Citizenship'

2008-09-15T10:55:00.000-05:00

* Así son los contenidos en inglés de Ciudadanía en la Comunidad Valenciana
* Se estudiará la arquitectura de Calatrava o los derechos humanos a través de Mafalda

Actualizado lunes 15/09/2008 12:48 (CET)

NOA DE LA TORRE

VALENCIA.- 'Downloads y didactic units'. Profesores y alumnos ya pueden ir familiarizándose con los términos de una nueva asignatura: la de Educación para la Ciudadanía que, como ya es sabido, en la Comunidad Valenciana arrancará en unos días bajo el título de 'Education for the Citizenship and Human Rights'.

Los libros de texto ya circulan por todos los centros de la Comunidad Valenciana y los contenidos están incluso colgados en la página web de la Conselleria de Educación. Y Santiago Calatrava tiene un apartado en esto de la cuestión cívica, como no podía ser menos -o al menos así lo parece- en una tierra que venera las construcciones de su arquitecto más internacional.

«Creating spaces for citizenship is not just a metaphor», justifica la unidad didáctica número siete, la dedicada a España en el mundo. O, lo que es lo mismo, «crear espacios para la ciudadanía no es una mera metáfora». Y a partir de aquí, todo Calatrava, cuya «característica visión de la arquitectura lo convierte en uno de los arquitectos más creativos y originales».

Según el material editado por la Conselleria, la construcción más destacable del insigne valenciano no está en la ciudad del Turia, sino en la sueca Malmö. Es el Turning Torso, un rascacielos de 190 metros de altura y 54 plantas que se estudia como ejemplo de «arquitectura viva», inspirada directamente en la naturaleza.

Comenzando por la primera unidad, la consagrada al propio individuo, los alumnos estudiarán, por ejemplo, a Primo Levi, uno de los judíos supervivientes de Auschwitz que dejaron por escrito su testimonio. Su poema 'Si esto es un hombre' se estudia como pretexto para analizar a fondo la condición humana y la dignidad de las personas. Más adelante, el eterno debate entre naturaleza o cultura también se planteará a los alumnos de Secundaria que comenzarán este año a estudiar Educación para la Ciudadanía.

Y ¿cómo redactarías tu biografía? El drama de la vida humana se presenta también a través de la película Family Man, tras la que se supone una reflexión sobre la importancia de las decisiones personales o el significado que dan las personas de alrededor a nuestra propia vida. La convivencia y los valores se abordarán en el tema dos, que se hace eco de la conocida como Matanza de Tiananmen, y que tanto se ha recordado estos meses con motivo de la celebración en Pekín de los Juegos Olímpicos.

Historiasiglo20.org es el espacio en internet del que se ha cogido la información adicional que se ofrece a los alumnos, a quienes también se les invitará en muchos casos a analizar artículos y reportajes aparecidos en prensa.

Y como ejemplo de «familia», que mejor cita que la de la Familia Real española, de la que se enumeran sus valores (extrapolables al resto de familias anónimas, como la de Mafalda, que también aparece en esta unidad): amor, dedicación, actividad... Mafalda sirve también de excusa para el estudio de los derechos humanos, en la unidad cinco. «Y estos derechos a respetarlos, ¿eh? ¡No vaya a pasar como con los diez mandamientos!», advierte el famoso personaje de Quino.

Precisamente en este apartado, el personaje a estudiar es Havel, el que fuera primer presidente de la República Checa, y que sufrió en su propia persona el encarcelamiento por su defensa de los derechos humanos.

Gabriel Cisneros, José Pedro Pérez Llorca, Miguel Herrero, Jordi Solé Tura, Gregorio Peces-Barba, Manuel Fraga y Miguel Roca son los nombres que se estudian en el tema dedicado a la Constitución, que reserva también un apartado a la popular serie de televisión Cuéntame. Avanzando en el tiempo se llega al «fenómeno Google», que se aborda en la octava unidad, la referente a la llamada sociedad de la información. YouTube y el ipod tienen también aquí mucho que decir, como en el último tema se habla de «confesionalismo, laicismo y pluralismo».

Y para concluir, una sentencia: «formar a profesionales es fácil, pero es difícil formar a ciudadanos», junto a la foto de Bin Laden.

¿Ciudad contemporánea? Consulte su locutorio

2008-09-13T16:40:00.000-05:00

ANDRÉS JAQUE 13/09/2008

Urbanismo e imaginación se dan cita en el pabellón italiano de la 11ª Bienal de Arquitectura de Venecia

Más de la mitad de los caboverdianos viven lejos del archipiélago atlántico. Forman una comunidad dispersa, conectada por una red internacional de locutorios telefónicos. Establecimientos que con su decoración evocan paisajes que muchos hijos de emigrantes, que se consideran caboverdianos, jamás visitaron. Y que, además de los servicios propios de un locutorio, ofrecen cortes de pelo e ingredientes para cocinar a la manera de Praia. A diferencia de otras arquitecturas, estos locales pasan desapercibidos en la mayoría de las ciudades y, sin embargo, son puntos de inmersión y acceso a formas urbanas que la explosión de las migraciones y de las tecnologías de telecomunicación han hecho habituales. Pero son además construcciones que ponen sobre la mesa nuevas posibilidades para la arquitectura contemporánea. Todo esto forma parte del estudio Dispersion, a Study of Global Mobility and the Dynamics of a Fictional Urbanism que el colombiano Diego Barajas presenta en como parte de la sección Arquitectura Experimental del Pabellón de Italia de la Bienal de Arquitectura de Venecia, que se inaugura hoy. Los comisarios Aaron Betsky y Emiliano Gandolfi incluyen también el Edificio Jardín Hospedero y Nectarífero en Cali (Colombia), que Barajas desarrolló con Camilo García -su socio en la oficina HUSOS, con sede en Madrid-. El edificio combina una vivienda compartida con un taller de diseño de estampados sobre tejidos. Sus fachadas son el soporte de una vegetación que hospeda y alimenta a la variedad de mariposas de las que la ciudad de Cali es una potencia mundial. Con las telas, las amigas que componen la modesta comunidad internacional que comercializa los diseños del taller, recibe folletos diseñados para convencerlas de cultivar plantas como las que cubren el edificio. Folletos que ellas a su vez regalan a sus clientes. El mismo canal por el que los estampados se distribuyen promueve la expansión del hábitat de las mariposas que sirven de modelo e imagen corporativa al taller. Un hábitat discontinuo, pero conectado por redes que, como las de los caboverdianos, son al mismo tiempo afectivas, comerciales y tecnológicas.

Desde mediados de los noventa buena parte de los arquitectos de referencia han concentrado su atención en los procesos por los que las ciudades pierden diferencias, como requisito necesario para conectarse a circuitos interurbanos homogéneos. La participación de Gandolfi junto a Betsky ha hecho posible incluir entre los seleccionados para el Pabellón de Italia a un pequeño número de arquitectos que, partiendo del análisis exhaustivo de realidades concretas, desvelan, bajo la aparente regularidad de la ciudad contemporánea, cómo operan las nuevas formas de singularidad deslocalizada. Son también trabajos que entienden los edificios no tanto como soportes neutrales, ajenos a los procesos políticos o sociales, sino como actores materiales que contribuyen a definir los límites de lo que en nuestro día a día puede llegar a ocurrir.

¿Qué debe hacerse con las infraestructuras abandonadas que fueron diseñadas y utilizadas en el pasado para vigilar y reprimir a una parte de la población? Ésta es la pregunta a la que pretende dar respuesta el Decolonizing Manual del equipo formado por Sandi Hilal y Alessandro Petti (activistas políticos y arquitectos instalados en Belén) y Eyal Weizman (con oficina en Londres). La demolición no suele ser recomendable, el coste de los trabajos y el poder contaminante de los escombros termina lastrando el desarrollo de la comunidad. El manual, que está siendo aplicado en los asentamientos de P'asago y en el antiguo campamento militar israelí en Oush Grab, pretende evitar que se repita la experiencia de los cincuenta. Cuando el ejército israelí reutilizó las infraestructuras militares construidas para vigilar y responder revueltas entre la población árabe de Palestina durante el mandato británico. La arquitectura era un agente central en el proyecto policial británico y fue en parte la arquitectura la que activó un proyecto similar en el nuevo contexto político. En Decolonizing Manual la transformación de los edificios forma parte de un empeño mayor, el de incrementar la representación de la población en la construcción de la vida pública. Cada paso conlleva necesariamente labores que a la arquitectura competen. Demoler tapias y retirar telas metálicas para permitir el acceso a parte de los espacios al aire libre. Restituir la titularidad del suelo a sus legítimos propietarios. Desmontar la visión estratégica de los edificios coloniales sobre los tejidos residenciales. Todo decidido en reuniones semanales de los representantes de los agentes sociales afectados, entre ellos los arquitectos. Para Gandolfi este trabajo ilustra la evolución del rol social del arquitecto. "El antiguo arquitecto que ofertaba servicios técnicos fue sustituido en la modernidad por el arquitecto idealista que, con un pensamiento utópico, creía saber qué quería producir y qué efectos tendría. Decolonizing Manual muestra cómo en la actualidad algunos arquitectos, conscientes del valor político de su trabajo, actúan como mediadores para poder contar con un espacio de acción. Pero hay algo más. Como puede verse en el proyecto Plus, de Anne Lacaton y Jean Philippe Vassal, muchas de estas intervenciones son tácticas y requieren que los arquitectos salgan del estudio. La acción es el mecanismo para recibir una respuesta. Y es la capacidad de observar la que permite descubrir potencialidades y dificultades que sin ella quedarían ocultas". Potencialidades como las posibilidades de transparencia o la diversidad social que contienen los bloques de viviendas de los setenta en la periferia parisiense en que intervienen Lacaton y Vassal asociados a Frédéric Druot. Y debilidades como la escasa calidad espacial de sus interiores, el abandono de un gran número de viviendas y la falta de aprecio por el entorno que manifiestan muchos de los que viven en ellas. Un proyecto basado en una oportunidad: demoler y sustituir una vivienda social cuesta 167.000 euros. Con una octava parte puede no sólo ser renovada, sino incluso programar regalos arquitectónicos que aumenten la calidad de cada vivienda y del espacio público que comparten. Como sustituir muros de cerramiento por grandes ventanas allí donde existan vistas valiosas, prolongar las estancias de las casas en terrazas de nueva planta o eliminar tramos de escaleras en el acceso a los portales. Un trabajo que sólo puede hacerse casa por casa, deliberado con sus propietarios.

En definitiva. Parece que no sólo en Dubai se debate la arquitectura del presente. Puede que sea el momento de pensar que los locutorios, los procesos parlamentados para reconstruir sociedades en proceso de descolonización o las reformas de viviendas de bloques de la periferia contengan una parte de la arquitectura que quizás ya nos toca vivir.

La 11ª Bienal de Arquitectura de Venecia se celebra del 14 de septiembre al 3 de noviembre. www.labiennale.org/en/architecture/

Pero... ¿dónde están los edificios?

2008-09-13T16:38:00.000-05:00

Sin construcciones ni maquetas, arranca la Bienal de Arquitectura de Venecia más polémica - Aaron Betsky, comisario: "Las casas son la tumba de este arte"

MILENA FERNÁNDEZ - Venecia - 11/09/2008

Un chico y una chica se tumban en el suelo desnudos para leer un libro. A pocos metros, otra pareja canta vestida con ropa ligera. Se trata de la instalación del arquitecto suizo Philippe Rahm. Los primeros viven en un ambiente artificial, a una temperatura de 28 grados. La vida de los segundos transcurre a 12 grados. Y por raro que suene, esto es la Bienal de Arquitectura de Venecia.

"En esta disciplina cuentan también los elementos invisibles, como la luz o la temperatura", se defiende Rahm. No todo van a ser maquetas, edificios, proyectos. Al menos, en esta 11ª Bienal (desde el sábado y hasta el 23 de noviembre). No en vano, en el recorrido por el Arsenal veneciano, periodistas y arquitectos comparaban ayer la cita con una exposición de arte contemporáneo. Sin edificios reales, sólo experimentos, instalaciones (y hasta una performance). Tanto de arquitectos consagrados como de jóvenes.

La mirada se detiene en la instalación del español Vicente Guallart: una bicicleta, salones con mesa para la televisión, lavadoras, armarios, camas (con crucifijo incluido), lavadoras, cocinas... Todos los objetos, construidos a escala real, están interconectados. Mediante un teclado, las cosas y sus usuarios pueden relacionarse con el mundo. Cada uno tiene un microservidor, que permite "establecer relaciones sociales, económicas o ambientales. El objetivo final es ahorrar energía", escribe Guallart en el catálogo. Ha sido seleccionado porque, según apunta el comisario de la bienal, Aaron Betsky, "explora la relación entre la arquitectura visual y la virtual. Con el uso de nuevas tecnologías, su trabajo es un buen ejemplo de experimentación de la realidad, una prueba tangible de un mundo mejor".

Porque todo se debe en esta rompedora cita a las ideas e interpretaciones de la arquitectura y la construcción de Betsky (Montana, Estados Unidos, 1958). Cuando se trata de ser crítico con los arquitectos, este comisario no tiene pelos en la lengua. "Una arquitectura que pretenda dar soluciones construyendo es falsa, está muerta. Los edificios son la tumba de la arquitectura", comenta desde su despacho, desde el que se contempla una vista espléndida de los tejados de la ciudad y el Gran Canal.

La sonrisa no abandona nunca la cara de este arquitecto, graduado en Yale, que ha preferido ser un teórico a dedicarse a la construcción y diseño de edificios. Ha sido director del Instituto de Arquitectura Holandés, comisario del Museo de Arte Moderno de San Francisco, y, desde 2006, dirige el Museo de Arte Moderno de Cincinnati. Ha firmado una docena de libros y es un reconocido escritor de ensayos. Se presenta a la entrevista puntual, camisa blanca y corbata al estilo Obama. Betsky ha dicho que es un error confundir la arquitectura con la construcción de edificios. "Es muy simple, pero al mismo tiempo suena confuso", explica. "Una construcción es una construcción. La arquitectura es todo lo relacionado con la construcción de edificios: cómo organizar, diseñar y pensar éstos, o bien cómo aparecen en el panorama. Los edificios son la huella más importante de un arquitecto, pero es realmente difícil encontrar arquitectura en ellos, porque uno mira el edificio, pero no ve la arquitectura".

Los creadores que exponen este año en Venecia no plantean soluciones, pero muestran los caminos para hacer visible otro tipo de arquitectura, "que no se limita al diseño de edificios, sino también al diseño de espacios internos, objetos y muebles". "Veremos muchos experimentos, que espero traten de aportar un nuevo punto de partida", continúa.

Una filosofía que podría aplicarse a la instalación de una estrella en medio del paseo. Frank O. Gehry ha ideado una enorme estructura de madera, montada completamente a mano. La obra resume su arquitectura artística y experimental, "que va más allá de la disciplina", añade Betsky. El próximo sábado, Gehry recibirá el León de Oro a toda una carrera, el galardón también reconocerá el trabajo del historiador James S. Ackerman.

Visualmente atractiva, pero tal vez poco funcional es la obra de Zaha Hadid y Patrik Shumacher. Su "flor de loto" es un gran salón, con un escritorio móvil, una pantalla, una silla, una cama, todos cargados de pliegues, poco cómodos para las partes posteriores. "No digo que los arquitectos no sean necesarios", continúa el comisario. "Necesitamos buenos arquitectos, capaces de construir un mundo crítico, un mundo mejor, abierto a nuevas posibilidades que van más allá de los espacios de uso cotidiano, como casas, oficinas, espacios donde las personas trabajan o se divierten. Tal vez es necesario encontrar otros instrumentos que impulsen una arquitectura que no se limite a la construcción de objetos-edificios".

Consecuencia de este discurso es, para el comisario de la muestra, la afirmación de que la arquitectura es poder económico y también político. "Los edificios son muy costosos y sólo quien tiene dinero y poder puede asignar una obra a un determinado arquitecto. Para romper con la relación entre arquitectura y poder político, los arquitectos deben, simplemente, rechazar nuevos proyectos. Por otro lado, habrá cada vez menos dinero para una arquitectura inteligente y crítica". Al preguntarle si sigue vigente el lema de la Bienal de 2000, dirigida por Massimiliano Fuksas, que pedía menos estética y más ética en la arquitectura, Betsky dice: "No se puede ser ético construyendo cosas feas, pero un arquitecto es ético cuando es crítico y es capaz de concertar la arquitectura con el mundo real".En la obra del español Guallart, los hombres se conectan a los objetos "Necesitamos arquitectos capaces de crear un mundo crítico", dice Betsky

Al Guggenheim le nace un 'rival'

2008-09-13T16:34:00.000-05:00

La nueva sede de Sanidad del Gobierno vasco irrumpe con una explosión de vidrio en el Ensanche bilbaíno

ANATXU ZABALBEASCOA - Madrid - 09/09/2008

Todavía no se ha inaugurado, pero ya es famoso entre los vecinos del Ensanche de Bilbao. Los viandantes abren la boca frente a un nuevo icono arquitectónico que es un edificio público. La nueva sede de Sanidad del Gobierno vasco es un inmueble rompedor e indagador. A la manera de los experimentos deconstructivistas, fractura los planos sin romperlos para hacer hablar a un muro cortina.

La explosión de vidrio no ha sido fácil. Sus arquitectos, el estudio Coll-Barreu -que dirigen Juan Coll-Barreu y Daniel Gutiérrez Zarza-, han analizado a fondo la estricta normativa de edificación de la zona para poder interpretarla con libertad. Así, el nuevo edificio juega con retranqueos, con la esquina achaflanada y ha levantado incluso una versión geométrica y acristalada de un torreón -que la normativa permite- para coronar el chaflán.

El resultado es un edificio indefinido y, por tanto, misterioso, una fachada de vidrio que en ocasiones parece invadir la calle y, por momentos, quiere también desaparecer. El material de fachada, que actúa como envolvente acústica y luminosa, lo describen los arquitectos "no como una piel, sino como un volumen", un cristal inteligente que reacciona con las condiciones meteorológicas. Daniel Gutiérrez asegura que un edificio tan icónico no es más que "el resultado de una investigación". Y apunta que, formalmente, la voluntad que lo sostiene es la de "responder al entorno dinámico del Ensanche".

Como fuera, el edificio recuerda levemente al estallido que el autor de la zona cero, el polaco-norteamericano Daniel Libeskind, propuso para ampliar el mítico museo Victoria&Albert de Londres. Aquel proyecto de vidrio deconstruido ganó el concurso para la ampliación de la galería londinense, pero, de momento, sólo vive en el plano y las maquetas que lo hicieron ganador. Con la sede de Sanidad, los arquitectos Coll-Barreu culminan una trayectoria osada, ecléctica y rompedora. Un camino que iniciaron con la cartesiana Facultad de Ciencias de Zaragoza (1997), continuado con los alardes tecnológicos de la Central de Policía de Oyarzun (Guipúzcoa), hacia 1999, o el Centro de Proceso de Datos de Erandio (2000). El estudio, con sede en Bilbao y Madrid, también ha indagado en la arquitectura más etérea aprovechando el encargo de edificios leves, como el desaparecido Inem de Huesca (hoy transformado), de 1999, o el edificio de control aéreo de Torrejón de Ardoz (2003). La fractura y los requebramientos ya aparecían en el polideportivo La Peña de Bilbao (2006), aunque entonces los combinaran con la calidad matérica del hormigón negro.

Al afán indagatorio de los arquitectos, se añade con la sede de Sanidad una voluntad por parte del Gobierno vasco de recuperar la estela del Guggenheim apostando por edificios que arriesgan y hablan alto.

El derecho a la memoria urbana

2008-09-13T16:32:00.000-05:00

JOSEP MARIA MONTANER 06/09/2008

Entre los nuevos derechos a reclamar está el derecho a hacer visible la memoria de los movimientos sociales urbanos, algo que puede parecer obvio, pero que es negado en la medida que la memoria de las reivindicaciones vecinales va siendo sistemáticamente borrada. De esta manera, parece que la ciudad, tal como es, es un resultado natural: así ha sido planificada y construida. Se olvida que uno de los motores esenciales de las mejoras sociales y de una parte importante de los edificios y espacios públicos son los movimientos urbanos, cuya memoria el poder tiende a ir lavando y blanqueando, construyéndose una historia falsa, que lleva a presentar hoy una Barcelona burguesa del modernismo, de la que se ha borrado la memoria industrial y obrera de los barrios que la hicieron posible, como si la arquitectura de los propietarios hubiera salido de una riqueza innata, heredada o nobiliaria.

Tal como señalaba la exposición En transición en el CCCB, un proceso emblemático en la Cataluña de la transición fue la defensa de la calidad de la enseñanza pública, culminando en luchas como la que entre 1974 y 1977 consiguió que se construyera una nueva escuela pública en los terrenos de la antigua fábrica Pegaso en Sant Andreu.

De la misma manera que no podemos olvidar que el parque Catalunya, en Sabadell, existe porque la asociación de vecinos de la Creu Alta luchó durante años, desde 1977, para que no se construyeran viviendas en esta reserva de suelo verde, con manifiestos y campañas, plantadas de árboles reprimidas por la policía y acciones simbólicas como enterrar un automóvil para demostrar que el terreno era sólo de los peatones.

O que el actual Museo de la Ciencia y la Técnica de Cataluña en Terrassa, en el vapor Aymerich, Amat i Jover, que hoy celebramos como joya del modernismo catalán, obra de Lluís Muncunill, tenía en 1970 un proyecto por el que iba a ser derribado en su totalidad para hacer viviendas de promoción privada, y la movilización de la sociedad civil -vecinos y técnicos- consiguió pararlo en 1975 y que se fueran salvando paulatinamente partes de la antigua fábrica hasta que se salvó toda y fue adquirida por la Generalitat de Cataluña en 1983, y se convirtió en sede del museo.

Por lo tanto, detrás de cada parque, de cada equipamiento o de cada conjunto patrimonial que se salva hay, generalmente, un movimiento vecinal que no se debe olvidar, una memoria que en Barcelona tiene expresión en la revista de la FAVB, La Veu del carrer y que han mantenido viva artículos y libros de personas admirables como el desaparecido Josep Maria Huertas Clavería.

También en la Barcelona actual hay ejemplos que son resultado de reivindicaciones. El llamado forat de la vergonya en Ciutat Vella no sería hoy la plaza de la diversidad y la convivencia que es, más allá de algunos errores como los huertos comunitarios mal situados, si no llega a ser porque los vecinos, en una lucha que fue duramente reprimida, no se hubieran enfrentado a que allí hubiera un aparcamiento. Incluso la parte representativa del conjunto fabril de Can Ricart que se ha salvado y se ha convertido en BCIN, a pesar de la destrucción de algunas partes imprescindibles, lo ha sido gracias a la larga lucha de sus antiguos trabajadores, de los vecinos y de las plataformas de apoyo, cuando el proyecto inicial sólo preveía mantener una torre y una chimenea.

Cada uno de estos casos demuestra que el resultado final no acostumbra a ser ni tal como se proyectó, sin haber tenido en cuenta a los vecinos y el contexto, pero tampoco ha sido exactamente tal como soñaron y reclamaron sus habitantes. En cada caso ha habido un proceso de pugna y negociación, de transformación y revisión de proyectos, que ha llevado a resultados híbridos, en los que ninguna de las partes se puede apuntar victorias o derrotas rotundas. Y así es como se construye la ciudad, dialécticamente, a partir de los conflictos.

Por esto es tan importante reclamar el derecho a mantener la memoria de estos movimientos, en los medios de información progresistas, en las investigaciones universitarias o en las actividades de los grupos alternativos, construyendo historias que se centren en los actores reales de la ciudad y del territorio. Sino, las administraciones y el silencio de los medios dominantes de información conseguirán acabar borrando la memoria crítica y haciéndonos creer que siempre se había proyectado así y que no hubo ni lucha ni reivindicación alguna.

Josep Maria Montaner es arquitecto y catedrático de la Escuela de Arquitectura de Barcelona (UPC).

Los Teatros del Canal alzarán el telón el 23 de septiembre

2008-09-13T16:30:00.000-05:00

El funeral por los fallecidos en el accidente de Barajas y el Debate sobre el estado de la Región modifican la fecha de la inauguración

ELPAÍS.com - Madrid - 03/09/2008

La inauguración de los Teatros del Canal, nueva sede de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid, se ha pospuesto finalmente al 23 de septiembre a pesar de que las invitaciones ya estaban enviadas. En un principio estaba prevista para el día 16 y después se cambió al 14, pero ambas fechas planteaban problemas: el funeral por las víctimas del accidente de Barajas y el Debate sobre el estado de la Región -a ambos actos asiste la presidenta, Esperanza Aguirre-. Un portavoz del Canal de Isabel II ha informado a última hora de la nueva fecha después de una tarde de cambios.

Para su inauguración estaba previsto que Nacho Cano adelantara la música de su nuevo espectáculo A, dedicado al agua, el oxígeno y el medio ambiente. El portavoz no ha podido precisar si el cartel se mantiene o se cae por culpa de los cambios. El proyecto, diseñado por Juan Navarro Baldeweg, acumula cuatro años de retrasos, un despido -el del arquitecto- y una reamisión. El edificio combina dos salas de representación y un centro coreográfico. De las dos salas de la nueva sede de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid, la frontal es la mayor y tiene espacio para 900 espectadores. Divididos en dos niveles y un foso para 80 músicos.

Problemas con las obras

Sólo 100 localidades menos que el Teatro Albéniz, al que podría sustituir en un futuro. La sala pequeña permitirá aforos comprendidos entre los 400 y los 800 espectadores, en función de la disposición de la grada y el escenario. El conjunto arquitectónico, que ocupa una parcela de 8.700 metros cuadrados, lo completa el centro de danza, dotado de 11 salas. Las obras de este teatro comenzaron en 2002 con un presupuesto de 49,9 millones de euros y un plazo de ejecución de 23 meses, por lo que deberían haber estado terminadas en 2004 y su coste cerrado es de 72 millones de euros.

Este aumento del presupuesto y el retraso en la construcción de debe a que tuvieron que realizar una modificación por algunos cambios normativos e indefiniciones del propio proyecto, que obligaron a aumentar el coste en un 22% y a alargar el plazo de ejecución de las obras, según el Canal. Ante la indefinición tanto del presupuesto como del plazo, el Gobierno de Esperanza Aguirre decidió en octubre rescindir el contrato con el estudio de arquitectura de Navarro Baldeweg.

El Gobierno sostenía que el edificio en construcción tenía "importantes defectos, carencias e imprevisiones". En defensa de su obra, más de un centenar de compañeros de profesión y personalidades del mundo de la cultura firmaron un manifiesto de apoyo al arquitecto.

En diciembre, el Gobierno de Madrid dio marcha atrás y accedió a la continuidad del arquitecto si concretaba plazo y presupuesto. Una vez concretados ambos extremos, el Consejo de Administración del Canal de Isabel II aprobó el proyecto modificado con el presupuesto final de los 72 millones de euros.

"Mi trabajo se limita a la estética"

2008-09-13T16:24:00.001-05:00

MILENA FERNÁNDEZ - Venecia - 03/09/2008

La polémica persigue al creador valenciano. Tras las críticas recibidas por su trabajo en Bilbao, Valencia y Jerusalén, su puente sobre el Gran Canal veneciano no será inaugurado oficialmente por carecer de acceso para discapacitados

Santiago Calatrava (Benimamet, Valencia, 1951) no ha podido inaugurar como habría deseado su "puente más bello", el cuarto sobre el Gran Canal veneciano, el primer guiño de arquitectura contemporánea en la frágil ciudad. Y, de momento, otra fuente de problemas para el arquitecto e ingeniero, a quien la polémica parece perseguir. El puente no se estrenará el 18 de septiembre, según el guión previsto, ni en presencia del presidente de la República, Giorgio Napolitano. Organizaciones de discapacitados denuncian que la pasarela carece de una estructura para ellos. El municipio programó la construcción de un ascensor horizontal para el transporte de un máximo de dos personas, pero aún no está terminado.

Pese a los contratiempos, ahí está la enorme estructura en acero, cubierta de vidrio y piedra de Istria, simbiosis de arquitectura y escultura, de 94 metros de largo. Calatrava paseó el lunes satisfecho por el puente de la Constitución, pero las autoridades no han establecido una fecha para su apertura. El arquitecto recibió ayer a EL PAÍS en Venecia.

Pregunta. ¿Cómo recibió la cancelación de la inauguración?

Respuesta. Soy arquitecto e ingeniero. Tengo 27 años de experiencia. Para mí lo importante es la obra, no las circunstancias que la rodean. Y éste es mi puente más bello. Lamento que los operarios, que trabajaron tanto, no tengan una inauguración adecuada. Se ha trabajado para entregar a Venecia una obra que esté a la altura de la ciudad. Es un acto de amor a Venecia y de amor a la civilización italiana en general. Como español, y valenciano, siento una enorme gratitud por Italia, porque ha sido un punto de referencia extraodinario para todos.

P. Nunca le ha agradado la idea del ascensor horizontal...

R. El 90% de mi trabajo se concentra en obras públicas. He respetado siempre las normas. Mis obras han sido construidas con un espíritu de servicio, particularmente para las personas discapacitadas. Es la primera vez que me encuentro en una situación como ésta. Con quejas de los discapacitados y de ciertos grupos que ven las cosas de otra manera. La polémica, profesionalmente, la encuentro inútil. Antes de ser aprobado el proyecto se expuso durante un año en la plaza de San Marcos y entonces no recibió críticas.

P. ¿Qué hay detrás de la polémica sobre este ascensor, bautizado uvovía por su forma oval?

R. [Ríe] Creo que corresponde a los periodistas encontrar el porqué. He mantenido siempre una actitud profesional. Las obras tienen una misión de servicio público. Hay que pensar en la trascendencia del trabajo del arquitecto y del ingeniero, que se encuentra en la funcionalidad del objeto. No encuentro justo que hayan querido culparme. Al principio, el municipio no creyó necesario la instalación de un ascensor horizontal. Ya existe el vaporetto.

P. ¿Es su obra más polémica?

R. He estado involucrado en todas las fases del diseño del proyecto, pero la ejecución ha estado completamente fuera de mis manos, he sido sólo un consultor artístico, porque así lo dispone la ley. Cuando diseñé el proyecto, lo hice de acuerdo con las bases económicas que me había indicado el municipio. Luego el proyecto fue aprobado. No tuve ninguna influencia en la asignación de la obra a la empresa ejecutora. Han sucedido muchas cosas que se escapan de mis manos; sin embargo, deseo subrayar que mi trabajo de proyectista lo encuentro al nivel de cualquier otra obra que he realizado en el mundo. Son más de 40 puentes en 17 países. El tipo de concurso convocado no era el adecuado para la obra de que se trataba. Se requería una empresa con un mínimo de experiencia en construcción de puentes.

P. ¿Por qué la suma inicial que usted calculó, 4,5 millones de euros, se ha disparado a 20?

R. Hice un cálculo que aprobó el municipio. Y éste asignó la obra. A partir de ahí las cosas ya no estuvieron más en mis manos. Mi trabajo se limita a la estética, según lo que prevé la ley.

P. ¿Qué es lo que más ha lamentado de todo esto?

R. No me ha decepcionado nada ni nadie. Me siento muy agradecido de haber podido dar un puente a Venecia, y particularmente al alcalde de la ciudad, Cacciari, por su interés. Puedo haberme entristecido por las polémicas fuera de tiempo. Sacarlas a flote me parece una instrumentalización.

P. ¿En qué estado se encuentra su proyecto para el centro de transportes en la zona cero? Tras la negativa de la Autoridad Portuaria de Nueva York de permitirle colocar una cubierta móvil... ¿Están paralizadas las obras?

R. Se revisó el proyecto para reducir los costos. Algo muy habitual en Estados Unidos. Esto ha llevado a unos cambios en el proyecto. Las obras de la estación se iniciaron hace dos años y no han sido paralizadas. En este tipo de trabajos consumen un tiempo enorme porque los trenes continúan pasando.

P. ¿Por qué se inundó el Palau de les Arts, en Valencia?

R. Hay que tomar en cuenta dos aspectos: ocurrió una catástrofe natural, porque llovió muchísimo en Valencia. Por otra parte, para el Congreso Mundial de las Familias movieron la tierra. Tapó el flujo natural del río.

P. Sin embargo, su nombre ha sido cuestionado.

R. Estas cosas requieren un poquito de paciencia. Han hablado de mí, pero mi cliente, en este caso la Generalitat o la ciudad, no me han hecho responsable, porque no soy culpable de lo sucedido. El hecho de ser arquitecto, en mis circunstancias, hace que me exponga a críticas colaterales. Es como ver un hijo que sufre, porque amo mucho mis obras.

P. ¿Por qué ha protestado en los tribunales por los cambios de la pasarela sobre la ría en Bilbao?

R. Ha sido muy interesante. La ley que protege las obras de arte se encuentra en un estado primitivo, sobre todo para las obras públicas. Era el momento de dar una señal clara. El esfuerzo que se hizo con el patrocinio de la Asociación Española de Artistas para testimoniar que las obras públicas son también obras de arte. Hemos ido muy lejos, porque el juez aceptó que hubo un daño, pero luego prevaleció el interés público al interés individual, pero es un primer paso para demostrar a la Administración pública que aunque ellos pagaron la obra no les pertenece. La pueden administrar, pero no hacer lo que quieran.
LOS LÍOS QUE NUNCA CESAN

- El cuarto puente sobre el Gran Canal (Venecia). El 26 de agosto de 2008, el Ayuntamiento de Venecia canceló la inauguración del puente, prevista para el 18 de septiembre, ante las presiones de la oposición y de las asociaciones de minusválidos.

- Estación de transportes del World Trade Center (Nueva York). Por motivos presupuestarios, la Autoridad Portuaria de Nueva York anunció el pasado 2 de julio una modificación de la cubierta de la estación de transportes diseñada por el arquitecto en el lugar que ocuparon las Torres Gemelas. La estructura ya no será móvil, tal y como contemplaba la idea inicial.

- El tranvía de la discordia (Jerusalén). El 25 de junio de este año se inauguró un puente por el que pasará un tranvía que unirá los asentamientos judíos de Jerusalén Este, la parte ocupada, con el centro, y del que no se beneficiarán los palestinos.

- Inundación en el Palau de les Arts (Valencia). Las lluvias torrenciales caídas sobre Valencia la noche del 11 al 12 de octubre de 2007 provocaron la inundación del Palau de les Arts.

Los bomberos achicaron agua durante 72 horas.

- La pasarela de Isozaki (Bilbao). El 28 de febrero de 2007, el arquitecto denunció al Ayuntamiento de Bilbao por vulneración de la propiedad intelectual por haber permitido la ampliación del puente Zubi Zuri, de Calatrava, con una pasarela diseñada por el japonés Arata Isozaki. La reclamación fue rechazada pero Calatrava recurrió la decisión del tribunal.

Sueños en el pabellón español

2008-09-13T16:22:00.000-05:00

Las contradicciones de la arquitectura protagonizan la Bienal de Venecia

ANATXU ZABALBEASCOA - Madrid - 02/09/2008

Se cumplían 28 años de la Strada Novíssima cuando, en 1980, el comisario de la Bienal de Venecia, Paolo Portoghesi, propuso mirar atrás. Esa presencia del pasado, que la modernidad había enterrado, marcó la arquitectura de finales del siglo XX con aires a veces pintorescos, otras sabios y otras más, desorientados. Desde entonces, sus comisarios han tratado de reinventar la arquitectura. O de reflejar cómo se redibuja mientras cambia las ciudades y las vidas de las personas. Así, si en 2000 Massimiliano Fuksas pedía Menos estética y más ética, cuatro años después Kurt W. Foster indagaba en las nuevas formas de los edificios (Metamorph) y en 2006 Ricky Burdet relacionaba la arquitectura con la sociedad que la disfruta y padece.

¿Qué queda por analizar? El comisario de este año, Aaron Betsky, apuesta por lo que anda "por ahí" suelto: Outhere: architecture beyond building, más allá de los edificios y de la propia construcción. El tema es tan antiguo como polémico. Los arquitectos vanguardistas han defendido que sobre el plano puede ya haber arquitectura. Y que muchos de los mejores proyectos no han llegado a construirse. Pero quien ha construido sabe que materializar un plano compromete las líneas pero también les da sentido. En medio de esta discusión se mueven hoy los arquitectos. Las nuevas herramientas permiten dibujar en la pantalla edificios sin lugares fijos, aunque la realidad occidental parece ya agotada para los fuegos de artificio.

Ese panorama dual, y esquizofrénico, quiere reflejarlo el pabellón español con la muestra De lo construido a la arquitectura sin papel, que han comisariado Soledad del Pino y Ángel Fernández Alba. Los ordenadores permiten una arquitectura sin papel, pero así se queda sin función. El pabellón español, que se abre el próximo 14 hasta el 23 de noviembre, quiere reflejar esa dicotomía tan visible hoy en obras como el teatro del Canal de Juan Navarro Baldeweg, en Madrid; las bodegas Bell-Lloc del equipo de Olot RCR, en Palamós; la biblioteca Jaume Fuster de Josep Llinás, en Barcelona; la reconversión de una fábrica de curtidos de López Cotelo y Vargas Funes, en Santiago, o unas torres de fachada perforada de Clotet, Paricio y Abeba, en Barcelona. Son obras que permiten hablar de sueños construidos. Entre los proyectos más jóvenes, los colectivos Cuac, Up Arquitectos, Estudio Motocross, Colectivo Cuarto y Mitad o Dosmasuno, que mostrarán sus propuestas en pantallas de ordenador.

A la Biennale de Venise de l'architecture, l'imaginaire érigé en dogme

2008-09-13T13:25:00.001-05:00

Venise Envoyé spécial

La Biennale d'architecture a trouvé en Venise une protectrice bienfaisante, capable de multiplier et de diversifier ses lieux d'exposition selon les caprices des commissaires ou des candidats exposants. La présidence de la Biennale avait confié cette onzième exposition internationale à un commissaire de poids. Aaron Betsky a dirigé pendant six ans avec brio l'Institut néerlandais d'architecture (NAI), à Rotterdam, et a pris depuis 2007 la tête du Musée d'art de Cincinnati. Ce saut dans l'espace de la pensée mondialisée lui a peut-être embrouillé les neurones.
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L'essentiel des professionnels sérieux s'interrogent aujourd'hui sur l'avenir des villes, sur les aspects techniques les plus pertinents pour adapter la création architecturale à un monde écologiquement fragilisé. Betsky, lui, rebat les cartes et reprend la vieille rengaine des frontières de l'art et de l'architecture, mal camouflée par un thème propice à toutes les interprétations : "Out there : architecture beyond building", autrement dit l'architecture au-delà de la construction.

Cette recherche de ce qui peut se cacher derrière l'architecture s'est exprimée sur trois modes différents, dans l'ancien Arsenal - les vedettes y ont été sélectionnées par le commissaire - et dans les pavillons : certaines représentations nationales ont suivi la directive Betsky. D'autres l'ont détournée avec ironie ou subtilité (la Belgique livre un pavillon vide, jonché de confettis, sur le thème du "Jour d'après"... le décès de l'architecture) ; quelques-uns l'ont contourné, ou s'y sont opposés, comme les pavillons de la plupart des pays producteurs d'architecture. Les Français jouent efficacement la diversité (quel rôle pour l'architecte dans la "généro-cité" ?...) . Les Espagnols envoient quelques bataillons d'élites repenser les zones abandonnées par l'urbanisation. Les Nordiques exposent Norvégion Sverre Fehn, inventeur de formes contemporaines qui se souviennent de la force des matériaux naturels.

Si les Russes offrent un patchwork de modèles d'importation pathétiques, les Ukrainiens rappellent la présence paradoxale de la nature en évoquant l'explosion de Tchernobyl, tandis que les Allemands travaillent avec les ressources de la terre. Les Américains jouent la carte d'un urbanisme humanisé. Rares sont toutefois les pavillons où les professionnels ont placé les questions urbaines au coeur de leur présentation, alors que la ville occupait une place centrale au cours des deux précédentes biennales...

PROTOTYPES DÉGLINGUÉS

L'ancien pavillon italien, qui joue désormais le rôle de complément de l'Arsenal, est un impressionnant fourre-tout. Dans ce labyrinthe de cabanes sans esprit ou de prototypes déglingués d'architecture chewing-gum, les vedettes de la scène internationale tirent leur épingle du jeu : le Suisse Jacques Herzog, associé ici au Chinois Ai Weiwei (coconcepteur du grand stade de Pékin), propose une sculpture de chaises et de bambou qui dévore l'espace tout en le laissant libre, l'Anglo-Irakienne Zaha Hadid y montre ses peintures, avec ou sans orientation constructive. Le Hollandais Rem Koolhaas enfin a laissé la famille Lemoine, commanditaire d'une fameuse maison à Bordeaux, tourner un document à la fois émouvant et ironique sur cet édifice d'exception.

Les occupants actuels de l'Arsenal font exploser toute idée sérieuse sur la construction et ses traductions formelles. Tous en bonne place dans le bottin mondain de la profession, ils semblent pour la plupart indifférents au site : ils montrent leur nombril, et pas leur savoir-faire, puisque Betsky les aime ainsi.

Beaucoup ont choisi d'exposer leur mobilier, comme Zaha Hadid, d'autres soulignent le caractère sculptural de leur oeuvre, comme Frank Gehry (honoré par un Lion d'or qui récompense l'ensemble de sa carrière) ou Coop-Himelblau. D'autres encore fabriquent de grands objets ludiques accompagnés de messages incompréhensibles ou d'une vacuité sidérale. En somme, plus l'espace de l'Arsenal se dilate, plus les idées s'y dissolvent. Reste, au fin fond du parcours, un pavillon chinois qui montre de très belles et justes photos de Pékin au milieu de cuves à mazout. Et, au-delà encore, un délicieux jardin potager imaginé par des Britanniques et des Américains. Difficile à interpréter mais au moins comestible.

Vicente Guallard representa a España en la Bienal de Arquitectura

2008-09-13T13:11:00.000-05:00

Sábado, 13-09-08
V. B.
ROMA. Tras la inauguración de hoy, la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia se abrirá mañana de forma oficial al público en sus dos sedes, por un lado en el parque frente a la laguna, y por otro en el Arsenal. España participa con un pabellón proyectado por los arquitectos españoles Ángel Fernández Alba y Soledad del Pino, bajo el título «De lo construido a la arquitectura sin papel». La sección española apuesta por presentar las respuestas vanguardistas de distintos arquitectos españoles -en la sección «Sin nombres, lugares»-, y por la arquitectura web, en la que no hay papel, siendo una pantalla la que sustituye el soporte tradicional del arquitecto, en la sección «Arquitectura sin papel». «En España se está evolucionando mucho en el panorama arquitectónico, declaró a ABC el comisario del Pabellón español, Ángel Fernández Alba. Ahora hay voluntad de construir cosas que en otros países no se atreven, hemos pasado de la arquitectura del papel de los años 80 y 90, en la que sólo se dibujaba pero no se pasaba a la práctica, a construir lo plasmado en un boceto».
Medio centenar de arquitectos españoles participan en este pabellón, pero uno en particular fue seleccionado para representar a nuestro país. Se trata del valenciano Vicente Guallart, que expone junto a otros 21 arquitectos internacionales de reconocido prestigio. La obra del español lleva por título «Hyperhabitat» y recrea a escala 1:1 una planta de un edificio de viviendas para jóvenes con espacios compartidos que se está construyendo en Valencia. La presencia española no termina aquí, ya que cuatro estudios de arquitectura de nuestro país fueron seleccionados para presentar sus propuestas al Pabellón de Italia en el apartado de Arquitectura Experimental. En esta edición el director artístico, Aaron Betsky, ha querido ir más allá de la arquitectura, «mostramos una perspectiva completamente diferente de la arquitectura, que no es sólo construir, va más allá». El presidente de la Exposición y promotor principal del evento, Paolo Baratta, expresó su satisfacción por la acogida de este evento porque «la arquitectura tiene que volver a encontrarse a sí misma, separada de la ciencia o del pensamiento; nuestro objetivo es mostrar la arquitectura que precede a su fusión con otros campos». El León de Oro a toda una carrera lo recibirá Frank O. Gehry, autor del Guggenheim de Bilbao, y el León de Oro especial, el histórico arquitecto américano James S. Ackerman, uno de los grandes nombres de este arte.

La vida interconectada

2008-09-13T13:10:00.001-05:00

Vicente Guallart, arquitecto valenciano afincado en Barcelona, aporta con su Hyperhabitat - elocuentemente subtitulado Reprogramando el mundo-una de las instalaciones más complejas y ambiciosas de la Mostra. Guallart centra su trabajo, desde hace años, en la construcción multiescalar, en los entornos amplios y comunes, más que en los edificios ensimismados. Este Hyperhabitat - que ya esbozó meses atrás mediante una exposición en el Institut d´Arquitectura Avançada de Catalunya- es la reproducción a escala 1/ 1 de seis viviendas para jóvenes: un macropiso con espacio central compartido. Dicho piso, de planta similar a uno que Guallart construye en Gandía, reúne muebles de metacrilato equipados electrónicamente e interconectados. Completa la instalación una enorme pantalla donde se recogen y articulan las coordenadas de un futuro de redes, nódulos y conexiones (de la bombilla hasta la central nuclear, del crucifijo casero hasta el Vaticano), y en el que sería posible optimizar los servicios, la interrelación y la autosuficiencia de diversas concentraciones de población. ...

Edificios o arquitectura

2008-09-13T13:08:00.000-05:00

LA UNDÉCIMA MOSTRA INTERNAZIONALE DI ARCHITETTURA

Ante el exceso de arquitectura-espectáculo, Venecia apuesta por la experimentación
LLÀTZER MOIX - Venecia Enviado especial - 13/09/2008

"Edificios o arquitectura". Esta es la sorprendente disyuntiva, casi una proclama insurgente, formulada por Aaron Betsky, comisario de la undécima Mostra Internazionale di Architettura de la Bienal de Venecia, que mañana domingo -y hasta el 23 de noviembre-abre sus puertas al público. Han pasado once años desde la inauguración del Guggenheim Bilbao: una década en la que han proliferado en todo el mundo los edificios llamativos, los gigantescos bibelots cincelados por arquitectos estrella para las ciudades que dicen querer descollar en el mapa global. Y Betsky cree que ha llegado la hora de convertir la cita veneciana en un manifiesto. De ahí su lema: Out There. Architecture Beyond Building -Arquitectura más allá de la construcción (o del edificio)-. Y de ahí que la exposición central, desplegada en las imponentes naves del Arsenale, no sea una colección de docenas y docenas de proyectos arquitectónicos recientes, sino una sucesión de instalaciones, firmadas, eso sí, por arquitectos. ...

The Venice Architecture Exhibition

2008-09-12T23:05:00.000-05:00

Sane meets silly at the International Architecture Exhibition in Italy

Lucy Alexander

Architecture: from the sublime to the ridiculous; from the practical to the farcical. This would be a more apt theme for the 11th International Architecture Exhibition at the Venice Biennale this weekend (until November 23) than the real one, Out There: Architecture Beyond Building. According to the publicity materials, the British presence promises to be a mixture of serious debate and pretentious posturing.

In the former category is a British Council debate entitled “How lovely is thy dwelling: building homes in the 21st century”. This will examine such crucial questions as: “Is it possible to mention leading architectural design and volume housebuilding in the same breath?” and “Is it possible to shake off the cynicism and lethargy that beleaguers UK housebuilders, particularly in the current economic climate?” The speakers include John Callcutt, the author of the 2007 Callcutt Review into housebuilding, plus a panel of five architects, whose concurrent exhibition, Home/Away: Five British Architects Build Housing in Europe, will “explore the roots of the British obsession with home ownership”.

All very sensible and interesting - unlike the description of the Hypnerotosphere exhibition, pictured, by Nigel Coates, the head of architecture at the Royal College of Art, which includes a film of “sensuous dance” intended to “explore architectural relationships through the medium of the body”. How? Well, the dancers' “flow” takes place “against the unsympathetic and brutal backdrop of some well-known Italian social housing”, and the “physical interaction between these bodies, their libidinous attraction even, suggests a paradigm that could underpin architecture with a new humanism”.

But top prize for pomposity goes to the director of the Biennale, Aaron Betsky, for his description of a fringe debating forum, the Darkside Club: “A coven of knowledge, in which the secret history of architecture that is critical and constructs alternatives to the built affirmation of the social, political and economic status quo receives a documentation and discussion, strategies are developed for fighting the power, and poems and paeans to other worlds are developed.” Eh?

Puesta de largo de las jóvenes promesas de la arquitectura española

2008-09-12T23:03:00.002-05:00

104 arquitectos menores de cuarenta años presentan su obra en el centro de Madrid

Actualizado jueves 11/09/2008 17:18

LAURA CASO

MADRID.- Con el otoño a la vuelta de la esquina, la arquitectura nacional no puede disimular que se encuentra en plena primavera. A pocos días de la gran cita de la bienal de Venecia, en la que España es el sexto país con más participantes, Madrid acoge la exposición 'Jóvenes Arquitectos de España'(11 de septiembre- 12 de octubre) en la sala Arquería de Nuevos Ministerios de los Nuevos Ministerios, en la que podrá contemplarse lo más granado del panorama profesional por debajo de los 40 años. [ÁLBUM]

"Lo más representativo de la muestra es haber encontrado 62 equipos con una calidad realmente muy alta", asegura Jesús Aparicio, comisario de la muestra, y añade "incluso muchos de los que se han quedado fuera son gente muy competente". Para Aparicio esta 'quinta' de la arquitectura española, representada por 104 participantes (entre ellos seis de otras nacionalidades), abre un nuevo ciclo en el "siglo de Oro" de esta disciplina, cuyo comienzo sitúa en la década de los 50.
Viviendas a medida

'Esta 'quinta' de la arquitectura española abre un nuevo ciclo en el "siglo de Oro" de esta disciplina', afirma Jesús Aparicio, comisario de la muestra

Además de constituir un grupo cultural, estos jóvenes más que 'promesas' son hechos. A diferencia de anteriores generaciones, "casi el 98% de los trabajos presentados ya se han construido", comenta Aparicio; un logro notable tratándose de profesionales que aún son treintañeros.
Casa en altura diseñada por Arturo Franco. [ÁLBUM]

Casa en altura diseñada por Arturo Franco. [ÁLBUM]

Juventud, realización profesional, y también vocación internacional, porque la exposición acoge algunas obras llevadas a cabo en España por arquitectos de otros países y otras realizadas por españoles en el extranjero. En concreto, son cinco las ubicadas fuera de nuestras fronteras y se sitúan en Shanghai (China), Oaxaca (México), Groningen (Países Bajos), Budapest (Hungría) y Berlín (Alemania). Heterogeneidad de lugares y también de propuestas: desde museos hasta construcciones lúdicas, pasando también por proyectos residenciales.

Las viviendas son una parte importante de la selección. El criterio de selección para escoger los trabajos ha sido "ofrecer casas unifamiliares hechas para personas dispuestas a volver a la 'sastrería', desechando el 'prêt-à-porter' de los adosados", resume Aparicio.

Tan importante como la exclusividad es, y más en los tiempos que corren, la economía. Economía monetaria, pero también de medios y espacios. "Lo importante es no derrochar", concluye el comisario de la exposición.

La Défense : le projet de Ferrier annulé

2008-09-12T23:03:00.001-05:00

Source : AFP
09/09/2008 | Mise à jour : 11:36 |
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L'architecte Jacques Ferrier a annoncé qu'il se séparait du promoteur immobilier Hermitage, filiale du groupe russe Stroïmontage, avec lequel il projetait de construire une tour de 300 mètres de hauteur dans le quartier d'affaires de La Défense.

Candidat malheureux au concours remporté par Jean Nouvel pour la Tour Signal en mai dernier, Hermitage avait annoncé le maintien de son projet, une tour en forme de "H" d'une hauteur de 309 mètres.

"Jacques Ferrier ne donnera pas suite au projet de tour de 300 mètres de hauteur qu'il a proposé avec Hermitage dans le cadre du concours Signal à La Défense", a indiqué le cabinet Jacques Ferrier Architecture dans un communiqué.

La exposición itinerante del arquitecto Rogelio Salmona llega a Tokio

2008-09-12T23:02:00.001-05:00

La galería de arte Taisei de Tokio inauguró hoy la muestra itinerante 'Espacios abiertos, espacios colectivos', que recoge más de medio siglo del trabajo del arquitecto colombiano Rogelio Salmona, y que su esposa calificó como un 'reconocimiento' a su trabajo.

Dentro de los actos de conmemoración del centenario de las relaciones entre Japón y Colombia, desde hoy y hasta el 21 de noviembre se podrá ver esta exposición del prestigioso arquitecto fallecido el año pasado a los 78 años a causa de un cáncer.

Rogelio Salmona era uno de los arquitectos más importantes de Colombia, recibió cuatro veces el premio nacional de arquitectura y fue el primer latinoamericano en obtener el premio Alvar Aalto en Finlandia en 2003, considerado uno de los más importantes del mundo.

La también arquitecto y viuda de Salmona, María Elvira Madrinan, y la profesora de arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia Marta Devia, llevan tres años trabajando en la retrospectiva que ya ha visitado numerosas ciudades como Madrid, París, Santiago de Chile o Portugal, desde que se inauguró hace tres años en Colombia.

Ambas se mostraron satisfechas de haber traído esta retrospectiva a Japón, un país que, según dijo a Efe Madrinan, a Salmona 'le interesaba mucho', ya que encontraba 'muchas afinidades entre la arquitectura japonesa tradicional y la arquitectura que él producía'.

La viuda de Salmona matizó que esa afinidad del maestro y discípulo del franco suizo Le Corbusier 'no era por el ladrillo', que caracterizó su obra, sino por 'el respeto por el entorno y cómo se integra el jardín con el paisaje'.

Por su parte, Devia explicó que 'no es una exposición cronológica, sino que los trabajos se mezclan'.

Además, la embajadora de Colombia en Japón, Patricia Cárdenas, dijo sentirse muy orgullosa de 'ofrecer este arte tan maravilloso y exquisito que manejaba Salmona'.

Si hubiera que elegir entre uno de los trabajos del arquitecto, la embajadora colombiana aseguró que sueña 'con vivir en alguna de las casas que diseñó porque están llenas de naturaleza y tienen una combinación sensorial muy impactante'.

Cárdenas indicó que además de esta muestra, durante este año se han adelantado actividades para celebrar 'como Dios manda' estos cien años de relaciones bilaterales entre Japón y Colombia.

Así, ya se ha visto en Tokio el ballet de Antioquía, el carnaval de Barranquillas y próximamente se dedicará un mes al premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, quien precisamente posee una casa en el casco antiguo de Cartagena diseñada por el arquitecto homenajeado.

Parque de concentración

2008-09-12T23:01:00.000-05:00

por Josep Maria Montaner

Con el presupuesto de este parque se hubieran hecho cinco o seis magníficas bibliotecas de barrio.
Por fin se ha podido descubrir qué hay detrás de los muros de hormigón, vagamente recubiertos de vegetación, que se han levantado para defender el Parc Central del Poblenou. Y lo que se descubre es un parque decepcionante, vacío de algo que tenga sentido y pueda ser una aportación para las personas.
Tras atravesar las estrechas aberturas, se transita por unos suelos sin interés y no se ve ninguna aportación respecto a lugares de juego para niños, a cómo sentarse y hacer corrillos para hablar, echarse al sol o ponerse a la sombra bajo alguna pérgola ingeniosa, hacer pic-nic, tomar algún refresco o ir al lavabo. Sólo artilugios superfluos: unas pérgolas mal copiadas de las obras de Enric Miralles y Carme Pinós; unos paneles horadados a la manera de Rem Koolhaas; unas luminarias esféricas sacadas de Luis Barragán; una espiral con el rimbombante nombre de cráter, de tratamiento vegetal cursi, que recuerda en malo la bellísima obra de Beverly Pepper en el parque de la estación del Norte; un Giacometti de cuarta categoría; unos lamentables iglús a lo Mario Merz; un paisaje lunar penoso, y unas sillas aisladas antihomeless y antigrupos. En definitiva, un parque cuyos muros y rincones lo hacen tremendamente inseguro, y unos jardines que siguen la concepción francesa de los setos y las pérgolas que ellos mismos hace más de veinte años han rechazado y superado con “los jardines en movimiento” y la libertad de las plantas creciendo.

Entonces uno se da cuenta de que más relevante que los muros absurdos es el desprecio de Jean Nouvel hacia la cultura del espacio público, en la que en Cataluña habíamos avanzado tanto, con buenas plazas y magníficos parques metropolitanos, reclamados por los vecinos, promovidos por los municipios y proyectados por nuestros mejores paisajistas, muchas veces mujeres. Nos habíamos convertido en modelo de diseño de mobiliario urbano, producido en Barcelona, para que ahora se nos imponga el despilfarro de un parque en el que no hay ninguna aportación de lo necesario y muchos kits de lo superfluo. Entonces uno añora obras maestras como el Parc dels Colors en Mollet del Vallès, el Parc de Vallparadís en Terrassa, el Jardín Botánico, el Parc Central de Nou Barris y El Fossar de la Pedrera en Barcelona, el Parc de la Solidaritat en Esplugues de Llobregat, el Parc de les Dunes en Gavà y muchos otros.

Y entonces uno se siente en el funeral del espacio público, en un lugar que ya no tiene el carácter del dominio público, sino que es un lugar común, donde nunca la polis -la manifestación, la reunión, el debate, etcétera- va a poder darse. Un parque puede estar cerrado con rejas, como en el siglo XIX, pero encogido entre muros de hormigón no es un parque. Se supone que va a salir publicado en las revistas y que, incluso, algún jurado le va a otorgar algún premio. Pero está claro que no es un parque para las personas: entre muros que abren ventanas como escaparates, rodeado del tráfico de las calles y al que se accede por aceras estrechas. Solo tiene justificaciones para estúpidos: muros para proteger del tráfico, un parque vanguardista, etcétera.

Las cifras también dan que pensar. Este despilfarro para un pésimo parque ha costado más de 20 millones de euros, sin hablar de los honorarios por triplicado que se han pagado a Jean Nouvel. La nueva biblioteca de La Mina ha costado un poco menos de cuatro millones de euros. Es decir, con el presupuesto de un parque en el que casi todos los costes son para el lujo de elementos prescindibles, se hubieran hecho cinco o seis magníficas bibliotecas de barrio.

Una vez dentro, uno se pregunta qué le recuerda remotamente este parque entre murallas, con un suelo tan pobre, tan vacío de ideas originales y tan lleno de malas copias. Entonces se le hace la luz al recordar la opinión de un vecino que ha declarado que parece una prisión. ¿Ah!, es una prisión al aire libre. Y entonces todo se entiende: casi setenta años más tarde, un arquitecto francés nos ha instalado un campo de concentración como Dios manda, no como aquellos miserables e improvisados campos en las playas de Argelés y Saint Cyprien, donde nuestros antepasados republicanos malvivieron e intentaron sobrevivir.
Y es entonces cuando uno desea salir de este parque de concentración, buscando lo más rápido posible una de las angostas y escondidas puertas. Y ya fuera, respira y piensa: ojalá nunca nadie tenga que volver a estar injustamente prisionero en cárceles, estadios deportivos y campos de concentración.

Josep Maria Montaner es arquitecto y catedrático de las Escuela de Arquitectura de Barcelona (UPC)

Básico

2008-09-12T22:59:00.000-05:00

Las críticas y reseñas sobre obras de arquitectura suelen centrarse en la forma exterior de los edificios.

Las críticas y reseñas sobre obras de arquitectura suelen centrarse en la forma exterior de los edificios.

Jue, 04/09/2008 - 06:03

Las críticas y reseñas sobre obras de arquitectura suelen centrarse en la forma exterior de los edificios, en menor número existen algunas que tratan sobre sus espacios, y es francamente raro encontrar textos que hablen de los detalles constructivos de los edificios. Esto se debe también a que en la arquitectura reciente se ha acentuado el predominio visual sobre las demás formas de percepción sensorial.

Los edificios son hechos para verse de fuera y sus espacios interiores son menos importantes tanto para el diseñador, como para el crítico. Una excepción a esto es una corriente en el diseño interior que se ha especializado en los llamados hoteles “boutique”. Desde hace al menos una década han proliferado ejemplos de pequeños hoteles con gran calidad en su propuesta de interiores y detalles. En México destaca sin duda el grupo Hábita, que ha inaugurado proyectos en las ciudades y en las playas sin repetir modelos, con un ánimo siempre experimental.

Hace cuatro años construyeron el hotel “Básico” en Playa del Carmen, con proyecto arquitectónico de la oficina Central de Arquitectura y el diseño interior y mobiliario de Héctor Galván. El resultado es un edificio que bien podría haber estado en la acapulqueña playa de Caleta en los años 50, sin embargo tiene detalles que lo hacen especialmente relevante para la arquitectura contemporánea. El concepto del hotel es que todos sus materiales son de hechura artesanal, buscando precisamente eliminar todo lo superfluo para quedarse sólo con lo básico. Donde considero que esta idea ha sido mejor lograda es en la terraza que se encuentra en la azotea del edificio. En esta terraza conviven actividades tan distintas como la lectura y el uso del internet por parte de los huéspedes, con la diversión y la música del bar que tiene actividad hasta después de la medianoche. La alberca fue resuelta mediante el reciclaje de dos tanques de acero de uso industrial, al haber elevado ambos por encima del nivel del suelo, los diseñadores crearon una inusitada experiencia del paisaje del mar y del cielo caribeño que será muy difícil de igualar.

Enfermos de urbanismo

2008-09-12T19:19:00.000-05:00

Á.G | BARCELONA
Jueves, 04-09-08
Se dice que Barcelona es una de las ciudades donde con más intensidad se discute sobre urbanismo y arquitectura. Desde la polémica por las plazas duras de principios de los ochenta a los debates sobre el mejor trazado del AVE de ahora mismo. A todo ello, el impacto del Carmel convirtió al ciudadano medio en experto ingeniero, capaz de, entre plato y plato y como si nada, ponderar sobre las bondades del método austriaco o las ventajas del micropilotaje. En definitiva, un interés y saludable espíritu crítico que arranca con las obras y transformación preolímpica y se alimenta en los últimos años con chapuzas diversas: Carmel, AVE...
En esta línea, un nuevo programa escolar impulsado a medias por las áreas de Urbanismo y Educación hará que este extraño virus del urbanismo y la arquitectura empiece a inocularse a los chavales ya en las aulas. El programa se llama «Obra Abierta» y pretende que a partir de cuatro casos prácticos -Glòries, frente litoral, estación de Sants y mercado del Born-, los alumnos de ESO las visiten, reflexionen, aporten nuevas soluciones y finalmente las diseñen.
Según la concejal de Educación, Montserrat Ballarín, el programa nace de la necesidad de «explicar a los jóvenes la importancia de las obras públicas», precisamente en un momento en el que hay cierta crisis de confianza con respecto a la ejecución de las mismas. En la misma línea, y según el concejal de Urbanismo, Ramón García Bragado, el programa pretende también «salir al paso de cierto desprestigio de la ingeniería».
Además de las visitas a las obras, los alumnos trabajarán con un cd editado expresamente para el programa, además de crear un sitio web donde colgarán sus proyectos. Se supone que estos jóvenes, ya enfermos de urbanismo, contribuirán a alimentar la fama de Barcelona como ciudad obsesionada consigo misma.

Los Teatros del Canal del cántabro Navarro Baldeweg se inauguran este mes

2008-09-12T19:15:00.001-05:00

El arquitecto y pintor es uno de los cincuenta creadores españoles selecionados en la Bienal de Venecia

M. LORENCI/REDACCIÓN

Los Teatros del Canal, nueva sede de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid, diseñados por el arquitecto y pintor santanderino Juan Navarro Baldeweg, se inaugurarán el próximo 23 de septiembre en una ceremonia durante la que Nacho Cano adelantará la música de su nuevo espectáculo 'A', dedicado al agua, el oxígeno y el medio ambiente. El artista cántabro es uno de los creadores españoles que participan en la Bienal de Arquitectura de Venecia, la cual muestra el trabajo de medio centenar de arquitectos con proyectos realizados o virtuales.

El polémico proyecto de Madrid combina dos salas de representación (la frontal y la configurable) y un centro coreográfico, todo ello con una superficie construida total de 35.520 metros cuadrados, sobre una parcela de 8.700 metros cuadrados. Las obras de los Teatros del Canal comenzaron en 2002 y se abren con cuatro años de retraso y un coste cerrado de 72 millones de euros.

La mayor de las salas es el teatro frontal, con un aforo de 900 butacas dispuestas en dos niveles, así como un foso para 80 profesores músicos. Respecto a la sala configurable, ésta permitirá aforos comprendidos entre los 400 y los 800 espectadores, en función de la disposición del graderío y del escenario. Ambas salas disponen de un foso escénico de 35 metros de altura para albergar toda la tramoya y maquinaria de las distintas representaciones y espectáculos que allí tengan lugar.

El conjunto arquitectónico lo completa el centro de danza, dotado de 11 salas con alturas comprendidas entre los 5,20 y los 9 metros. La inauguración, que estaba prevista para el 16 de septiembre, ha sido pospuesta sin fecha por coincidir con el Debate sobre el estado de la Región de Madrid.

Consagrados y noveles

Ángel Fernández Alba y Soledad del Pino son los comisarios y responsables de la selección de creadores españoles presente en la Bienal de Venecia que equilibra la presencia de consagrados y noveles.

¿Es arquitectura sólo lo que se construye o también lo que se dibuja o se diseña en un ordenador y se queda en proyecto? Este debate, tan antiguo casi como el milenario oficio de ordenar el espacio, es el leitmotiv de la presencia española en la Bienal, que alcanza su décima primera edición. La participación española en la ciudad de los canales la inaugura el próximo día 13 la ministra de Vivienda, Beatriz Corredor. El pabellón español acogerá hastanoviembre proyectos construidos y no construidos de medio centenar de arquitectos españoles de dos generaciones. Unos profesionales que han colocado a la arquitectura española actual en un primer plano internacional y que no dejan de acaparar un enorme reconocimiento y un respeto que se traduce en encargos en los cinco continentes.

Ángel Fernández Alba y Soledad del Pino (AFA Arquitectos), son los comisarios de la participación española y los responsables de la selección y diseño expositivo de un pabellón que tiene ya medio siglo y al que le ha colocado unas muy venecianas máscaras. Para dejar claras las intenciones de su propuesta, la selección de arquitectos y proyectos se ha hecho bajo el lema 'De lo construido al a arquitectura sin papel'y equilibra la presencia de consagrados y noveles.

Juicios poéticos

Para los comisarios del pabellón español «estas obras muestran distintas respuestas vanguardistas a la modernidad arquitectónica que aún no está agotada aunque cumpla ahora 100 años» «No se han elegido --añaden--nombres que pertenezcan al 'star system' sino obras de reciente construcción y de gran calidad; eso sí, firmadas por profesionales que poseen una amplia trayectoria». «Para la selección -argumentan- nos hemos apoyado, sobre todo, en juicios poéticos que acercan la arquitectura a los presupuestos del arte».

En el apartado 'Sin nombre, lugares'e incluye seis proyectos de reciente construcción, elaborados por arquitectos de reconocida trayectoria «que de forma callada, generaron sus obras cubriendo una demanda cada día más compleja», se ha,la el cántabro Juan Navarro Baldeweg, Premio Nacional de Artes Plásticas y autor entre otras muchas creaciones del nuevo Museo Altamira. Graduado por la Escuela Técnica Superior de la Universidad Politécnica, Navarro Baldeweg ha aportado una mirada novedosa a las prácticas constructivas, en las que la obra es entendida como objeto de activación del contexto físico existente. Ha simultaneado su carrera como arquitecto con el estudio y la práctica de la pintura, la escultura y trabajos que críticos de arte como Ángel González, Juan José Lahuerta o William Curtis han relacionado con las vinculaciones de las vanguardias artísticas del siglo XX con líneas de tradición arcaica.

El vértigo de la ciudad china

2008-09-01T11:39:00.001-05:00

El CCCB acogerá en noviembre una muestra sobre los cambios urbanos del país

OCTAVI MARTÍ - París - 30/08/2008

Antes que nada, unas cifras y una constatación. En 1954 sólo el 13,4% de la población china vivía en ciudades. En 2007 ya era más de un 45%. Hoy el país cuenta con 37 ciudades de más de un millón de habitantes. La ciudad de Suzhou -la Venecia china- acogió una conferencia de la UNESCO sobre protección del patrimonio. Diez años después sólo subsiste entre un 5% y un 7% de las construcciones de Suzhou. En 1980 Shenzhen era una tranquila población de 30.000 habitantes. Diez años después son ocho millones los que se agolpan en su término municipal. Shanghai es una aglomeración de 15 millones...

Una exposición que hasta el 19 de septiembre puede verse en La cité de l'architecture et du patrimoine (CAP) de París aborda el crecimiento urbanístico y la arquitectura de las nuevas ciudades chinas. Entre el 4 de noviembre y el 22 de febrero se instalará en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y, la parte referida a jóvenes arquitectos chinos, en la sede del Col·legi d'Arquitectes. "Pero será la misma exposición", dice Josep Ramoneda, director del CCCB, "sólo con unas pequeñas mejoras de museografía". En la elaboración del proyecto el CAP y el CCCB han trabajado en perfecta sintonía. "Nosotros nos hemos responsabilizado de la práctica totalidad de los audiovisuales. La idea rectora compartida era que se trataba de hacer más una exposición de sociedad que de arquitectura".

En París, la presencia de la embajada china y las suspicacias creadas entre los gobiernos de los dos países a raíz de la situación en el Tibet obligó a cambiar el título de la exposición y optar por Dans la ville chinoise. En Barcelona las presiones diplomáticas debieran ser menores. "La fascinación que despierta la China entre sectores del empresariado nos lleva a pensar que, en su día, no rechazaban la URSS por comunista sino por ineficaz en materia de explotación de los trabajadores", constata Ramoneda.

Más problemas para el puente veneciano de Calatrava

2008-09-01T11:35:00.000-05:00

AGENCIAS - Roma - 27/08/2008

La polémica no abandona al puente diseñado por el arquitecto español, Santiago Calatrava, sobre el Gran Canal de Venecia. El Ayuntamiento de la ciudad italiana ha decidido cancelar la ceremonia de inauguración, que estaba prevista para el próximo 18 de septiembre, con la presencia del presidente de Italia, Giorgio Napolitano.

La controversia que ha rodeado la construcción del puente, el primero que se levanta en Venecia en 125 años y el cuarto en cruzar el Gran Canal (con los de Rialto, Accademia y Scalzi), ha forzado la marcha atrás del Consistorio. El alcalde ha decidido abrir el puente a mediados de septiembre. Pero sin fastos. Los partidos derechistas en la oposición habían amenazado con protestar durante la inauguración por los altos costes del proyecto (se han disparado de los 4,7 millones de euros inicialmente presupuestados hasta casi 20 millones). También habían anunciado manifestaciones las asociaciones de minusválidos. Según éstas, el puente se iba a inaugurar sin completar la instalación de los ascensores que permitirán el acceso a las sillas de ruedas y carritos de bebé.

Ha sido precisamente la necesidad de improvisar en el último momento este mecanismo una de las causas del aumento del coste. "Era inevitable asumir esas demandas", ha declarado Mara Rumiz, concejala de Obras Públicas, al diario Il Corriere della Sera. "Si bien inaugurar el cuarto puente de Venecia en presencia del presidente Napolitano era la ocasión adecuada para afrontar la cuestión de las barreras arquitectónicas, los plazos no han podido ser respetados", añadía. El tipo de ascensor en cuestión es un prototipo que requiere la autorización del Ministerio de Transporte y, una vez instalado, precisa una inspección ulterior. "No era posible mantener el puente cerrado hasta entonces, puesto que la parte peatonal ya está lista", dijo Rumiz.

Los arquitectos del estadio del 'Nido' diseñarán la sede del BBVA

2008-09-01T11:34:00.002-05:00

C. D. - Madrid - 27/08/2008

El banco BBVA ha elegido al estudio de arquitectura suizo Herzog & De Meuron para que diseñen su nueva sede, que se levantará al norte de Madrid, en la zona de Las Tablas y albergará a 6.500 empleados. Este equipo, que ha conseguido el encargo en un concurso internacional de ideas organizado por la entidad, es el mismo que diseñó el estadio olímpico de Pekín conocido como El Nido o el museo CaixaForum de Madrid.

El edificio, que tendrá una superficie de 100.000 metros cuadrados, albergará el nuevo complejo del BBVA, que la entidad ha ideado con el fin de "racionalizar" su presencia en edificios de Madrid. Este plan incluye la venta de cuatro inmuebles que el banco tenía en la capital y la concentración de trabajadores en el nuevo emplazamiento. El BBVA calcula que se ahorrarán un 32% al año en gastos operativos con esta centralización.

"Todavía no hay un proyecto concreto, pero se va a comenzar a trabajar conjuntamente con el estudio para concretarlo", explicaron ayer fuentes del BBVA que precisaron que la inversión total del complejo ascenderá a 700 millones de euros, "que se sufragarán con la venta de los otros edificios".

El banco prevé que los primeros empleados lleguen al nuevo edificio en 2011, y el resto se vayan desplazando en distintas fases.

Para elegir al equipo suizo de diseño, que se ha impuesto a otros estudios como Zaha Hadid, Cesar Pelli-Ortiz & Leon, Estudio Lamela o Rafael de la Hoz, se tuvo en cuenta según el banco, "la eficiencia inmobiliaria, el desarrollo sostenible, la aplicación de últimas tendencias en tecnologías y construcción con bajo coste de mantenimiento".

La estrella de la película es el edificio

2008-09-01T11:32:00.000-05:00

La historia de 36 iconos arquitectónicos emitida por la cadena Arte llega al DVD

CLARA BLANCHAR - Barcelona - 27/08/2008

Ya no hay que comprarlas en el extranjero, hacer copias pirata o grabarlas a horas intempestivas en canales minoritarios. El sello Editrama ha lanzado en DVD la prestigiosa serie Arquitecturas, un espacio que la cadena francesa de televisión Arte comenzó a emitir en 1994. Son películas -así les gusta llamarlas a sus realizadores, Richard Copans y Stan Neuman- que cuentan la historia de edificios importantes convertidos ya en iconos. Desde la Bauhaus de Dessau y La Pedrera de Barcelona al Auditorium de Chicago o los Gimnasios Olímpicos de Yoyogi.

Las entregas relatan quién los pensó, en qué contexto histórico o cívico nacieron, qué significaron, qué aportaron de nuevo, cómo se construyeron, con qué materiales, cómo se usan, qué destino político o social han tenido... En definitiva, una privilegiada lección de arquitectura en cada episodio, concentrado en desmenuzar los edificios para volverlos a levantar a ojos del espectador, a veces con la ayuda de maquetas que lo convierten todo en un juego.

Los edificios que aparecen en Arquitecturas han tenido un papel definitivo en la historia de la disciplina y han sido excepcionales en su momento, explican Copans y Neuman. Ése es, al menos, el criterio oficial de la selección. Pero hay otro puramente sentimental: "El enamoramiento por los edificios, el placer de la arquitectura", remachan. En cada entrega se han agrupado cuatro edificios: uno contemporáneo, uno moderno, uno pionero -precisamente- de la modernidad y un cuarto ya histórico. Para cada obra, además, se han añadido comentarios de arquitectos entre los que figuran Federico Correa, Óscar Tusquets, Benedetta Tagliabue y Josep Maria Montaner.

No obstante, el protagonismo de los edificios es absoluto: lo importante es siempre la obra. Nadie es entrevistado para explicar la transformación urbana que supuso el Pompidou en París. Tampoco hacen declaraciones técnicos, directores de museos, visitantes, alcaldes, promotores o limpiadoras... Ni falta que hace: la imagen a contraluz de una vecina subiendo la persiana de su balcón, frente al Guggenheim de Bilbao, y saliendo a regar lo dice todo.

Editrama ha publicado ya tres entregas que se ampliarán hasta nueve, con un total de 36 edificios. Los DVD están en castellano, catalán, inglés y francés. El objetivo de Gonzalo Herralde, el editor, es que Arquitecturas entre en las librerías: "Que la producción audiovisual ocupe un lugar en las estanterías, subir el documental al nivel de un buen libro".

Calatrava, "disgustado" con Venecia por no inaugurar su puente

2008-09-01T11:30:00.000-05:00

El ayuntamiento de la ciudad véneta decidió no celebrar la apertura de puente para evitar las protestas

AGENCIAS - Venecia - 27/08/2008

El arquitecto español Santiago Calatrava está "muy disgustado" después de que se haya tomado la decisión de suspender la inauguración oficial del puente que proyectó para cruzar el Gran Canal de Venecia (noreste), explicó hoy el alcalde de esta ciudad, Massimo Cacciari. El Ayuntamiento de Venecia suspendió la ceremonia -prevista para el próximo 18 de septiembre y "en la que habría participado Giorgio Napolitano (presidente de la República), de quien (Calatrava) es amigo", según Cacciari-, después de que algunos sectores amenazaran con protestas durante el acto.

Los partidos derechistas de la oposición habían amenazado con iniciativas en el transcurso del evento para protestar por el elevado coste de la construcción del puente respecto del presupuesto inicial, que pasó de 4,7 millones a 20 millones de euros (de 6,8 a 29,3 millones de dólares). También anunciaron acciones de protesta las asociaciones de discapacitados físicos, que denuncian que el puente se abra al

público sin que se haya completado el mecanismo que permita cruzar el Canal a las personas que utilizan sillas de ruedas.

Aun así, el arquitecto español -creador de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia (España) o el Complejo Olímpico de Atenas- acudirá a Venecia el próximo 2 de septiembre para dar a conocer este proyecto a los medios de comunicación. Durante la comparecencia de hoy, Cacciari defendió el puente

de Calatrava y lo definió como "la obra de arquitectura contemporánea cualitativamente más importante que se ha realizado en Italia en el último decenio".

Asimismo, lamentó que las amenazas de protestas hayan obligado a suspender la inauguración, pues aseguró que el puente "se convertirá en nueva atracción para la ciudad y atraerá a más turistas". "Esto causará un daño a la ciudad", añadió Cacciari, que criticó que "algunos sectores hayan desaprovechado la oportunidad de una gran inauguración para hacer una buena promoción de Venecia".

La falta de un acceso para personas minusválidas ha sido uno de los grandes problemas con los que se ha encontrado en la fase de construcción la obra de Calatrava, por lo que se ha tenido que improvisar una especie de telecabina para cruzar el Canal en silla de ruedas. "Hubo un error de evaluación, pues se pensó que sería suficiente para los minusválidos el uso del 'vaporetto' que cruza el Canal exactamente en ese punto", indicó Cacciari, que aseguró que la construcción de la telecabina se concluirá en tres o cuatro meses.

Por otra parte, el alcalde propuso que la obra de Calatrava fuese bautizada con un nombre "antifascista" como "Puente de la Libertad" o "De la Constitución", debido a que coincide con el sexagésimo aniversario de la Carta Magna italiana.

De vuelta a los orígenes: construir con adobe

2008-09-01T11:29:00.000-05:00

Petra Jebens-Zirkel, arquitecta, es la pionera en utilizar el término bioconstrucción, al no encontrar otra manera de traducir el concepto alemán 'baubiologie' (biología de la construcción) al español

MARTA ALBIÑANA - Barcelona - 26/08/2008

Petra Jebens-Zirkel, arquitecta de 55 años y de origen alemán pero afincada en España desde 1987, lo tiene muy claro: la única arquitectura que puede calificarse de sostenible es la que se edifica sobre los fundamentos de la bioclimatización y la bioconstrucción.

Hartos de la vida urbana, ella (de Berlín) y su marido (de Frankfurt), decidieron trasladarse a España en busca de un mayor contacto con la naturaleza y un modo de vida radicalmente diferente. Se establecieron en las áridas y frías tierras de Huesca, donde construyeron su hogar a base piedra, abundante en la zona. "Por aquel entonces era casi imposible encontrar materiales naturales como la termoarcilla, la cal o el adobe", explica la arquitecta.

Estudió la arquitectura de los países de África y Sudamérica

Al especializarse en bioconstrucción, Petra estudió la arquitectura de los países de África y Sudamérica, donde sus habitantes siempre han edificado sus casas con los materiales locales naturales. "Coincidió con cuando en Alemania ya se empezaba a hablar de los edificios enfermos y se miraba hacia alternativas constructivas". Su teoría, basada en la "lógica" es revolucionaria: si Occidente es el objetivo de los países en vías de desarrollo, es fundamental que vean que aquí se construyen casas exactamente como las suyas. Así no minusvalorarán lo que tienen y dejarán de emular nuestras edificaciones, "se aceptarán a sí mismos", comenta Petra.

En 1994 montó su estudio de arquitectura y asesoría en bioconstrucción. Al principio, confiesa, la miraban como si fuera un bicho raro. Pero la concienciación actual de la sociedad española en cuanto al respeto al medio ambiente ha dado un gran paso adelante. "Ahora me escuchan un poco más y me invitan a dar conferencias por todo el país". Ella fue, de hecho, una pionera en utilizar el término bioconstrucción, al no encontrar otra manera de traducir el concepto alemán baubiologie (biología de la construcción) al español.

Edificación con adobe

Petra se ha especializado en la edificación con adobe. Éste es un ladrillo elaborado con una masa de arcilla, arena y agua, en ocasiones con fibras naturales, secado al sol y que no requiere cocción previa. Su producción es muy económica, y funciona muy bien en lugares de clima seco por sus cualidades de aislante térmico (y también acústico), pues refresca en verano y calienta en invierno. Ella utiliza, hace un año, el adobe prefabricado con fibras de cáñamo Cannabric, cuya fábrica, abierta en 2005, está en Andalucía. Las paredes, de 30 centímetros de espesor, cuentan con un revoque interior de barro y otro exterior de cal, pues el adobe solo es muy vulnerable a la humedad. También trabaja con tapial, que es similar al adobe pero que se fabrica con encofrados y da la sensación de ser una sola pieza. Además, requiere menos tiempo de preparación.

Después de esta explicación, ustedes se preguntarán ¿Y las cubiertas?. Pues bien, aquí Petra también tiene respuesta. Los techos de sus casas están hechos de vigas de madera con aislamientos naturales (paja, cáñamo y lana de oveja tratada con sal de bórax) de capas de 20 centímetros de espesor, así como de cubiertas ajardinadas. ¿Y en el interior? Suelos de baldosas de barro cocido, madera tratada con aceites naturales, sistemas de ahorro de agua como inodoros secos y depuración de aguas residuales mediante plantas palustres.

Venecia cancela la inauguración del puente de Calatrava debido a las protestas

2008-09-01T11:23:00.002-05:00

Las críticas que han rodeado a la construcción del puente mueven al consistorio a abrirlo sin ninguna ceremonia

EFE - Venecia - 26/08/2008

El ayuntamiento de Venecia ha decidido cancelar la ceremonia de inauguración del puente sobre el Gran Canal de Venecia proyectado por el arquitecto español Santiago Calatrava tras las numerosas polémicas que han rodeado su construcción, anunció hoy la concejala de obras públicas, Mara Rumiz. En un primer momento, las autoridades municipales habían previsto inaugurarlo el próximo 18 de septiembre con la presencia del presidente de la República, Giorgio Napolitano, que tenía previsto viajar a la Ciudad de los Canales para asistir a un acto conmemorativo por el 60 aniversario de la Constitución italiana.

Pero las polémicas que han rodeado la construcción y las acusaciones que se siguen vertiendo sobre la obra arquitectónica de Calatrava han forzado la marcha atrás del ayuntamiento, que abrirá el puente a mediados de septiembre sin ninguna ceremonia extraordinaria. Los partidos derechistas en la oposición habían amenazado con iniciativas durante la ceremonia de inauguración para protestar por el elevado coste del puente respecto al presupuesto inicial.

También anunciaron protestas las asociaciones de minusválidos físicos, que denuncian que el puente se va a inaugurar sin que se haya completado el mecanismo de acceso para las sillas de ruedas. La falta de un acceso para los minusválidos ha sido uno de los grandes problemas de la obra de Calatrava, por lo que se tuvo que improvisar una especie de ascensor para permitir cruzar el puente en silla de ruedas.

Evitar más protestas

La concejala de obras públicas de Venecia explicó que la decisión de anular la ceremonia de inauguración se ha tomado "para evitar más polémicas y posibles actos de protestas ante el presidente de la República". "Nadie está satisfecho de cómo ha concluido todo el asunto", dijo Rumiz, quien consideró no obstante que el puente "es bellísimo" y que "Venecia necesitaba una gran obra de arquitectura contemporána". "Nos hubiera gustado compartir con la ciudad este momento de fiesta, pero lo importante no es la inauguración sino que finalmente se cuente con un nuevo puente", añadió la concejala. Rumiz aseguró que los ciudadanos venecianos y los turistas sabrán apreciar la originalidad de la construcción y su utilidad, ya que une las dos más importantes "puertas" de entrada y salida de la ciudad: la estación ferroviaria de Santa Lucia y la plaza de Roma.

El primer puente nuevo en más de un siglo

El puente, el primero que se construye después de 125 años en esta ciudad, y que será el cuarto que cruzará el Gran Canal, junto a los de Rialto, Accademia y Scalzi, sigue dividiendo a los propios venecianos y al mundo del arte y la cultura. "Me gusta. Además es útil y la utilidad es belleza. No es la clásica obra que va más allá del necesario o del exhibicionismo", afirmó el presidente de la Bienal de Arte de Venecia, Paolo Baratta, en una entrevista publicada hoy por el diario Corriere della Sera. Para Vittorio Sgarbi, famoso crítico de arte italiano, el puente "no es necesario y por tanto es inútil, peligroso y dañino" para Venecia. Además, a su juicio, "resulta feo" en la silueta de la histórica Venecia. La construcción del puente de Calatrava ha estado rodeada de polémicas desde el inicio y está siendo investigada por la Fiscalía para aclarar los posibles peligros de un derrumbe de la obra.

Asimismo, la Autoridad de Vigilancia sobre las Obras Públicas, el Tribunal de Cuentas, y una comisión municipal extraordinaria, estudian el aumento del coste de la construcción que pasó de los 4,7 millones de euros previstos en el presupuesto inicial a los cerca de 20 millones que ha costado la construcción. El aumento del presupuesto se ha debido a la necesidad de tener que improvisar en el último momento un mecanismo para que las sillas de ruedas puedan acceder al puente. Además, cuando finalmente se termine, un equipo de técnicos tendrá que monitorizar las 24 horas del día y durante al menos cinco años los movimientos del puente ante posibles oscilaciones.

Claves del poeta de la luz, el espacio y la forma

2008-09-01T11:20:00.001-05:00

WILLIAM J. R. CURTIS 19/08/2008

1. Le Corbusier escapa a las definiciones históricas estrictas. Además de ser arquitecto y urbanista, era pintor, escultor, escritor y diseñador de muebles. Figura fundadora de la arquitectura moderna, acudía siempre al pasado y a la naturaleza en busca de inspiración. Obsesionado con la necesidad de que la arquitectura estuviera a tono con la "era de la máquina" y la "era del progreso", hacía referencias constantes a la antigüedad. Admirador de los trasatlánticos, los aviones y los coches, consideraba al Partenón la obra de arte suprema. Utópico, también anhelaba una edad de oro perdida en la que supuestamente la sociedad vivía en mayor armonía con el mundo natural. Le Corbusier fue "radical" en un doble sentido: un revolucionario que volvió a sus raíces.

2. Sus edificios son como mundos inventados, microcosmos, mitos construidos. Al entrar en ellos y caminar por su interior, nuestra experiencia de las cosas se transforma. La mayoría de los visitantes de la Chapel de Ronchamp (1952) salen profundamente conmovidos por los efectos de luz, espacio, textura y escala, y por el modo en que el edificio se relaciona con el paisaje circundante. Es difícil poner en palabras el efecto: el propio Le Corbusier hablaba de "un espace indicible", aludiendo quizá a una dimensión espiritual de la arquitectura. En su libro Vers une architecture (1923), el arquitecto establecía que el propósito de la construcción es hacer que las cosas se tengan en pie y el propósito de la arquitectura es el de conmovernos. Nunca fue un mero funcionalista: lo cierto es que, en realidad, era un poeta de la luz, el espacio y la forma. Su arquitectura nos toca en muchos aspectos.

3. A veces se dice que Picasso reinventó la pintura y la escultura. De hecho hizo algo más: reinventó el mundo y lo hizo encajar en su penetrante visión de las cosas. Las consecuencias plenas de su revolución visual y conceptual no están todavía plenamente agotadas y abarcan todos los campos de expresión. Algo similar puede decirse de Le Corbusier, que reinventó la disciplina de la arquitectura desde sus cimientos. Reveló nuevas dimensiones del espacio, creó todo un lenguaje arquitectónico, y dio existencia a toda una nueva gama de conceptos y formas. Las consecuencias de su obra distan de estar agotadas. De hecho, cada generación parece encontrar algo nuevo en Le Corbusier. Sus prototipos en todas las escalas, desde el edificio individual hasta el plan urbanístico, siguen ejerciendo una influencia en muchas partes del mundo.

4. Cuando Le Corbusier murió en 1965, dejó todo un universo creativo formado por edificios, cuadros, libros, planes urbanísticos, proyectos sin realizar y miles de dibujos y esbozos. Muchos de estos preciosos documentos se guardan en la Fondation Le Corbusier de París. Los primeros escritos sobre el arquitecto tendían a simplificar su función y su contribución para hacerlas encajar en las sagas y leyendas excesivamente simplificadas de la "modernidad". Ahora estas posturas carecen de importancia, y las investigaciones detalladas sobre él revelan un personaje de gran complejidad. Una de las claves de su obra son los dibujos. Para Le Corbusier el dibujo era una forma de ver y de pensar. Sus cuadernos de bocetos eran como laboratorios portátiles en los que probaba ideas y anotaba observaciones de todo tipo sobre fenómenos tan diversos como las formaciones de nubes, los barcos, las botellas y los desnudos. El suyo era un proceso creativo de metamorfosis por el cual les robaba a las cosas su categoría formal y, como un mago, las convertía en producto de su imaginación.

5. Le Corbusier dedicaba varias horas al día a pintar. Lo llamaba su "trabajo secreto". Se inspiró en muchos de los principales movimientos artísticos del siglo XX, desde el Cubismo hasta el Surrealismo y más allá, y definió un vocabulario rico en referencias mitológicas y connotaciones cósmicas. Sus cuadros tenían de hecho una calidad muy irregular, pero eran una de sus maneras de traducir la experiencia en arte. El paso de los cuadros a los edificios no era directo: no se limitaba a trazar sin más las líneas curvas cuando dibujaba un plano. Pero los descubrimientos que hizo como pintor sin duda enriquecieron sus posibilidades de expresión arquitectónica. Más que eso, Le Corbusier imaginaba lo que él denominaba la "síntesis de las artes": fusión de arquitectura, pintura, escultura y urbanismo como una síntesis cultural para la era del industrialismo.

6. Le Corbusier intentó entender las fuerzas y las contradicciones de la revolución industrial, en especial las transformaciones territoriales de la ciudad y del paisaje. Fue un profeta y también el "portador de las malas noticias" sobre el precio que habría que pagar por el progreso. Quizá por eso a veces se le culpaba de todos los males del siglo XX, desde las autopistas que atraviesan ciudades hasta la banalidad de los bloques de viviendas. Esta satanización de un individuo raya por supuesto en la caricatura. Le Corbusier esperaba canalizar lo inevitable para alcanzar una forma urbana más coherente en la que la máquina, la sociedad y la naturaleza encontrasen un armonía utópica. Sus detractores lo acusan de una simplificación grotesca y excesiva, pero lo cierto es que anticipó muchas de las fuerzas y tipos de construcción de la globalización. No deberíamos copiar sus planos, pero ciertamente podemos aprender de sus propuestas y ejemplos transformándolos de manera crítica. El extraordinario ejemplo de la Unité d'Habitation de Marsella (1951) encierra muchas lecciones para el futuro de la vivienda colectiva.

7. Le Corbusier fue un autor que escribió casi cincuenta libros y un inmenso número de artículos. Más que eso, fue un diseñador de libros que captó la importancia de la fotografía como medio para comunicar ideas. Los volúmenes de su obra completa son obras maestras de diseño bibliográfico en el que el texto, la fotografía y el dibujo se coordinan para ilustrar proyectos, pero también para demostrar puntos de doctrina y principios arquitectónicos. En efecto, estos libros constituyen un tratado arquitectónico lleno de ideas sólidas e imágenes inolvidables. Al emplear una técnica de fotomontaje, Le Corbusier conseguía definir un instrumento de comunicación que cruzaba fronteras y trascendía generaciones. No hay nada como experimentar sus edificios de primera mano, pero su arquitectura combina lo único y lo general, y gracias a sus libros se conocen algunas de sus ideas rectoras.

8. Le Corbusier siempre tuvo un concepto universal de la arquitectura, pero también se mostraba sensible a los diferentes climas, culturas y tradiciones. Podríamos considerar la década de 1920 como el periodo del movimiento vanguardista en el que Le Corbusier, Mies van der Rohe, Walter Gropius y los demás "maestros modernos", como se les denominaba, crearon algunas de las obras paradigmáticas de la nueva arquitectura, como la Villa Savoye de Le Corbusier en París (1929) o el Pabellón de Mies van der Rohe para la Exposición Internacional de Barcelona (1929). Algunos historiadores intentaron incluirlos en un llamado "estilo internacional", una idea equívoca porque la nueva arquitectura era algo más que una cuestión de estilo, no era uniforme, y estaba de hecho llena de resonancias del pasado. En la década de 1930, Le Corbusier se inspiró cada vez más en los campesinos autóctonos y en las formas naturales. Su obra está llena de polaridades entre el maquinismo y el primitivismo, y es precisamente esta ambigüedad la que permite a sus seguidores hacer tantas interpretaciones distintas. Reveló las visiones tecnocráticas para el futuro, pero también reveló nuevos modos de entender los diferentes pasados.

9. Su influencia puede encontrarse en muchos países dentro de muchos programas culturales y políticos opuestos en todo el mundo a lo largo del siglo XX. En el periodo de entreguerras, este proceso de difusión estaba ya en camino mediante proyectos construidos o diseñados para lugares tan alejados como Moscú, Argel y Río de Janeiro. Le Corbusier se consideraba uno de los "individuos históricos del mundo" a los que se refería Nietzsche, dotados de una misión mundial y de verdades supuestamente universales. De Brasil a Japón, de México a India, se siente la fuerza de sus prototipos. En el caso de India, por supuesto, planeó toda la ciudad de Chandigarh (1950-1965) y la dotó de grandes edificios monumentales, contribuyendo con ello a la fundación de un Estado poscolonial y a un movimiento moderno indio en arquitectura.

10. Cuando falleció en 1965, se produjo un eclipse contemporáneo. En la década de 1980, durante el periodo del posmodernismo, se le consideró la encarnación del diablo. Ahora el péndulo ha oscilado al otro extremo y el artista corre el peligro de que lo canonicen como figura inmaculada de la "modernidad oficial" anestesiada y carente de estética: un sujeto atractivo para la cultura de consumo de los museos. Pero con independencia de los juegos a los que se dedique el sector económico de la cultura, está claro que Le Corbusier el arquitecto sigue con nosotros. Hace unos años, Frank Gehry decía que nunca habría podido haber llegado a la complejidad espacial del Guggenheim de Bilbao sin el ejemplo de Ronchamp. Apenas hay arquitecto vivo que no haya sido tocado de algún modo por su ejemplo. Entretanto, surgen generaciones jóvenes que empiezan a mirarlo con nuevos ojos. Armados con nuevas preguntas, descubren dimensiones inauditas en esta figura desafiante y carismática. Como la misteriosa esfinge, Le Corbusier persigue al observador con sus acertijos y su presencia enigmática. Es probable que siga con nosotros mucho tiempo.

William J. R. Curtis es autor de numerosos libros, entre ellos La arquitectura moderna desde 1900 y Le Corbusier: Ideas and Forms. Su obra más reciente es Structures of Light, un libro sobre sus propias fotografías.

Entre el 'Cubo' y el 'Nido'

2008-09-01T11:08:00.000-05:00

REPORTAJE: PEKÍN 2008 - Juegos de la XXIX Olimpiada DETRÁS DE LA MURALLA
Pekín se ha llenado de edificios de diseño para demostrar su poderío económico

JOSE REINOSO - Pekín - 14/08/2008

Los atletas, técnicos deportivos, funcionarios y turistas que estos días han desembarcado en Pekín con ocasión de los Juegos se han encontrado una ciudad con algunos de los más modernos y atrevidos diseños arquitectónicos realizados en los últimos años en el mundo. Pekín logró la ansiada competición en 2001, y desde entonces ha vivido un frenesí constructor que ha sembrado esta urbe octocentenaria de edificios futuristas, símbolos del resurgir político y económico de China y de sus avances tecnológicos.

El primer contacto de muchos de los visitantes con este despliegue de diseño se ha producido al aterrizar en la terminal 3 del aeropuerto de la capital. Concebida por el británico Norman Foster, su perfil de dragón, sus ventanas en el techo en forma de escamas y sus dimensiones estratosféricas son un aperitivo de lo que les espera a los aficionados a la arquitectura en Pekín. Su coste: 2.400 millones de euros.

Tras media hora en taxi, si todo va bien, el neófito en la capital se enfrenta al más imponente -y megalómano- proyecto levantado en Pekín: la nueva sede de la Televisión Central China (CCTV, en sus siglas en inglés), un rascacielos en forma de tres L entrelazadas, de 230 metros de altura, ideado por el holandés Rem Koolhas y el alemán Ole Scheeren, del estudio Office for Metropolitan Architecture. El proyecto, en el corazón del distrito de negocios, no ha podido ser finalizado a tiempo.

Acuclillado a la sombra de una enorme valla publicitaria con el eslogan 'Alberga unos excelentes Juegos Olímpicos, construye un nuevo Pekín', Jin, de 34 años, eleva la mirada hacia la tortuosa torre, y afirma: "Me gusta". Dos guardias de seguridad vigilan la puerta de entrada a la obra que, como todas en Pekín, ha sido paralizada durante el acontecimiento deportivo. "Me gusta porque el poder de una persona viene de las piernas, y las dos L verticales parecen unas piernas, mientras que la parte superior es la cabeza. En aquellas plantas, trabajará mucha gente, son el cerebro", dice este joven, que trabaja de transportista.

A 20 minutos de la CCTV, cerca de la plaza Tiananmen, aparece el Centro Nacional de Artes Escénicas, una estructura elipsoidal de 212 metros de largo, de titanio y cristal, diseñada por el francés Paul Andreu, que ha costado 350 millones de euros. En su interior, alberga tres auditorios con una capacidad de 5.500 butacas. Fue inaugurado en diciembre pasado, tras 10 años de polémicas -por su estilo y coste-, retrasos y recortes presupuestarios. Problemas que, junto a las críticas locales por la elección de arquitectos extranjeros, han afectado también a otros proyectos.

El complejo cultural, que parece una gota de mercurio, es conocido popularmente como El Huevo, y se enmarca en el esfuerzo de las autoridades por dotar a Pekín de las infraestructuras e iconos que consideran que debe tener la capital de una de las principales potencias del siglo XXI.

Para deportistas y espectadores, los dos edificios más emblemáticos, sin embargo, son el Estadio Olímpico, conocido como el Nido, por su estructura de vigas entrecruzadas, y el Centro Acuático Nacional, llamado el Cubo de Agua, por su forma ortoédrica de burbujas de plástico. El primero, obra del estudio de arquitectura suizo Herzog & de Meuron, con el asesoramiento del artista chino Ai Weiwei, tiene una capacidad de 91.000 espectadores. El segundo, diseño del estudio australiano PTW y el grupo británico Arup, tiene un aforo de 17.000 personas.

A las puertas del Cubo de Agua, Hou Huizhao, un arquitecto de 25 años, se muestra entusiasmado por los Juegos, y por los cambios que ha experimentado Pekín. "El Centro Nacional de Artes Escénicas es como una perla, y el Nido de Pájaro parece una piedra gigante fabricada por un ser humano". Hou se muestra partidario de la colaboración entre chinos y extranjeros, como ha ocurrido en todos estos edificios emblemáticos, porque "ha permitido un desarrollo urbanístico de Pekín más rápido", aunque los especialistas de fuera supongan, según dice, "una fuerte competencia".

Bienvenido a la casa digital

2008-09-01T10:44:00.000-05:00

España lleva a la Bienal de Venecia una vivienda con todos sus objetos conectados a Internet

ELPAÍS.com - Barcelona - 04/08/2008

Hyperhabitat. Reprogramando el mundo es el nombre de la instalación, obra de un equipo liderado por el arquitecto valenciano Vicente Guallart, que representará a España en la Bienal de Venecia, y que integra los elementos típicos de un hogar, hechos en metacrilato, y conectados a Internet gracias a un microsevidor. Una paella, una lavadora, camisetas, sillas, una televisión, libros, un crucifijo o un simple frutero son algunas de las decenas de piezas que conforman esta propuesta que se verá en la cita veneciana (del 14 de septiembre al 23 de noviembre): una "casa prototipo", a escala 1:1, "hermana" de un edificio real de viviendas para jóvenes con espacios compartidos, que se está construyendo en Gandía (Valencia) en colaboración con el Ministerio de la Vivienda.

Los visitantes que pasen por la sala Arsenale de Venecia, donde se instalará Hyperhábitat, podrán "manipular" los objetos por medio de un ordenador -también se podrá hacer desde Internet-, vincularlos con otros de su propiedad, y realizar aportaciones acerca de cada uno de ellos como, por ejemplo, la posible creación de una gran biblioteca con los libros que los usuarios tengan en su casa.

Un microordenador recogerá todas las propuestas en un registro

Guallart ha explicado en la presentación del proyecto a los medios de comunicación que la instalación tendrá una superficie de 21 por 16 metros cuadrados, que reproducirá seis viviendas para jóvenes, con sus zonas comunes -similar a la proyectada en Gandía- y contará con una gran pantalla en la que se podrán seguir los "vínculos" generados entre los objetos de la casa y los de otros lugares. El mobiliario, el menaje y el resto del contenido de Hyperhábitat -elaborado con piezas de metacrilato transparente encajadas- disponen de un microordenador que permite su "movimiento" gracias a un slider (dispositivo de control) y que recogerá todas las propuestas de los participantes en un registro que, una vez acabado el proyecto, se analizará.

"Se trata de crear una conexión entre los objetos, romper la estructura del mundo industrial", ha asegurado Guallart, quien ha defendido la utilidad de este proyecto basado "en el Internet de la cosas" y que defiende además un modelo filosófico de autogeneración de recursos y de conexión de los ya existentes. "Es un hábitat informacional que pretende explicar cómo reprogramar el mundo desde una arquitectura más inteligente", añade este arquitecto valenciano, que confía en que esta tecnología, que tiene como eje la tercera generación de Internet (Internet Zero), sea aplicable en breve "porque cada vez la utopía está más cerca de la realidad", ha afirmado.

Un pequeño ecosistema

Para sus promotores, la casa es un pequeño ecosistema en el que cada uno de sus objetos tiene un reflejo directo, aunque a una escala superior, en otra parte del mundo: así, la nevera es como una diminuta Mercabarna, o el inodoro o un grifo tendría su reflejo en una gran red depuradoras, que permiten su funcionamiento real. Este proyecto ha sido desarrollado en el barrio del Poblenou de Barcelona por un equipo multidisciplinar formado por Guallart Architects, el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña, The Center for Bits ands Atoms del MIT, así como por miembros de Bestiario, especialistas en este tema.

Guallart: "Se trata de crear un plan urbanístico para cambiar la estructura socioeconómica del mundo"

La idea surgió cuando el estudio se planteó cómo utilizar la arquitectura para relacionarse con las cosas, generando espacios inteligentes coordinados por ordenadores. Se trata de "reprogramar" los edificios y las ciudades para ahorrar energía y para que sean autosuficientes y "más sociales", explica Guallart a ELPAÍS.com... Como si una casa fuera un cerebro formado por neuronas, que serían los objetos domésticos. Este proyecto, pues, quiere materializar el cambio socioeconómico que atraviesa el mundo, en el que se pasa de una economía financiera a una productiva basada en quitar precio a los objetos para darles valor. "La forma de visualizar esta idea es construir hábitats autosuficientes, aplicando la inteligencia artificial a la arquitectura", explica Guallart. El arquitecto valenciano no se detiene en el edificio en sí: se trata de "crear un plan urbanístico para cambiar la estructura socioeconómica del mundo".

Hyperhábitat de Guallart es la única obra española de la exposición Out there, Architecture beyond building, comisariada por el crítico norteamericano Aaron Betsky, en la que participan 25 equipos de arquitectos internacionales con diferentes. Guallart es el único arquitecto español seleccionado para participar en el principal pabellón de la Bienal, y lo hará junto a arquitectos como Zaha Hadid, Massimiliano Fuksas y Ben Van Berkel. La XI Bienal de Venecia se celebra del 14 de septiembre al 23 de noviembre en la ciudad italiana.

"Los fuegos artificiales han llegado a su fin"

2008-09-01T10:35:00.002-05:00

ENTREVISTA: ARQUITECTURA - Entrevista Vicente Guallart
ÁNGELES GARCÍA 02/08/2008

El arquitecto valenciano participa por tercera vez en la Bienal de Venecia

La bienal de Arquitectura de Venecia es el gran escaparate mundial en el que sólo participan los profesionales más innovadores. Vicente Guallart (Valencia, 1963) asiste este año por tercera vez a esta cita mundial. Es el único español que presenta proyecto y manifiesto en el pabellón del Arsenale junto a nombres tan prestigiosos como Coop Himmelb, Diller Scofidio Renfro, Zaha Hadid, Massimiliano Fuksas, MVRDV o Ben van Berkel. El equipo de Guallart viaja con una revolucionaria propuesta de vivienda universitaria, Hyperhabitat: reprogramming the world, en la que hace que el mundo físico funcione a través del mundo digital. El arquitecto, siempre polémico, acompaña su instalación con un jugoso manifiesto titulado ¿Puede el planeta soportar otro siglo XX? La presencia española se completa con tres jóvenes estudios españoles (Ecosistema Urbano, Cloud 9 y Recetas Urbanas) y uno hispanocolombiano (Husos) en la sección Experimental Architecture. El Pabellón de España está comisariado por Soledad del Pino Iglesias y Ángel Fernández Alba.

PREGUNTA. Es la tercera vez que participa en la Bienal de Venecia, algo que consiguen muy pocos. ¿A qué cree que se debe el interés de este certamen por su obra?

RESPUESTA. No lo sé. Me llamó el comisario, Aaron Betsky, y me explicó que el tema de esta edición era La arquitectura, más allá de la construcción. Me pidió que creara una instalación para el Arsenale. La idea de arranque fue mostrar cómo la arquitectura se relaciona con el mundo y cómo éste se puede reprogramar. En el estudio, trabajamos con cinco o seis iniciativas que hemos desarrollado en los últimos años. Partimos de que la arquitectura es la interface a través de la que nos relacionamos con el mundo. Creo que ahora atravesamos una situación en la cual hay que repensar, a través de la arquitectura, cómo nos asentamos con el medio, con la globalización, con las personas, etcétera. Todo esto, en Venecia lo vamos a manifestar construyendo una planta de un edificio de viviendas compartidas. Las viviendas serán construidas con metacrilato. Cada vivienda tendrá un objeto al que llamamos Ordenador cero que nos permitirá visualizar cómo cada vez que interactuamos con un objeto lo hacemos con una organización jerárquica superior. Por ejemplo, si encendemos una bombilla, nos conectamos con una central nuclear; si cogemos un libro, con la Biblioteca de París. La arquitectura y la ciudad están organizadas de una manera jerárquica a base de redes de cosas y hay que ver cómo la información se hibrida con el mundo. Y con la idea clara de que hay que generar estructuras autosuficientes.

P. Suena muy utópico.

R. Nada utópico. La distancia entre utopía y realidad es muy pequeña. Recordemos que hace diez años era inimaginable que buscaras una palabra en el ordenador y que inmediatamente tuvieras a tu disposición toda la información.

P. ¿Cómo va a repercutir en este tipo de proyectos y en las grandes estrellas de la arquitectura la crisis económica general y de la construcción en particular?

R. Los fuegos artificiales que hemos visto todos estos años han llegado a su fin. Soy de los que defienden las propuestas sintéticas y detestan las icónicas. A lo largo de la historia, todo periodo se ha caracterizado por sus palacios y catedrales. En cambio, la nuestra se recordará por sus alardes de formalismo totalmente vacíos.

P. La propuesta que lleva a Venecia es una residencia universitaria.

R. Es una residencia de uso unipersonal de un barrio prototipo. Cada una de las seis viviendas tiene 36 metros cuadrados, más otros 72 metros cuadrados de zonas de servicios (lavandería, zonas de música o vídeo...), un 30% de la construcción.

P. Recuerdan a los famosos minipisos.

R. Los minipisos de 2004 no se entendieron porque no se explicaron bien y por eso fracasaron. Se dio a entender que eran para familias y por eso se rechazaron.

P. ¿Cree que es una propuesta recuperable?

R. Totalmente. Se necesita un plan estatal de viviendas universitarias donde encajaría ese concepto. En el ámbito regional, se está haciendo en Gandía. Cada apartamento tiene 42 metros cuadrados. El plan Sociópolis que hicimos para Valencia es un proyecto para 10.000 habitantes.

P. Es un plan en el que plasma sus planteamientos más ecologistas.

R. Recuperamos la convivencia de la ciudad y la huerta. Las acequias y los huertos están en el centro de la urbanización. Sus habitantes están rodeados del sonido del agua. Se podrá volver a disfrutar de los cultivos tradicionales. En Motril están construyendo un ecobarrio tropical totalmente pionero.

P. No parece que el Ministerio de Vivienda tenga gran interés en este tipo de proyectos.

R. No veo ningún interés. El I+D es inexistente. Cero en turismo y construcción. La próxima generación tiene que contar con barrios autosuficientes que generen el 100% de la energía que consuman. Ahora mismo no se puede hacer porque los suministros están bloqueados por estructuras económicas del pasado.

P. ¿Cuál sería el papel de los arquitectos?

R. No el que tienen ahora, porque la mayor parte se han dejado arrastrar por la moda y no por el conocimiento. Son los que yo llamo La internacional de la forma, pero que no son más que unos listos disfrazados de innovadores. A partir de 2000, los arquitectos se convirtieron exclusivamente en iconos mediáticos y las instituciones empezaron a competir en gasto y relumbrón con los nombres más conocidos.

P. ¿Comparte la idea de que muchos edificios están construidos para epatar, al margen de cuál sea su uso público?

R. Totalmente. Están hechos de espaldas a su uso y al entorno. No hay más que ver esas construcciones geométricas insertadas en las montañas. ¿Qué formas de la naturaleza tienen forma de cubos?

P. ¿Ponemos ejemplos de algunos edificios que le resulte difícil soportar?

R. Los hay por todas partes.

P. En Barcelona, donde trabaja, parece que ya no hay posibilidad de intervención.

R. Eso lo dicen quienes decidieron cerrar el área metropolitana de Barcelona. Se dice que si se toca algo, se pierde. Lo mismo había que replantearse muchas cosas y resultaba beneficiada la ciudad.

P. No ha construido nada en Madrid.

R. Lo mismo es porque soy valenciano con estudio en Barcelona

... Es broma. Pero la verdad es que nadie me ha llamado.

La Bienal de Arquitectura de Venecia se celebra entre los días 14 de septiembre y 23 de noviembre.

"México 68", entre la arquitectura y el movimiento estudiantil.* Se acerca artista austriaca a procesos constructivos mexicanos.

2008-09-01T10:19:00.001-05:00

México, 31 Ago (Notimex).- La Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) recibirá del 10 de septiembre al 2 de noviembre la exposición "México 68", de la artista austriaca Heidrun Holzfeind (1972), quien combina su interés por la arquitectura modernista con imágenes del movimiento estudiantil del 68.
La exposición es resultado de una serie de trabajos realizados por la artista austriaca a partir de su estadía en la Ciudad de México en el 2005.
Holzfeind presenta una revisión de la arquitectura moderna en México a través de una instalación con proyecciones dobles de diapositivas, titulada "C.U." (Ciudad de México, agosto 2006), integrada por 120 imágenes que realizó en Ciudad Universitaria.
CU fue construida entre 1950 y 1952 por los arquitectos Mario Pani y Enrique del Moral, bajo la dirección de Carlos Lazo, y a partir del 2007 fue catalogada como Patrimonio Arquitectónico de la Humanidad por la UNESCO.
Las imágenes de los diferentes detalles arquitectónicos muestran una visión íntima y melancólica del conjunto de construcciones que combinan principios modernos en el uso de los materiales con referencias a la arquitectura tradicional mexicana.
La muestra, que coincide con el 40 aniversario de ese movimiento estudiantil, incluye una selección de los videos con entrevistas que realizó a personajes como Rodolfo Echeverría, Carmen Soler, Renata von Hanffstengel, Marcelino Pereyó y otros 15 protagonistas más, acompañados por material fotográfico de archivo de la época.
Heidrun Holzfeind estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena y la Cooper Union de Nueva York. Recientemente ha expuesto en "Manifesta 7", en Trentino, Italia; en el MoMA de Nueva York; el OK Centrum de Linz, Austria; el Architecture Museum de Basilea y el Videoart Center de Tokio.
También ha presentado sus trabajos en los festivales: Transmediale de Berlín, Impakt en Utrecht, Holanda, y el European Media Arts Festival, en Osnabruck, Alemania.
Holzfeind trabaja actualmente en un documental sobre la vivienda de la época comunista en Varsovia y su próxima exposición la exhibirá en el 2009 en la capital de Egipto, en el Museo Photo Cairo 4.
La Sala de Arte Pública Siqueiros se localiza en la calle Tres Picos No. 29, Colonia Polanco, En la Ciudad de México

Sobrevive el diseño y la arquitectura de Eero Saarinen.* Se cumplen 47 años de la muerte del arquitecto de origen finlandés.

2008-09-01T10:11:00.002-05:00

México, 31 Ago (Notimex).- Autor del centro "General Motors", el arquitecto finlandés naturalizado estadounidense Eero Saarinen, quien es reconocido como uno de los arquitectos más destacados de mediados del siglo XX por el eclecticismo de su obra, murió el 1 de septiembre de 1961.
Nacido el 20 de agosto de 1910, en Kikkonummi, Finlandia, Saarinen inició sus estudios de escultura en la Academia de la Grand Chaumiére de París, Francia, pero en 1923 emigró a Estados Unidos, donde se recibió como arquitecto por la Universidad de Yale.
Naturalizado estadounidense, el diseñador recibió una beca para viajar nuevamente a Europa, lugar en el que permaneció dos años. A su regreso fue profesor de arquitectura en la Academia de Arte Cranbrook.
En 1937 comenzó a diseñar muebles, en colaboración con su socio Charles Eames, que fueron objeto de premios de parte del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Posteriormente diseñó también muebles para la compañía Knoll, que se convirtieron en clásicos.
Proyectó el multipremiado monumento "Jefferson National Expansion Memorial" (1964), formado por un arco en acero inoxidable de casi 200 metros de altura.
Como arquitecto trabajó en el estudio de su padre hasta la muerte de éste. Sus proyectos más importantes los realizó a partir de la Segunda Guerra Mundial.
Su mayor encargo fue el centro "General Motors" (1948-1957), en Warren, Michigan (Estados Unidos), un recinto con cinco pabellones en los que el diseñador incluyó ladrillos tejidos en varios colores y escaleras de fantasía.
Famoso por sus diseños de líneas curvadas, la labor arquitectónica de Saarinen comenzó a partir de estructuras rectilíneas en acero y cristal del "International Style".
Pronto evolucionó hacia formas más libres de construcción iniciadas por Pier Luigi Nervi, Le Corbusier y otros arquitectos de principios del siglo XX.
En la década de los 50 realizó diversas estructuras cubiertas con cúpulas muy espectaculares, como el auditorio "Kresge", en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (1955) y el "Ingalls Hockey Rink" (1959).
Su máxima brillantez creativa la alcanzó con la terminal de la compañía aérea TWA, en el aeropuerto internacional Kennedy, de Nueva York, terminada en 1962.
En sus planos para el Aeropuerto Internacional de Dulles, acabado en 1963, introdujo el nuevo concepto de sala de embarque, que cubrió con un tejado de losas de hormigón suspendidas por una serie de cables.
De acuerdo con sus biógrafos, Eero Saarinen prefería construir edificios institucionales, pues su único rascacielos, el de la CBS, concluido en 1965, fue el primero en Nueva York realizado en hormigón armado.
El destacado diseñador, quien de manera póstuma recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, murió el 1 de septiembre de 1961 en Ann Arbor, Michigan.

Norten: “La arquitectura no es un proceso divino”

2008-09-01T00:00:00.000-05:00

Obtuvo el Premio Mundial de las Artes “Leonardo Da Vinci” en el 2005

“Les debo la Torre Fundadores”, dijo en relación con modificaciones hechas.

31-Agosto-08

Hacer arquitectura no viene de un chispazo mágico, tampoco es producto de una inspiración momentánea, ni mucho menos viene de la ayuda divina. Hacer arquitectura, como lo demostró el arquitecto Enrique Norten, es un complicado proceso que involucra la creatividad, la ética y, en el caso del ponente, hacer “más de cien maquetas del mismo proyecto”.

De esta manera, Norten reveló un poco lo complejo que resulta desarrollar un complejo arquitectónico en una charla que ofreció en el auditorio del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Marco.

Una buena asistencia se registró en el museo, aún y con la fuerte lluvia que caía en la ciudad. “Les agradezco que hayan venido, aun con la lluvia y este tráfico”, expuso Norten al comenzar.

Durante poco más de una hora, el reconocido arquitecto explicó parte del proceso creativo de algunos de sus proyectos que sí han podido concretarse, como el rescate y adecuación al Museo del Chopo, en el Distrito Federal; un edificio multifamiliar que se desarrolla en Nueva York, la nueva sede de los Poderes Estatales en la bahía de Acapulco y la próxima sede del Museo Guggenheim, en Guadalajara.

“Ahí les debo la Torre Fundadores, es que se han hecho algunos cambios y no me siento con la seguridad de presentarlos”, expresó el arquitecto al público, haciendo referencia a la torre que planea construir en la zona de Valle Oriente.

Conforme avanzaba la plática, Norten hacía referencia constantemente a todas las variables que se tienen que revisa antes de visualizar el proyecto de construcción. Planos, dibujos, diseños, fotomontajes, maquetas, éstas se ven por cientos antes de señalar cuál será el proyecto definitivo.

“El diseño y la arquitectura demanda disciplina… mucha gente cree que la arquitectura viene de un proceso divino, de estar sentado y que de repente se nos venga la idea. Pero es todo lo contrario”, refirió el arquitecto.

Catálogos del INBA e INAH, “mal hechos”
Para promover el cuidado de edificaciones con un valor histórico o estético, el arquitecto Enrique Norten señaló que “cada caso hay que estudiarse” pues “no todo lo que es viejo requiere conservarse”.

Las antiguas casonas, edificios o palacios anteriores al siglo XX se encuentran clasificados en el Catálogo Nacional de Monumentos del INAH, mientras que las esculturas e inmuebles posteriores al siglo XX son protegidos por el INBA.

“Sí también (hay que revisar los catálogos por parte de los arquitectos), pero además hay que entender que hay fuerzas de mercado, que hay visiones de ciudad, que muchas veces ciertas condiciones impedirían ciertos niveles de desarrollo, es difícil y peligroso esto… además están mal hechos (los catálogos) y muchas veces desde escritorios lejanos”, respondió el arquitecto.

Sobre el proyecto de la Torre de Fundadores, Norten comentó que el diseño original sufrió algunos cambios, pues ahora ya no será una sola torre, sino un complejo de edificios paralelos, lo que disminuiría un poco su altitud original. El proyecto está fechado para que inicie en enero del 2009 y culmine a mediados del 2010.

Monterrey/Gustavo Mendoza Lemus

«Niemeyer sueña con el proyecto en pie, con la plaza llena de actividad»

2008-08-31T23:59:00.000-05:00

«Mi bisabuelo, con 101 años, nos dice siempre que se siente como un hombre de 60, trabaja todos los días»

CARLOS RICARDO NIEMEYER Bisnieto de Oscar Niemeyer, recibió en su nombre la medalla de oro de Avilés

Saúl FERNÁNDEZ
Bisnieto de Oscar Niemeyer, recibió en su nombre la medalla de oro de Avilés

Carlos Ricardo Niemeyer recibió el jueves de manos de la alcaldesa de Avilés la medalla de oro que la ciudad concedió a su bisabuelo centenario, Oscar Niemeyer, el creador de Brasilia, uno de los mitos del siglo XX. La conversación se desarrolla tras la conclusión de la ceremonia, huyendo del ambiente más que caldeado vivido en un salón de recepciones del Ayuntamiento de Avilés.

-¿Calor ?

-Mucho, hablemos en la calle.

-Vamos al grano: Niemeyer va a cambiar el futuro de esta ciudad.

-Y no la conoce. La concepción arquitectónica de Niemeyer tiene más que ver con las personas, con la amistad que con la propia arquitectura, pero en este caso se da la circunstancia de que el proyecto avilesino le gusta mucho.

-¿Y eso?

-Por lo que decía, porque no sólo será un edificio más... Será un escenario para la música, para la cultura... valores que mi bisabuelo considera fundamentales.

-Su bisabuelo es todo un personaje en Avilés, ya lo comentaba la Alcaldesa.

-No sabría decirle qué piensa al respecto. Le comentaba el hecho de que Niemeyer tiene un cariño especial por el proyecto avilesino. Le gusta hacer arquitectura que se revela por la belleza y conseguir que no sólo se quede en eso. Y eso sucede con este proyecto.

-El primero de Niemeyer en España.

-Son conocidos los suyos en Francia, en Italia y, es cierto, en España no había ninguno. Este hecho y que sea una de sus últimas creaciones, de las más nuevas, explica el cariño que ha puesto en el desarrollo de la obra. Mi bisabuelo, a sus 101 años, sueña con ver el proyecto en pie, con la plaza llena de actividad, con las personas aprovechando su creación. Es muy curioso y habla con frecuencia con los representantes de la Fundación Centro Niemeyer, que le ponen al día de lo que está sucediendo.

-Entre otras cosas, que la ciudad aprovecha su obra para vivir de nuevo.

-No puedo hablar por él, pero es evidente que muchos de sus proyectos se han terminado convirtiendo en símbolos de la propia ciudad que los acoge. Pasó con Brasilia, evidentemente, pero también con Minas Gerais, con Niteroi... Y todo esto, no podría de ser de otra manera, supone para él todo un motivo de orgullo, aunque acostumbra a minimizar todo este impacto.

-¿Se quita importancia?

-No se trata de eso. Lo que busca Niemeyer es que la ciudad aproveche su obra. Más importante que el propio edificio es que sus ideas lleguen a los ciudadanos.

-Comunista siempre.

-Trabaja para conseguir un mundo más justo.

-Natalio Grueso definió el centro cultural como una fábrica de momentos felices.

-Me parece una definición perfecta. Voy a llevar esta frase a Niemeyer cuando regrese a Brasil y estoy convencido de que se sentirá orgulloso. El proyecto en el que trabajamos no podría tener una definición más adecuada que ésta. Si el proyecto consigue estar a la altura de las expectativas levantadas, Oscar Niemeyer se sentirá, desde luego, más que recompensado. -Por cierto, no le he preguntado por la salud de su bisabuelo.

-Está muy bien. Él siempre nos dice que se siente como un hombre de 60 años... Bueno, en serio, tiene una salud perfecta, trabaja todos los días, no para. Tiene una motivación increíble para una persona de su edad.

Châlons-en-champagne - Une architecture pétillante !

2008-08-31T23:57:00.000-05:00

Bruno Monier-Vinard

Une halle sertie dans un écrin opalescent et pétillant aux couleurs du champagne : tel est le concept du futur Parc des expositions de Châlons-en-Champagne. Signé par le cabinet d'architectes Chabanne & Partenaires, déjà auteur de la bibliothèque de Reims, ce bâtiment de 20 000 mètres carrés largement modulable accueillera des congrès et spectacles, ainsi que les 200 000 visiteurs de la deuxième foire de matériel agricole de France. L'enveloppe extérieure se distingue par son jeu de lumières. Devant la façade en métal doré à effet martelé, un écran translucide incrusté de leds-ces fameuses diodes luminescentes peu gourmandes en électricité-se reflète, comme des bulles de champagne, sur un parvis parsemé d'éclats de verre. Ouverture prévue : été 2012.

Grands projets - L'architecture en folie !

2008-08-31T23:55:00.000-05:00

Plus haut, plus beau, plus cher... l'architecture est entrée dans le temps des records. Au sommet de leur art, les plus fameux «starschitectes » de la planète inventent de nouvelles forêts de gratte-ciels.

Bruno Monier-Vinard

Clients milliardaires ou chefs d'Etat, tous rêvent de l'édifice qui marquera les foules. Une aubaine pour les stars de l'architecture qui jonglent avec de nouveaux matériaux pour faire sortir de terre les constructions les plus hardies. Ainsi, la manne pétrolière d'Abou Dhabi lui permet de s'offrir les plus grandes signatures (Zaha Hadid, Jean Nouvel, Frank Gehry, Tadao Ando, sir Norman Foster) pour le pôle culturel de Saadiyat, l'« île du bonheur », qui sera bâtie à 500 mètres de la côte de la capitale des Emirats arabes unis. De Dubai à Pékin, voici quelques projets qui vont changer le visage de la planète.

Shanghai (Chine)

La cascade de verre. En 2010, un surprenant hôtel cinq étoiles ouvrira ses portes dans la banlieue de Shanghai. Lové dans une ancienne carrière de 90 mètres de profondeur, le Songjiang Hotel (ci-contre) , imaginé par le cabinet britannique d'architectes Atkins, se distinguera par sa cascade de verre transparent conçue comme une réplique des chutes du Niagara. En prime, le palace sera écolo puisque ses 370 chambres avec balcons plantés et terrasses végétalisées seront toutes chauffées par géothermie.

Le Chien jaune. Sagement assis au pied de la célèbre tour de la télévision de Shanghai, ce Chien jaune de 80 mètres de hauteur (page de droite) est le très singulier projet que souhaite réaliser le Français François Scali pour l'Exposition universelle de 2010. Recouvert d'une double peau en plastique jaune translucide, cet immeuble de huit niveaux reliés par des escalators déclinera alors la version géante du bull-terrier Bob, créé par l'artiste Aurèle. « Cet animal qui symbolise l'abandon et l'errance urbaine est destiné à accueillir un éphémère musée de la ville perdue et des cités englouties », s'enthousiasme l'architecte.

Dubai (Emirats Arabes Unis)

Le pont de tous les records. Après Burj Dubai, la plus haute tour du monde, la ville de l'émirat s'offrira en 2012 un nouveau record : celui de la plus longue arche de pont de la planète (667 mètres) avec douze voies de circulation, une ligne de métro... Le Sixth Crossing, conçu par l'agence new-yorkaise Fxfowle, serpentera alors au-dessus des eaux de la Dubai Creek, assurant le passage entre les rives de 20 000 voitures et 23 000 voyageurs par heure. Onde sonore, dunes du désert ou croissant de lune... ses courbes mèneront jusqu'à celles du futur Opéra imaginé par Zaha Hadid, assorti d'un hôtel et d'une école de musique.

Les tours qui dansent. 357 mètres de hauteur et 65 étages chacune... En 2012, les Signature Towers (page 49) , les trois tours dansantes dessinées, là encore, par Zaha Hadid, se déhancheront face à la mer dans le quartier de Business Bay, à Dubai. Première femme lauréate du prestigieux prix Pritzker, l'architecte anglo-irakienne a conçu ce trio d'immeubles intimement entrelacé comme « un ensemble qui s'effleure et se rejoint à plusieurs reprises dans une chorégraphie fluide qui unit les volumes dans un même mouvement » . Reliés par deux ponts, les buildings abriteront bureaux, hôtel et appartements.

Le gratte-ciel MP3. Tout droit inspirée du design d'un lecteur de musique MP3, la Shuffle Tower (page 48) surplombera de ses 129 mètres de hauteur la côte de Dubai, en 2009. Habillé de façades en béton blanc et de vitrages aux reflets bleutés, l'édifice imaginé par l'architecte asiatique James Law joue la ressemblance jusqu'au bout puisqu'il prendra dans sa partie centrale des allures de circuit informatique. Des appartements occuperont les étages supérieurs de l'immeuble, qui hébergera aussi des bureaux et un centre commercial ouvert à sa base.

La tour toupie. Le premier gratte-ciel mobile au monde verra-t-il le jour à Dubai en 2010 ? Le concept révolutionnaire de Dynamic Tower (ci-contre) imaginée par l'Italien David Fisher donne le tournis ! Un bâtiment torsadé de 420 mètres de hauteur dont les 80 étages indépendants entièrement préfabriqués s'articuleront autour d'un axe central en béton armé. « Chaque appartement pourra pivoter sur simple ordre vocal de son occupant. L'autonomie énergétique de cet immeuble qui n'aura jamais le même profil sera assurée par des éoliennes horizontales implantées entre chaque étage » , promet l'architecte. Affaire à suivre.

La torche géante. En 2009, l'étonnante silhouette de l'Infinity Tower (page de gauche) surplombera à 330 mètres de hauteur les eaux de la marina de Dubai. Le building a été dessiné par le cabinet d'architectes américain Skidmore, Owings & Merrill (SOM), à qui l'on doit aussi la conception du plus haut gratte-ciel du monde, le Burj Dubai, dont la hauteur finale est gardée jalousement secrète afin de ne pas se faire coiffer au poteau par d'éventuels concurrents. L'Infinity Tower abritera des logements résidentiels avec piscines et cours de tennis. Comme vissée dans le sol, la structure atypique de cet immeuble de 80 étages présente de larges similitudes avec celle du Turning Torso de Malmö, la plus haute tour de Suède.

Mississauga (Canada)

« Marilyn Monroe ». En 2009, une tour d'habitation de 50 étages s'élancera en vrille à l'assaut du ciel de Mississauga, ville canadienne voisine de Toronto. Dessiné par l'architecte chinois Ma Yansong, du cabinet Mad, basé à Pékin, ce building de 170 mètres de hauteur composera la pièce majeure d'un groupe de cinq immeubles (les Absolute Towers) appelé The Absolute Community (page de gauche). La sensualité des courbes de cet édifice de béton et de verre lui vaut déjà le surnom par la population locale de « Marilyn Monroe »...

Canton

Les tours ADN. 520 mètres de hauteur chacune et 131 étages... En 2010, les Twin Towers hélicoïdales issues de l'imagination du Français Hervé Tordjman (page 48) tournoieront-elles dans le ciel de Canton ? Le projet a été dessiné comme un ADN dont on aurait séparé les deux hélices pour les placer à 90 degrés l'une de l'autre. Elaborée pour résister aux risques de typhons et de tremblements de terre, la structure de béton et de métal de ces « deux brins de vie qui se complètent pour ne former plus qu'un » devrait abriter commerces, bureaux et espace panoramique.

Pékin

Le Beignet tordu . Surnommé le « twisted donut » (ci-dessus), le siège de la télévision centrale chinoise (CCTV) se dressera fin 2009 au coeur du quartier des affaires de Pékin. Cette arche avant-gardiste de verre et d'acier de 230 mètres de hauteur est un défi aux lois de la gravité. Ses auteurs, l'Allemand Ole Scheeren et le Néerlandais Rem Koolhaas, du cabinet d'architectes Oma, ont conçu « une boucle de Möbius, sans début ni fin, sans haut et sans bas », réunissant deux immeubles en forme de L, inclinés sur un cantilever surplombé de 11 étages. Au menu de cet édifice plié dans l'espace, au squelette formé de 10 000 tiges d'acier : bureaux, hôtel et théâtre.

Expondrá Norten su proceso arquitectónico

2008-08-31T23:43:00.000-05:00

Debido a que la exposición InTENciones ha despertado mucho interés entre jóvenes estudiantes de alguna carrera relacionada con la arquitectura, se desarrollará la conferencia Procesos y variaciones

Mar, 26/08/2008 - 07:38

Monterrey, NL.- Los diseños vanguardistas, una concepción moderna y respetuosa del ambiente son facetas de la arquitectura que distingue a los proyectos de Enrique Norten, quien ofrecerá una conferencia en el Marco la noche del viernes, donde explicará algunos detalles del proceso creativo en su arquitectura.

Debido a que la exposición InTENciones –donde Norten junto a su despacho TEN Arquitectos presenta 75 proyectos– ha despertado mucho interés entre jóvenes estudiantes de alguna carrera relacionada con la arquitectura, se desarrollará la conferencia Procesos y variaciones, que será impartida por el reconocido arquitecto.

Beatriz de la Torre, gerente de relaciones públicas del Marco, explicó que la conferencia será una oportunidad para que los interesados en los proyectos exhibidos en la muestra puedan conocer el proceso creativo que lleva al arquitecto ser reconocido mundialmente como un creador vanguardista.

“Más que presentarnos el producto terminado, es toda la riqueza de un proceso que Enrique Norten sigue para todos sus proyectos, que no es un proceso lineal, no es una secuencia totalmente estructura”, opinó la directiva.

Aunque la mayoría de los proyectos exhibidos en la exposición no se han concretado, algunos de los que sí han sido aceptados están cambiando la cara urbanística de estados como Guanajuato, el Distrito Federal y, en un futuro próximo, de Monterrey.

Algunos de estos proyectos arquitectónicos son el Museo Nacional de la Piel y el Calzado en León, el próximo Museo Guggenheim, en Guadalajara, y la aún visionaria Torre Fundadores, que se situaría en Valle Oriente.

“Él concibe a la arquitectura como una serie de variaciones continuas, complejas, que en el desarrollo creativo de los distintos proyectos se forma individualmente entre sí”, comentó de la Torre.

Además, se informó que existe una aceptable recibimiento de los regiomontanos a la exposición InTENciones, tanto así que solamente a la inauguración asistieron más de 800 personas.

Por otra parte, Beatriz de la Torre comentó que se trasladarán pantallas a la recepción del museo para todos aquellos que no alcancen lugar en el auditorio. Además, comentó que ofrecerán, a futuro, pláticas con especialistas en el ramo que analizarán los proyectos de Norten. La plática será ofrecida el próximo viernes 29 de agosto en punto de las 20:00.
Gustavo Mendoza Lemus

El BBVA elige equipo de arquitectura para diseñar su nueva sede en Madrid

2008-08-31T23:42:00.000-05:00

Madrid, 26 ago (EFECOM).- El BBVA ha elegido al equipo de arquitectura suizo Herzog & De Meuron para diseñar su nueva sede corporativa en Madrid, que comprenderá una superficie de 100.000 metros cuadrados y albergará 6.500 puestos de trabajo.

Según informó la entidad en un comunicado, el nuevo complejo estará situado en el madrileño barrio de Las Tablas y contará con las últimas tendencias en construcción y sistemas tecnológicos, lo que le permitirá "favorecer la comunicación entre los empleados y lograr un bajo coste de mantenimiento".

Asimismo, uno de los requisitos exigidos por BBVA ha sido que el proyecto esté comprometido con la eficiencia energética y medioambiental, de modo que pueda obtener la certificación LEED (Líder de Energía y Diseño Ecológico), un estándar que reconoce la construcción responsable con el medio ambiente.

La firma de arquitectura Herzog & De Meuron cuenta con amplia experiencia en el desarrollo de grandes proyectos, ya que ha proyectado y ejecutado, entre otros, el Caixa Forum de Madrid, el estadio Allianz Arena de Múnich, o el estadio de los Juegos Olímpicos de Pekín, destaca la entidad.

La construcción de la nueva sede se enmarca dentro de un plan de racionalización de edificios en Madrid que el banco inició el año pasado en Madrid con la venta de cuatro edificios (Castellana 81, Alcalá 16, Goya 14 y Hortaleza- Vía de los poblados), y que permitirá a la entidad ahorrar un 32 por ciento anual en gastos operativos en materia de inmuebles. EFECOM av/ads/pam

Arquitectos: Herzog & De Meuron harán el BBVA

2008-08-31T23:33:00.001-05:00

FREDY MASSAD
Actualizado Miércoles, 27-08-08 a las 09:08
Si los organizadores de los Juegos Olímpicos de Pekín han centrado gran cantidad de su esfuerzo en lograr el mayor impacto mediático posible, lo han logrado indudablemente gracias al que ha sido el edificio más visto y nombrado durante estas últimas semanas, el «Nido de Pájaro», un edificio que ha superado en espectacularidad y visibilidad al Allianz Arena, el icono del último Mundial de Fútbol, el gran evento antecesor de estas olimpiadas. No es ninguna casualidad que detrás de estos dos santuarios contemporáneos se encuentre la firma del estudio de arquitectura más deseado del momento.
Hace poco más de una década que podía haber resultado inimaginable pensar que Herzog & De Meuron serían los autores de proyectos de envergaduras como la del Estadio Olímpico de Pekín, la próxima ampliación del museo Tate Modern en Londres o un gran complejo arquitectónico como será la nueva sede de BBVA en Las Tablas (Madrid). Como se anunció ayer, el estudio suizo ha sido seleccionado para diseñar el nuevo emplazamiento de esta entidad financiera, con una superficie total de 100.000 m2 y capacidad para acoger a 6.500 empleados. El proyecto, se anticipa, incorporará las más avanzadas técnicas constructivas y tecnológicas, alta flexibilidad de espacios, bajo coste de mantenimiento y se compromete con el desarrollo urbano de la ciudad. Características todas ellas que plasman los valores con que BBVA desea afirmar su identidad, y que han sido comprendidas de forma clara por Herzog & de Meuron. El proyecto, que se estima tardará unos tres años en construirse, se desarrollará sobre seis edificios, cuya piel será definida por cristal y vegetación y que estará protagonizado por una estrecha torre de unos cien metros de altura.
Herzog & De Meuron fue hasta comienzos de los años 90 el nombre con el que estaban firmadas piezas de joyería arquitectónica que fascinaban por su refinamiento. En un momento en que la arquitectura se esforzaba por lograr filigranas formales, Jacques Herzog y Pierre de Meuron —como responsables de un estudio que crecía lentamente— mantenían un perfil bajo, reivindicando una concentración en la esencialidad de la arquitectura a través de formas depuradas y un tratamiento de los materiales y superficies. Y experimentando —entre lo científico y lo artístico— a la búsqueda de su mayor expresividad y belleza, para lograr un tratamiento de éstos mediante el que se extremase la dimensión física de cada estructura. Edificios a pequeña y mediana escala, como la Casa Azul, el Puesto de Señalización Auf dem Wolf y la fábrica Ricola (en Basilea), la Casa Rudin (Leyden), la Bodega Dominus (Napa Valley) o la Biblioteca de Eberswalde hicieron patente la capacidad de estos arquitectos para proponer una arquitectura cuyo objetivo primordial era el de lograr apelar a los cinco sentidos y trastornarlos para redimensionar la imagen y la percepción de la realidad.

Discípulos de Rosi y Beuys
El estudio fue fundado en 1978 en Basilea por Jacques Herzog y Pierre de Meuron como «la única solución lógica» para dos jóvenes menores de treinta años, recién licenciados, y determinados a realizar la arquitectura en la cual creían. Habían sido infatuados alumnos de Aldo Rossi, habían colaborado en diferentes proyectos artísticos de Joseph Beuys, y equilibraban su vocación de indagación en lo sensible con la racionalidad que les imponía el riguroso contexto suizo.
El cambio de escala —el salto de ser un nombre únicamente conocido y venerado en el medio arquitectónico, pero que desarrollaba su obra en un ámbito muy localizado a obtener el premio Pritzker y convertirse en una de las firmas omnipresentes en cualquier concurso con alcance global— llegó con el proceso de metamorfosis que desarrollaron para transformar una antigua central eléctrica en el museo Tate Modern y que resolvieron con una excelencia que desconcertó a quienes consideraban al pequeño estudio suizo incapaz de acometer un encargo semejante.
Desde ese momento se fueron sumando a su currículo proyectos tan relevantes y que cimentaron una nueva identidad para la arquitectura de Herzog & de Meuron como la Biblioteca Universitaria (Cottbus), el edificio Schaulager (Basilea), el Centro de Danza Laban (Londres) el Walker Art Center (San Francisco) o el local Prada Aoyama (Tokio). De forma evidente, en esta singladura, la segunda parte en su trayectoria, su arquitectura ha encontrado en España un buen terreno donde asentar cimientos. El recientemente inaugurado CaixaForum en Madrid, la Plaza de España y la sede del TEA en Tenerife, la Ciudad del Flamenco en Jerez de la Frontera, el edificio Fórum en Barcelona y el proyecto para el Espacio Goya en Zaragoza preceden a este nuevo encargo para la sede de BBVA.

Jean Nouvel se confie au "Guardian"

2008-08-31T23:30:00.000-05:00

Sacrifice, regret, critique… l'architecte français Jean Nouvel épanche quelques-unes de ses blessures professionnelles au journal britannique "The Guardian", dans un "portrait d'artiste" mis en ligne le 26 août 2008.

A la question du Guardian : "Qu'avez-vous sacrifié pour votre art ?" L'architecte Jean Nouvel répond : "La chose la plus difficile est d'essayer de trouver un équilibre entre mon travail - qui requiert beaucoup d'énergie et de temps passé loin de la maison - et ma vie privée. Mais j'y suis parvenu sans sacrifier à mes idéaux artistiques."
Puis, lorsque la journaliste Laura Barnett lui demande : "Existe-t-il quelque chose dans votre carrière que vous regrettez ?" L'interviewé réplique : "Ne pas être devenu peintre ou sculpteur. Mes parents refusaient de me payer des études artistiques, alors au lieu de ça j'ai étudié l'architecture. Mais mon premier vrai boulot a été architecte pour la Biennale de Paris dans les années 1970. Cela m'a permis de travailler de manière très proche avec des artistes, compensant en partie ce sacrifice."

Un Institut du Monde Arabe "ni moderne, ni post-moderne"
Enfin, selon Jean Nouvel, "la pire critique jamais émise sur son œuvre" concerne l'Institut du Monde Arabe (IMA) à Paris, conçu avec Architecture Studio au tout début des années 1980. "La réaction des critiques français vis-à-vis de l'Institut du Monde Arabe était plutôt négative. Le bâtiment n'était ni 'moderne' (dans la tradition française), ni 'post-moderne'. Alors ils ne semblaient pas savoir quoi en faire."
L'architecte se souvient avoir été "malheureux de voir 'Le Monde' mal réagir face à l'Institut du Monde Arabe, car en France, le papier est supposé dire la vérité. Mais je n'ai pas l'esprit de controverse, j'essaie dans mon travail de critiquer le statu quo."
M.C.

Arquitectura La Biblioteca de la ciudad de Borges

2008-08-31T22:58:00.002-05:00

Domingo, 24-08-08
POR FREDY MASSAD
La biblioteca es una entidad arquitectónica proclive a concepciones metafóricas: son los cobijos físicos y simbólicos del saber y de la memoria humana, lugares donde un lector (lectores como Borges, como el Austerlitz de W. G. Sebald o el que descubre en una biblioteca sueca la «Enciclopedia de los Muertos» en el cuento de Danilo Kis) acude no sólo a leer sino al hallazgo de documentos que contienen la sabiduría y el misterio del mundo.
El edificio de la Biblioteca Nacional en Buenos Aires envuelve una pequeña historia curiosa. Una de esas historias que ponen la realidad en el borde del universo de lo literario; que nos obligan a pensar que hay algo muy complejo, extraño y fantástico en torno a la realidad y que lo que aparecen como casualidades jamás son meros azares, sino una especie de signos sin un significado concreto sino infinitamente abierto, cuya función primordial es recordarnos constantemente que existe algo inaprensible en torno al modo en que la realidad se hace visible, interconectando tiempos y lugares e incluso seres.
En 1961, el arquitecto Clorindo Testa ganó el concurso convocado para el nuevo edificio de la Biblioteca Nacional de la República Argentina. Durante el proceso de los trabajos de excavación previos a la construcción, en 1971, se descubrió el fósil del caparazón de un gliptodonte: un mamífero prehistórico herbívoro, extinguido hace más de 10.000 años y considerado antepasado del armadillo, que llegaba a tener un tamaño de tres metros y a sobrepasar la tonelada de peso. Las corazas de este animal fueron comprendidas como una forma de arquitectura por los humanos primitivos, que las emplearon como refugios. Clorindo Testa reconoció un vínculo evidente entre aquel hallazgo y su proyecto: como si la latencia de aquella ancestral estructura orgánica que diera origen a una primera estructura arquitectónica hubiera emergido, inspirándole la forma del cuerpo del edificio a levantar en aquel preciso lugar.
Vasto cuerpo rectangular
El proyecto debía permitir que se respetase al máximo la vegetación existente y la mayor cantidad posible de superficie libre, ya que el edificio se asentaría sobre un jardín de gran valor histórico y natural. Por ello, Testa proyectó un vasto cuerpo rectangular, apoyado en el suelo con cuatro robustos pilares, donde se alojan ascensores y escaleras, situando en la planta baja el vestíbulo. Este recurso permitió generar una plaza cubierta. Los depósitos de libros se colocaron bajo tierra y las salas de lectura se situaron en las plantas superiores, sobre el volumen que contiene las oficinas administrativas, una sala de exposiciones, un auditorio, una cafetería y un balcón terraza. El edificio de la Biblioteca Nacional es, junto al Banco de Londres también en Buenos Aires, la mejor obra de este arquitecto argentino nacido en Nápoles en 1923. El trabajo expresivo logrado mediante hormigón y su impronta a nivel urbano lo convierten en uno de los hitos de la historia de la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX.
En el relato de la historia de esta biblioteca es necesario tener en cuenta las tres décadas transcurridas entre la realización del diseño sobre papel del proyecto hasta su inauguración. Treinta años se antojan cronológicamente demasiados para culminar un edificio; y subjetivamente se transforman en una eternidad por los desastres provocados social y culturalmente en Argentina en ese período, a causa de la inestabilidad política generada por los sucesivos gobiernos militares. Se suma a esto la paradoja de que fuera el nombre de Carlos Menem, uno de los presidentes que más ahínco pusiera para la decadencia cultural del país, el que finalmente figurara en la placa que inauguraba este soberbio edificio.
A pesar de los avatares del tiempo, la Biblioteca no ha envejecido, sino que sigue manteniendo la fuerza y la vigencia poética de los edificios nacidos de esa sustancia de algo intemporal.

Gehry house is work of art

2008-08-31T22:57:00.000-05:00

It started out as just another investment for real-estate developer Kirt Woodhouse. Now, it's a passionate cause: to preserve and promote a rare example of the work of Frank Gehry, one of the world's most famous living architects.

To that end, Woodhouse has donated the Gehry-designed Winton guesthouse in suburban Wayzata, Minn., overlooking Lake Minnetonka outside Minneapolis, to the University of St. Thomas in St. Paul. The house was moved to a campus conference center in Owatonna, Minn., and by fall, the house will be in use as a conference center and open for tours to the growing legions of Gehry architecture pilgrims.

"Some people say the house should never be moved, it was designed for the site, and it should stay there, but what's important is getting it into the public domain, because if it stays where it is, it will never be seen by anyone," Woodhouse says.

And it is something to behold, a preview of the styles and techniques that Gehry, 79, would employ later in rearranging spaces in unprecedented ways. The 2,300-square-foot house, completed in 1987, was named House of the Year in Time's Best of Design 1987, won Home & Garden's 1987 architectural-design award and was featured in Sydney Pollack's 2005 documentary Sketches of Frank Gehry.

"I still think it's great, I'm very proud of it," says Gehry, who had yet to become "the" Frank Gehry when he designed the house. "I've not done a lot of houses. It's very time-consuming, difficult, getting into other people's lives. I love doing them because they're like a laboratory for developing space, but I haven't been able to for a while."

When Woodhouse bought the Winton guesthouse (appraised at $4.5 million) six years ago, he wasn't aware of the significance of what he had acquired.

Then he took an art-history class at the University of Minnesota and became a convert to the Gehry cult. "He is the most staggeringly talented architect since Frank Lloyd Wright," Woodhouse says, a widely held view among architecture critics.

Wright homes are not rare and have long been collected by aficionados. Gehry, however, is best known for his grand cathedrals of culture and learning, such as the Guggenheim Museum in Bilbao, Spain, or the Walt Disney Concert Hall in Los Angeles. His most famous house is his own, in Santa Monica, Calif.

But all Gehry buildings share a sensibility of architecture as sculpture - as art.

"It is highly unusual to own a house as a piece of art," Woodhouse says. "This house is both residence and sculpture."

It was commissioned by Mike and Penny Winton to complement their main house, designed by another world-famous architect, the late Philip Johnson, and built for the estate's previous owners in 1952.

The guesthouse is a cluster of six segments in rectangular, wedge and cone shapes, each containing a different room and all connected to the centrally located living room.

Details include a winding staircase leading to a sleeping loft and windows of various widths and heights. The guesthouse has been described as outdoor sculpture you can live in.

Says Woodhouse: "My intent with this donation is to inspire a greater appreciation and understanding of modern art and how it comes in many forms, including a house."

Deconstructing the Bird's Nest

2008-08-31T22:55:00.000-05:00

The inspiration behind its design
By Brooke Eaton
Posted Friday, August 22, 2008 7:10 AM ET

In 2002, the Chinese commissioned Swiss architects Jacques Herzog and Pierre de Meuron to create an iconic building that would house the Opening Ceremony for the 2008 Games. And with such a structure being the first image stamped in the minds of millions as they turn on their televisions, there was no question it needed to make a statement.

Herzog and de Meuron responded loudly and boldly. Inspired by the aesthetic of cracked glaze of Chinese ceramics, the design was meant to evoke notions of Chinese culture. But ironically, it was the Chinese public who gave the building its household name: "The Bird's Nest."
"It's not so much a landmark of the past, but rather the Bird's Nest signifies the future," said Harvard University Professor Eugene Wang.
Olympic Zone
"It's not so much a landmark of the past, but rather the Bird's Nest signifies the future," said Harvard University Professor Eugene Wang.

As the world has turned its eyes to China's capital, the 423 million dollar stadium has become a symbol of the Beijing Games. With the weight of the Olympic ideal resting on its beams, the Bird's Nest, in its form as well as its function, evokes a new Chinese spirit that the Olympics has spearheaded.

The porous structure, which seats 91,000 people, suggests transparency, while its steel latticework reinforces the notion of strength. "The idea of openness did not seem to get lost on Chinese spectators," said Eugene Wang, a professor of Chinese Art History at Harvard University. "Now the country is opened up, made more susceptible to modernization. It's no longer this old, walled city."

With spaces like Tiananmen Square and the Forbidden City that have for so long been preeminent features of Beijing's urban identity, the Bird's Nest and other Olympic structures have created a new feel. "Beijing has changed so much," said Delin Lai, a native of Beijing who now works as a professor of Architectural History at the University of Louisville. "Undoubtedly, the design demonstrates the desire of the Chinese government to portray the open image of contemporary China -- a country that would actively join the international community and confidently accept global culture."

And while comparing a 42,000-ton structure to the likes of a nest that rests tentatively in a tree, the comparison is far from inaccurate. "It suggests certain upward aspirations," Wang said. "The use of the word ‘bird' suggests flying, loftiness. It speaks to the Chinese at this time of anxiety and eagerness to take off."

And the Chinese, who must live with the structure beyond the snuffing of the torch, have responded positively. "The residents of Beijing take pride in it as cutting edge, world architecture," Wang said. "That structure is one of a kind."

With a facade that seems outrageous and unlike any stadium built before, its message extends beyond its own walls. "The relationship it has with other structures gives it a Chinese characteristic, so from this perspective it is successful," Lai said.

Just across the street is the National Aquatics Center, or the Water Cube, built by the Australian firm PTW + CCDI + Arup. In direct contrast to the Bird's Nest, the Water Cube is a solid, square form. Referencing "duilian" principles, or antithetical couplets in Chinese poetry, Lai explained how the relationship between the Bird's Nest and the Water Cube contributes to a comprehensive encapsulation of the Chinese essence on the Olympic Green. "One uses steel, the other plastic; one is heavy, the other light. Other contrasts include masculinity and femininity, perforation and solidity, movement and static. Most important are the circle and square, which symbolized heaven and earth in traditional Chinese cosmology."

Wang emphasizes the building as a symbol of change: "It redefines the culture of the city. There is really a sense of expanded, new Beijing."

At this important turning point for the Chinese people, where they hope to be introduced to the world in somewhat of a new light, the Olympic Games has given them quite a stage. However, with the 17 days almost up, that stage will soon go dark. But what remains, after competition is over and the world's focus is elsewhere, is a building that has captured an Olympic spirit and redefined an urban landscape -- a permanent reminder of the future it represents.

Dedica revista "Artes de México" edición al arquitecto Manuel Parra.

2008-08-30T22:59:00.000-05:00

August 22nd, 2008 @ 7:49pm

México, 22 Ago (Notimex).- La revista "Artes de México", en su edición número 89, estará dedicada a Manuel Parra, uno de los más grandes arquitectos mexicanos del siglo XX, quien se rehusó a recibir homenajes en vida.

La presentación de la edición se llevará a cabo el martes 26 de agosto en la Capilla Alfonsina, en esta ciudad, con la participación en la mesa de Guillermo Boils, Gigliola Carozzi, Víctor Ortiz y Rodolfo Santa María, moderados por Margarita de Orellana.

El trabajo de Manuel Parra se distinguió por reutilizar piezas provenientes de las demoliciones de casonas antiguas, para resignificarlas en espacios contemporáneos, con un irremplazable sabor de lo mexicano.

Manuel Parra nació en la Ciudad de México el 11 de abril de 1911, por lo que fue educado durante la Revolución, por jesuitas, y en 1939 inicio sus estudios de arquitectura en la Academia de San Carlos.

El interés de Parra por la arquitectura fue estimulado por su tío, Antonio Rivas Mercado, uno de los más famosos arquitectos mexicanos a inicios del siglo XX.

Los años de estudios de Parra en la Academia de San Carlos fueron a principios de 1930, periodo de controversia y división en el pensamiento arquitectónico.

Sin embargo, la intención del destacado arquitecto era crear una arquitectura única que reflejara los valores mexicanos contemporáneos.

Tenía una habilidad extraordinaria para el dibujo y una visión artística que encontró expresión en diferentes formas. Además de ser arquitecto, fue ocasionalmente diseñador de muebles, pintor, escultor, alfarero y cineasta.

Fue además maestro, trabajando durante 18 años como profesor de arquitectura en la Academia.

Como arquitecto, su influencia primaria fue en el campo del diseño de residencias, donde rescata valores y detalles de la arquitectura de las casas coloniales, como patios, pórticos, texturas en los acabados, iluminación y colores, que tradujo en el idioma moderno.

Colaboró en la restauración de muchas construcciones históricas en San Angel, al igual que creo muchas construcciones más. Fue el diseñador clave en la creación del Bazar del Sábado en San Angel.

A su creación se deben muchas casas hermosas, haciendas en Morelos, residencias privadas en San Angel, Coyoacán, San Jerónimo, Chimalistac, Las Lomas, Pedregal, León y San Miguel de Allende, Acapulco y muchas otras partes de México, así como sur de Estados Unidos.

En el número 89 de la revista "Artes de México" colaboran, además, Denisse Dresser, Carlos Mijares, Víctor Manuel Ortiz y Gigliola Carozzi, entre otros.

Architecture - Le musée nomade de Chanel

2008-08-30T22:58:00.002-05:00

Bruno Monier-Vinard

Tokyo, New York, Londres, Moscou... Le pavillon itinérant Mobile Art expose les oeuvres de vingt artistes contemporains (Araki, Buren, Calle, Ono...) inspirées du sac noir matelassé créé par la styliste Coco Chanel. Le musée, qui épouse les courbes d’un coquillage nacré, a été dessiné par l’architecte Zaha Hadid, lauréate en 2004 du prestigieux prix Pritzker. Revêtu d’une coque en plastique et coiffé par une verrière de 6 mètres de hauteur, cet édifice de 800 mètres carrés se distingue aussi par sa structure mobile : conçue pour être transportée par conteneurs, elle peut être assemblée en un mois. Cette capsule futuriste fera escale à Paris en 2010

La promotora espera terminar el edificio Nouvel a finales de 2010

2008-08-30T22:58:00.001-05:00

El arquitecto Josep Ribas explica que la obra ha sufrido un ligero retraso al tener que cimentar y bajar el muro perimetral a más profundidad de lo previsto. «La buena arquitectura no se verá afectada por la crisis»

EIVISSA | FERNANDO DE LAMA La promotora del edificio que Jean Nouvel y el despacho Ribas & Ribas han proyectado en el puerto de Eivissa calcula que el plazo de entrega de los apartamentos será de entre «30 y 36 meses» desde la puesta de la primera piedra el septiembre pasado, por lo que pretende acabar la construcción a finales de 2010. Según explica el arquitecto Josep Ribas la obra ha sufrido un ligero retraso por el problema del agua en el terreno, que ha obligado a cimentar y bajar el muro perimetral del edificio a 18 metros, en vez de los 11 previstos inicialmente: «Una obra se empieza por abajo y ya hemos trabajado mucho, pero el agua lo ha complicado. El tablestacado perimetral ha tenido que bajarse para iniciar la cimentación previo bombeo del agua recogida».

Ribas espera que para el año próximo esté acabada la cimentación y parte de la estructura y que en 2010 se concluyan los interiores y la fachada. Los trabajos están actualmente parados por la temporada estival y se reiniciarán el 1 de octubre.

El complejo estará formado por dos edificios, el conocido como `Las boas de Ibiza´, que pretende convertirse en una obra emblemática para la ciudad, y el edificio B, que se llamará `Life Marina Ibiza´, proyectado en un estilo más cercano a la tradición de la arquitectura ibicenca. El primero tendrá 187 apartamentos todos diferentes y el segundo 107.

«Plazos normales»

Ribas asegura que los plazos establecidos son «normales» en una construcción de estas características, «sobre todo teniendo en cuenta los imprevistos que siempre se producen al trabajar en el subsuelo». «Todos los edificios del paseo marítimo tienen el aparcamiento en superficie y en este irá bajo rasante porque es más bonito que los coches estén escondidos -afirma el arquitecto-. Queríamos que el espejo de agua del puerto continuase con la gran piscina del edificio y eso implica más dificultades y más coste, pero los constructores han aceptado sin reservas la condición impuesta por los arquitectos para evitar caer en la tentación de lo que hasta ahora se ha hecho en el entorno. Es una de las fachadas marítimas más importantes del Mediterráneo y hay que cuidarla».

El arquitecto cree que asumir estas dificultades será beneficioso tanto para la promotora como para los propietarios: «En el futuro todo el mundo notará la crisis, pero la buena arquitectura, con los mejores materiales y los mejores acabados, será la menos afectada. Lo que queda es la obra, el tiempo hay que ponerlo en un segundo término».

También reconoce que sobre una obra como esta, que ha tenido tanta atención de los medios de comunicación y de la población de la isla, «haya todo tipo de especulaciones y rumores sobre la construcción, pero la realidad se empezará a ver físicamente el año próximo. Este es un proyecto conocido mundialmente por lo que significa Eivissa en el mundo», remacha.

El complejo, que tendrá un techo edificable de 35.000 metros cuadrados, contará además con una planta de servicios alrededor de una gran piscina de agua salada, con un gimnasio, un área infantil y el `Club Jean Nouvel´, que será un lugar de encuentro para los propietarios.

Cuando los edificios también mudan de piel

2008-08-30T22:56:00.000-05:00

En Madrid, una torre de oficinas fue "vestida" con una trama sutil e irregular de aleros, que también sirve como aislación.

ARIEL HENDLER.
ahendler@clarin.com

No es muy frecuente que un encargo profesional consista en tomar un edificio construido recientemente para convertirlo en "otra cosa". Eso fue lo que les sucedió a los arquitectos Jerónimo Junquera y Liliana Obal, de Madrid, quienes rehabilitaron íntegramente una "típica" torre de oficinas con piel de vidrio que perteneció a una empresa de seguros, y que ahora ocupa la firma Gamesa, especializada en tecnologías para la sustentabilidad energética. El edificio, conocido como "torre M-30", se levanta junto al neurálgico cruce de la autopista M-30 y la Avenida de América, donde el tránsito vehicular, según la definición de Junquera, "se parece a un río caudaloso".

De la construcción original se rescató el esqueleto estructural, aunque redefiniendo nuevos interiores y formas de uso. Pero la intervención consistió, sobre todo, en "vestirla" de modo tal que su desnudez de acero y vidrio quede oculta detrás de una suerte de ropaje etéreo y sutil, como de gasas y sedas. "Apostamos a crear un hito urbano y escultórico —explica el arquitecto—. Para eso, optamos por darle una nueva fachada que cambiara continuamente a lo largo del día y de las épocas del año, y que vibrara con la luz", agrega.

Claro que, como la ropa, esta segunda piel debía cumplir también con las funciones de aislación térmica (sobre todo por la incidencia plena del sol) y acústica (pasan 100 mil vehículos diarios), así como garantizar una iluminación natural difusa, "sin claroscuros exagerados ni distorsiones cro-máticas", explica Junquera en diálogo telefónico con Diario de Arquitectura desde su oficina madrileña.

Popular y económico. Como desafío adicional, los proyectistas se propusieron cumplir su objetivo y dar respuesta adecuada a todas estas condicionantes utilizando materiales de uso corriente y costo razonable. "Entiendo que la arquitectura siempre debe integrarse al lugar en el que se asienta y ser sustentable. Eso se consigue con mucho rigor y esfuerzo, pero son metas al alcance de cualquiera", razona. Y elogia en ese sentido a la arquitectura popular: "Es sabia por su economía de recursos, por estar enraizada con la geografía y en particular con el clima, aprovechando sus bondades y defendiéndose de sus inclemencias".

Con este criterio, los proyectistas echaron mano a un recurso clásico en la tradición constructiva local: el alero, y con él buscaron resolver todos los problemas planteados. Pero lo utilizaron en forma muy poco ortodoxa. "Variamos la profundidad de los aleros y creamos un trazado ondulado que genera un juego de luces y sombras aleatorio y cambiante. Jugamos superponiendo geometrías como si fuera un ejercicio artistico", revela Junquera.

El resultado fue una secuencia irregular y desfasada de aleros de distinto ancho, combinados de forma tal que la trama impide a los rayos solares llegar hasta la fachada en verano, otoño y primavera. En invierno, en cambio, la radiación incide lo suficiente como para calentar el interior. La malla de aleros también convierte la radiación lumínica directa en indirecta. Y, en el rubro acústico, cumple la función de romper las ondas sonoras.

Objetivos cumplidos. Desde el punto de vista constructivo, la torre original fue literalmente envuelta con una nueva fachada de doble vidrio montada en una carpintería de aluminio. Sobre ésta se colocaron los aleros, hechos con planchas horizontales de GRC, es decir, paneles prefabricados de hormigón y fibra de vidrio aligerados, sujetados por medio de una estructura oculta de acero zincado. "Nos planteamos convertir esta experiencia en un paso firme en la búsqueda de edificios más sustentables", resume el arquitecto.

De todas formas, admite que las obras excepcionales reclaman algo más: "Crear emociones en los espacios, en el juego de la luz, en la utilización del color y de los materiales y en el manejo sutil de sus texturas. Eso es algo difícil de conseguir y que intento en todos mis proyectos, pero mi exigencia como arquitecto es que estas emociones se deben buscar una vez alcanzados los objetivos más básicos", se cubre.

Aunque, tal vez, sospeche que ciertamente en este edificio se consiguieron ambas cosas.

Rem Koolhaas poursuit sa réflexion sur Dubaï

2008-08-30T22:51:00.001-05:00

Comme Abou Dhabi, Dubaï veut devenir un fleuron de la culture mondiale. L'émirat a confié au Vitra Design Museum et à Rem Koolhaas une exposition sur la «construction d'une culture pour le 21e siècle».

Le monde a les yeux rivés sur Pékin et ses nouvelles réalisations architecturales pharaoniques – ou plutôt impériales. Mais un autre point du globe attire et attirera encore longtemps les bâtisseurs des temps modernes: Dubaï, un des sept émirats de la Fédération des Emirats arabes unis.

Entre Pékin et les anciens déserts du Golfe persique, la course au gigantisme semble infinie: le plus grand aéroport du monde est-il à peine terminé d'un côté (Pékin), que s'ouvre le chantier du futur plus grand de l'autre (Dubaï)...

C'est sur la construction, en cours, d'une nouvelle «culture du 21e siècle» que le Vitra Design Museum de Weil am Rhein (Allemagne) se penche jusqu'à mi-septembre. Les deux commissaires, le Palestinien Jack Persekian et surtout Rem Koolhaas, architecte et théoricien hollandais, sont des stars dans leur domaine.

Tout ou presque a déjà été écrit sur les «méga» projets des cheiks, leurs tours qui pivotent automatiquement pour suivre les rayons du soleil, leurs gratte-ciel qui n'arrêtent pas de pousser, leurs fausses îles et leurs vrais dollars. Mais on pouvait attendre de Rem Koolhaas, jamais avare de provocation, quelque nouvelle perspective.

Trop hétéroclite

Malheureusement, même si ce n'est pas rien, la liste des superlatifs d'arrête à «intéressant». Est-ce le fait du commanditaire – une organisation étatique nommée «Dubai Culture & Arts Authority» créée au début de l'année et dirigée par Michael Schindhelm, ancien directeur du théâtre de Bâle?

Ou est-ce parce que Koolhaas et son agence OMA (Office for Metropolitan Architecture, bureau pour une architecture métropolitaine fondé en 1975) ont déjà livré leur pensée sur le développement des émirats, lors de la Biennale de Venise en 2006, puis sous forme d'ouvrage «Al Manakh» en 2007?

Quoi qu'il en soit, le mélange d'éléments exposés reste trop hétéroclite pour constituer un regard nouveau. Il y a par exemple sept photographes, dont la fille de l'architecte hollandais, Charlie Koolhaas, qui remplit des salles d'images imprimées sur tissu et suspendues en rangs serrés, et trois réalisateurs présentant des courts métrages.
Cadrages assurés

Parmi ces photographies, certaines sont – pour le coup – fascinantes: la série «Held back» de Reem Al Ghaith, (née en 1985) qui se montre toujours en ombre chinoise sur ses images, allie le traditionnel arabe et la modernité extrême dans des cadrages très pertinents.

Autres images passionnantes, celles, d'archives, du bureau établi à Dubaï John R. Harris, qui montrent l'incroyable développement de ce désert construit en moins d'un siècle. L'énorme carte murale annotée par Rem Koolhaas recèle aussi quelques perles sous forme de commentaires drôles, songeurs, voire poétiques.
Quête d'identité

Mais les deux maquettes, si impressionnantes soient-elles (un centre culturel de Zaha Hadid jouant avec les formes organiques des dunes et un projet de théâtre de Koolhaas, qui dirige plusieurs chantiers sur place) ne nous en disent pas beaucoup sur la construction de l'«identité culturelle» des Emirats.

Car Dubaï abrite plus de 200 nationalités, à qui manque encore, dit-on, une identité. Cette exposition, voulue par le pouvoir, est une étape dans l'établissement de Dubaï (comme Abou Dhabi avec son île de musées Saadiyat) comme capitale culturelle.

Mais Rem Koolhaas encourage un regard décomplexé et plus réaliste. «Cessons de présenter Dubaï comme une exception, dit-il en substance, et voyons-la comme une ville 'normale', jeune et en train de mûrir.»

Mais la grandeur reprend le dessus: «La ville est plutôt une orchestration intelligente de besoins et d'opportunités qui ont déclenché une authentique culture à Dubaï, écrit encore l'architecte. Et si d'autres civilisations plus établies sont coincées dans des fonctionnements davantage axés sur la confrontation, peut-être Dubaï est-elle en train de découvrir, après tout, la plausibilité inattendue d'une culture vraiment globale.»

swissinfo, Ariane Gigon, Weil am Rhein (Allemagne)

Le « nid d’oiseau » : Le symbole d’une architecture de tous les défis

2008-08-30T22:50:00.001-05:00

Les Chinois se sont construit, au cours de l’histoire, une architecture tout à fait unique. Les principes, les structures et le style des bâtiments sont conformes à la philosophie taoïste et bouddhique qui enseigne les liens existant entre le ciel, la terre et les hommes.

Pour les Confucéens, l’homme qui est un petit cosmos, doit être en harmonie avec le grand cosmos qu’est la nature, pour vivre mieux. Le souci de l’harmonie entre les cieux et l’homme, a une forte influence dans la vie des Chinois et donc sur leur architecture.

Du fait de la croissance explosive de ces dernières années en Chine, l’espace se raréfie. On ne peut que constater, cependant, que les nouveaux architectes de l’Empire du Milieu y ont trouvé la parade parfaite : le truc de l’architecture chinoise, c’est de mélanger les matières et de les projeter dans un mouvement aérien. Quant on regarde les tours penchées de la télévision locale, CCTV, qui s’appuient l’une contre l’autre, ou « l’œuf » qu’est l’Opéra de Pékin, on ne peut s’empêcher de s’émerveiller et de se demander comment tout cet acier, ce verre et ce béton peuvent bien tenir ensemble, qui plus est, à ce degré de gigantisme. Gratte-ciels, sphères immenses, tours de verre... L’architecture chinoise est celle de tous les défis.

Incarnant ce concept, « Nid d’oiseau », le nouveau stade olympique construit pour les jeux de Pékin, est une énorme arène entourée de « brindilles » de métal étincelant, pesant chacune plusieurs tonnes, qui s’emmêlent pour donner l’illusion du nid argenté qu’un oiseau gigantesque aurait fait dans la capitale.

Le principal attribut esthétique de la façade en acier du stade, est qu’elle permet à la lumière interne d’être réfléchie à l’extérieur et de recréer dans les rues, un gigantesque spectacle d’« ombres chinoises » toujours en mouvement. Cette nasse d’acier abrite une immense enceinte où sont installés les gradins, qui elle, ressemble à un bol de terre rouge cuite. Les couleurs chaudes, issues de la terre, donnaient aux constructions, dans la tradition taoïste, une atmosphère naturelle. Ainsi, on reste en Chine, toujours attentif à créer un lien entre l’intérieur et le monde extérieur, conformément au principe confucéen d’unité entre l’homme et la nature. Le « Nid d’oiseau » géant qu’est le stade olympique, est appelé à devenir l’un des symboles la capitale chinoise.

En matière de protection de l’environnement, des efforts ont été faits pour ce stade qui, en plus d’équipements modernes et confortables, a un système d’énergie solaire installé sur le toit de son guichet, et un autre système de récupération des eaux de pluie capable de traiter 58 000 tonnes de précipitations par an.

A la fin du mois de mars dernier, à la suite d’un appel d’offre, le projet de stade de deux architectes suisses mondialement connus, Jacques Herzog et Pierre de Meuron, a été préféré à ceux de leurs concurrents japonais et chinois par un jury international. Les deux associés ont dit s’être inspirés de la culture chinoise, allant même jusqu’à prendre des cours de céramique traditionnelle.

L’implication de grands noms internationaux dans ces chantiers des J.O., ne fait cependant pas d’ombre à celle des architectes locaux : l’Ecole chinoise d’Architecture de Tsinghua a réalisé à elle seule, trois bâtiments olympiques, dont un gymnase pour les arts martiaux.

Sofiane Bengeloun (stagiaire)

Tom Dyckhoff Yesterday the world watched the opening ceremony of the Beijing Olympics. Athletes filed past the cameras hoping that the next time the

2008-08-30T22:49:00.001-05:00

El cineasta francés Richard Copans, uno de los artífices de la televisiva serie de culto 'Arquitecturas' junto con el checo Stan Neumann, señala en una entrevista con Efe que los protagonistas de sus historias son los edificios que filman, 'más que los arquitectos que los han diseñado'.

Copans y Neumann han viajado hasta Barcelona porque la productora catalana Editrama acaba de editar para el público español todos los documentales de la serie, que concibieron en 1994 para Arte France y Les Films d'Ici, con el objetivo de ofrecer al público en general una lección de arquitectura a través del análisis y monografía de construcciones emblemáticas de todo el mundo.

Copans resalta que en cada una de sus filmaciones, que una vez montadas tienen unos 26 minutos de duración, los protagonistas son los inmuebles 'contando la historia del propio edificio'.

Con una cuidada puesta en escena, en cada documental se ofrece 'la vida, la gente, la ciudad de cada uno de estos edificios, pero no hacemos sociología sobre ello, porque de lo que se trata es de transmitir los placeres de la arquitectura'.

Neuman, por su parte, reflexiona sobre la afinidad entre cine y arquitectura y concluye que, en la práctica, 'filmar la arquitectura es como una carrera de obstáculos, tanto por la escala, puesto que el edificio es grande y la cámara pequeña, como por el movimiento, puesto que el inmueble es estático y la película se alimenta con el desequilibrio, con un constante movimiento'.

Desde que hace catorce años iniciaran la serie, los dos documentalistas han viajado de París a Barcelona y de Berlín hasta Japón en busca de los más grandes logros arquitectónicos de la Historia.

Ante el ojo de la cámara han desfilado tres construcciones ubicadas en España como el Guggenheim de Bilbao, del norteamericano Frank O.Gehry; la casa Mila de Barcelona, de Antoni Gaudí, y la Alhambra de Granada, del siglo XIII.

Fuera de España, han filmado, entre otros, el centro municipal de la ciudad finlandesa de Saynatsalo, de Alvar Aalto; la escuela de arquitectura de Oporto, del portugués Alvaro Siza; el centro Georges Pompidou de París, de Renzo Piano y Richard Rogers; los gimnasios olímpicos de Yoyogi (Japón), de Kenzo Tange, o el convento de la Tourette de Eveux (Francia), de Le Corbusier.

Cuando se les pregunta a Copans y Neumann sobre cuál de todos los muchos edificios que han grabado en estos lustros les ha impresionado más, responden casi al unísono que 'eso es como pedir a un padre a cuál de sus hijos prefiere'.

Copans insiste en que 'cada vez es una historia distinta. Una maravilla poder descubrir otra parte del mundo, y de lo que son capaces de construir los seres humanos'.

De toda manera, el realizador francés puesto en la tesitura de escoger dice guardar muy buen recuerdo de la filmación de las termas de piedra de Vals, en Suiza, del arquitecto Peter Zumthor, que quiso reinventar con ellas la misma idea de baño.

'Hacer este documental -rememora Copans- fue genial, muy agradable. El equipo que trabajamos en él incluso decíamos cuando terminamos que estábamos más descansados que antes de empezar'.

El director de Editrama, Gonzalo Herralde, ha querido incorporar para la edición española de estos documentales la presentación y los comentarios sobre los edificios filmados de diecinueve arquitectos que trabajan en España como Ricardo Bofill, Oriol Bohigas, Federico Correa, Josep Maria Muntaner, Helio Piñón, Benedetta Tagliabue y Oscar Tusquets, entre otros.

CCTV, the new state television headquarters, will broadcast China's rise

2008-08-30T22:48:00.001-05:00

The stunning headquarters of Chinese television is the most significant building of the century so far

Tom Dyckhoff

Yesterday the world watched the opening ceremony of the Beijing Olympics. Athletes filed past the cameras hoping that the next time the flashbulbs pop, they will be on the podium.

But there’s one star you will definitely see on your screens this summer, and from within it sweating, shaking sportsmen and women will be beamed – beaming, weeping or both – across the world. It’s CCTV, the new headquarters for China’s state television organisation. The second largest office building in the world, second only to the Pentagon, it has been designed by Rem Koolhaas and it is unlike any other building you’ve ever seen.

It has a hole in it, almost 200 metres wide, around which its gawky limbs contort themselves in a huge angular loop. Each titanic limb tilts away or towards the next, like an Escher painting, culminating in a gravity-defying zenith in which the two come together in a jaw-dropping, “look-no-hands” cantilevered corner, jutting out over the city.

You may not like it. Its Orwellian looks and, indeed, function mean that this is no easy building to love. But you can’t deny its power. This is one of those moments when you know an entire culture is morphing into something else, something new. The genie is out of the bottle. Architecture will not be the same again, and nor will China. CCTV is the most significant building of the 21st century yet.

Its German co-architect, Ole Scheeren, looks every inch the master builder. Tall, dark, handsome, sharply dressed and dating China’s biggest movie star, Maggie Cheung, Scheeren is king of Beijing. “We could have gone the easy route,” he says, “and built much taller like the others that bid for the job. But that’s just not interesting, is it?” What was interesting was getting out of the “my one’s bigger than your one” race for the skies and “creating a new type of skyscraper”, one in which intelligence mattered. CCTV is a paltry 234 metres (768ft).

When Scheeren visited the site six years ago the neighbourhood was empty. “Beijing city planners showed us an image of what would be Beijing’s new central business district, with a forest of 300 skyscrapers.” They’ve already arrived: phallic, boring. “So faced with this, a question emerged. This year Asia has more skyscrapers than the West. A typology invented in New York and Chicago 100 years earlier has been adopted more successfully in Asia as a triumphant symbol of its own modernisation. So what could an Asian or a Chinese skyscraper become?”

Voilà. When an architect claims to be reinventing anything, reach for a pinch of salt. But Scheeren’s firm, the Office for Metropolitan Architecture – founded by Koolhaas – is true to its word. One of Koolhaas’s bêtes noires is architectural icons. He despises their “vulgar desire to impose flashy new form”. He prefers what he calls “antiicons”, like his Casa da Musica in Porto, Portugal, whose awkward form both repels the tourist’s camera and attracts it.

CCTV does the same. Yes, its odd looks are pointedly chosen to stick out against its predictable neighbours, “But this is both an icon and a nonicon,” Scheeren says. “Icons have a singular appearance. Look at them once and that’s it. Traditional Chinese architecture, though, is something you cannot simply comprehend with a glimpse, you have to let the space unfold.” CCTV works similarly – like a giant piece of Chinese calligraphy, a single image made up of symbolically loaded parts. Move round the building “and it unfolds, changes configuration. It has depth.” More importantly, he adds, its iconoclastic shape came not from wilfulness, but from the building’s function – a public building on the world stage for an organisation renowned, rightly or wrongly, as chief propagandist for a one-party state.

Like most things in China, the media are changing at a frightening speed – in May the Government allowed CCTV and foreign journalists unprecedented access to the Sichuan earthquake disaster zone. CCTV itself is metamorphosing. “The group running this project is young,” Scheeren says, “mid-thirties to mid-for-ties, well-educated, exposed to the West. It sees itself in a much more responsible, global context. The BBC is one of their role models. They talked about making part of CCTV a more free enterprise. This seemed encouraging, and to try to support it, worthwhile.”

It goes for China as a whole, he says – “Yes, it has many problems, but you either choose to change that, or you isolate yourself. Once you experience China, nothing’s so black and white.” So, like the Olympic Stadium’s architects Herzog & De Meuron before him, Scheeren excuses his engagement with a country vilified for its human rights record, by his faith in transforming it. CCTV though, already embedded in the city, and housing the state’s main tool of propaganda stands, I think, a greater chance of doing so than HdM’s isolated “Bird’s Nest”.

Either way, Scheeren has been adamant about workers’ conditions on site: “We’ve had no casualties here. We were very explicit in all our intentions from the beginning,” he says. “This was to be an exemplar. And we said let’s create “public space” in the building, make it the most transparent TV station in the world.” Such words, innocent here in the West, are dynamite in China.

Scheeren hopes to achieve this transformation through how the building is organised. He pushed for “collaboration and equality”. Imagine the building’s loop as a rope, made from several continuous strands, housing independent worlds, which twist around one another, and sometimes connect – a little like the independent upstairs-downstairs worlds of aristocrats and servants in a stately home. Chief among the loops is the “TV making loop” for the staff, and, wrapped around it, the “public loop”, a continuous promenade open to the public – unprecedented in Chinese architecture – made up of theatrical staircases, processional ways and an unending “museum of media”, with windows one way looking on to the city, and the other revealing the smoke and mirrors of TV, glimpsing into studios and edit suites.

Planning the creation of an unprecedented architectural form on such a vast scale in an extreme earthquake zone was not an easy matter, one finally cracked by Koolhaas’s engineering guru Cecil Balmond, from the London engineers Arup. “Maybe we could best describe it as a tube folded in space,” Scheeren says. “All the outer surfaces are covered in a diagonal steel mesh and this mesh is folded and allows the weight to flow around the building until it finds the ideal path to the ground.” The shape, and the arrangement of the steel cage, was continuously tested and finally chosen by three cross-checking algorhythmic computer programs which simulate nonlinear behaviour in nature, as well as a 64-tonne copper replica in an earthquake simulator. Never before has such a vast building’s form been so dictated by a nonhuman hand.

Alas, its actual construction is left to sheer manpower. CCTV doesn’t fully open until next year – though the façade has been completed for the Olympics, and chunks opened to host its glitzier televised events. You can catch glimpses of the building’s radical internal structure only in the completed, distorted staircases, which look straight out of The Cabinet of Dr Caligari.

You need to visit Portugal’s Casa da Musica to get a hint of what to expect, where a similar “promenade” of Koolhaas’s “intense space”, is wrapped around the central auditorium, offering a succession of jump-cut, cinematic, often uncomfortable architectural experiences. Koolhaas, before turning to architecture, trained as a journalist and screenwriter. It shows. Architecture, to him, is just another form of media.

CCTV isn’t groundbreaking because it’s big, weird-looking, computer-generated or because that look-no-hands cantilevered corner has three 4 metre-wide circular glass floors, so white-knuckled visitors can stand over 162 metres of air – though these would be reasons enough. It’s groundbreaking because it tries to reshape what architecture might be, a space in which the real and the virtual become thrillingly blurred, solid yet ambiguous,– “all qualities that are traditionally Chinese”, Scheeren says. This is not a country of Western rationalism, but of Eastern ambiguity. Of course it might fail. It might end up the ultimate symbol of a tyrannical regime. Then again, it might transform the very landscape of China, and of the West.

Premian a estudiantes de la UAT

2008-08-30T22:47:00.001-05:00

Estudiantes de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo del CU Tampico-Madero fueron premiados en el concurso convocado por la empresa tequilera “La Gonzaleña”.

Tampico.- En el marco de la vinculación que la Universidad Autónoma de Tamaulipas mantiene con los sectores productivos del estado, estudiantes de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo del CU Tampico-Madero recibieron la premiación correspondiente a un concurso convocado por la empresa tequilera “La Gonzaleña”, en el que presentaron proyectos arquitectónicos para la remodelación de sus instalaciones en el municipio de González.

En evento realizado en las oficinas de la FADU estuvieron presentes el Director de este plantel, Eduardo Arvizu Sánchez; Antonio Manuel Human, Jefe de Distrito de Desarrollo Rural Nº 162 en González; Erwin Verlage Guerrero, Presidente Municipal de González; así como Guillermo González Gorrochotegui, presidente del Consejo de Administración de Tequilera “La Gonzaleña” para encabezar la ceremonia de entrega de premios con estímulos económicos a los ganadores.

En este marco, el jurado calificador conformado por los expertos en arquitectura Rafael Godard Santander, Santiago González Hernández, Eduardo Camacho Oropeza, Carlos de la Rosa Durán y Jorge Rivera Bernal, declaró como primer lugar a los estudiantes Jorge Aldebarán González Martínez; en segundo sitio al equipo integrado por Indira Tovar de Leija, Mario Alberto Yañez Alemán y Antonio de Jesús Gómez Márquez; mientras que el tercer lugar lo ocuparon José Manuel Hernández Delgado y Juan Báez Fortaney, todos ellos estudiantes de la carrera de arquitectura de la UAT.

Además se otorgaron dos menciones honoríficas a los proyectos de María Graciela López González y Luciano Rene Ávalos Mier, reconociendo en ello el esfuerzo de los jóvenes en cada una de las líneas productivas y científicas abordadas.

En este marco, el director de la FADU felicitó a los alumnos ganadores y a nombre del Rector José Ma. Leal Gutiérrez agradeció a los directivos de la empresa la promoción de este certamen que califica la capacidad y competitividad de los jóvenes universitarios.
Milenio.com

Escaparates de la complejidad

2008-08-30T21:59:00.001-05:00

por Josep M. Montaner, Zaida Muxí

La tematización de los centros históricos y los ejes comerciales, que se repite en todas las grandes ciudades, es la escenificación de procesos urbanos, sociales y económicos mucho más complejos, lejanos de la casualidad, el azar o el aparente crecimiento “natural” y espontáneo.
Todas estas franquicias ocupan también los centros comerciales que se desparraman fuera de las grandes ciudades, tensando el territorio de manera ficticia. Se trata de una peligrosa transformación de las estructuras productivas y comerciales. Las mismas empresas productivas, de servicios y financieras que se instalan en las nuevas áreas, como 22@ (en el barrio de Poble Nou) en Barcelona, son las que están relacionadas con la industria hotelera y comercial que tematizan los centros urbanos. Todas estas franquicias se basan en lo que podríamos considerar subsidios encubiertos, como la ampliación de puertos y redes de transporte terrestre, para distribuir y fagocitar planetariamente las produccione realizadas a miles de kilómetros de distancia. Estas políticas económicas de grandes almacenes y franquicias arrinconan la posibilidad de regenerar las estructuras comerciales locales, que no pueden competir en un falso libremercado con los privilegios impositivos y laborales de estas empresas. Incluso las mismas tiendas de souvenirs y alimentos “típicos”, en apariencia negocios individuales y de pocos recursos, forman parte de redes similares. De lo contrario, ¿cómo se puede explicar la manutención de locales tan bien situados y de tan alto coste? Un sistema de producción y consumo que ya ha dejado huellas ecológicas insostenibles en todo el planeta: desperdicios, esclavitud laboral, desaparición de redes de producción local, consumo de energías no renovables, etcétera. El aumento anunciado del petróleo hará inviable este consumo basura, basado en su bajo precio, y que desprecia los saberes y singularidades locales. ¿Pagaremos una vez más los ciudadanos ante el chantaje de la quiebra de unos negocios que son insostenibles y por los que ya hemos pagado con la destrucción de los tejidos productivos locales?

“El nido de pájaros” una impronta arquitectura helvética en Beijing

2008-08-30T21:58:00.000-05:00

El Estadio Olímpico de la capital china, una obra de ingenio de los arquitectos suizos Herzog & De Meuron.

La impronta suiza en los Juegos Olímpicos de Beijing no sólo corre por cuenta de sus atletas, sino que también por el prestigio de sus dos más grandes y famosos arquitectos contemporáneos, Jacques Herzog y Pierre De Meuron, los padres del “nido de pájaros”, el monumental estadio que anida las olimpiadas 2008.

Precisamente una de las infraestructuras más impresionantes es el estadio olímpico, un gigantesco “nido” de acero y hormigón, es obra de los arquitectos helvéticos Herzog & De Meuron, que han entregado la “primera medalla de oro” a Suiza, por su belleza y valor arquitectónico.

La audacia artística y técnica del proyecto impresionó a un jurado del que formaban parte impresionantes profesionales como Koolhaas, Nouvel o Perrault, los que terminaron por otorgar a los arquitectos suizos el encargo mayor y quizás más decisivo de sus carreras.

El Estadio Olímpico de Pekín costó 500 millones de dólares y es presentado a la mirada universal durante la ceremonia inaugural, que da “el vamos” a los Juegos de Beijing del año 2008. Todo un símbolo de la presencia suiza en este evento planetario.

Un nido de acero

El Estadio ha sido bautizado popularmente como “nido de pájaros”, debido a una red de acero y cubierto por una membrana transparente que decidieron aplicar en su construcción los arquitectos suizos.

El estadio tiene 330 metros de largo, 220 m. de ancho y 69 m. de altura y está equipado con un sistema de energía solar y de recogida de agua de lluvia para su riego y limpieza. Enormes vigas de acero que se entrelazan como ramitas, soportadas por 24 columnas de 1.000 toneladas (cada una) y dispuestas a alojar en su interior a 91.000 espectadores.

Acoge las ceremonias de inauguración y clausura, las pruebas de atletismo y la final de fútbol en los JJOO de Beijing.

A juicio de los arquitectos helvéticos se trató de “un brillante desafío estético y estructural" a pesar de que ambos llevan tres décadas creando todo tipo de edificios, desde fábricas para las famosas pastillas de Ricola hasta el cuartel general de Prada en Tokio. Tienen en su haber librerías, museos, edificios de viviendas y varias instalaciones deportivas.

"No podrías hacer esta estructura en ningún otro sitio", declaró Herzog durante una rueda de prensa. Todo el mundo cree que esta es la obra arquitectónica más extraordinaria que hemos diseñado nunca, dice pero el público olvida que tenemos otras seis obras en China", precisó.

Un destino común

La vida de Herzog y su colega De Meuron (foto) ha corrido siempre en paralelo. Ambos nacieron en Basilea en 1950 y se conocieron a los siete años, en el colegio. Estudiaron juntos y en su ciudad natal crearon, en 1978, su estudio: Herzog & De Meuron.

Muchas de sus obras, sobre todo las primeras, se concentran en su Suiza natal, aunque hoy en día sus edificios se diseminan por todo el mundo. En 2001, recibieron conjuntamente el premio Priztker, el Nobel de arquitectura.

Jacques Herzog y Pierre de Meuron mezclan en sus edificios fachadas modernas y originales con materiales 'clásicos' (cristal, hierro e, incluso, piedra) que combinan con nuevas tecnologías, como fotografías grabadas en el cemento, tiras de cobre que se retuercen o cortinas de hierro fundido, como las que muestra el Estadio de Beijing.

Swisslatin

Bienal de Venecia: el pabellón español apuesta por la Nueva Arquitectura

2008-08-30T21:55:00.000-05:00

ABC
Actualizado Viernes, 08-08-08 a las 09:26
Un total de 50 arquitectos españoles, pertenecientes a dos generaciones distintas, participarán en la muestra «De lo construido a la arquitectura sin papel», dentro del Pabellón de España en la XI Bienal de Arquitectura de Venecia, que se desarrollará del 13 de septiembre al 23 de noviembre. Organizada por los arquitectos Soledad del Pino y Ángel Fernández Alba, la idea es reivindicar lo construido por una generación de maestros de la arquitectura española y, por otro lado, hacer un recorrido hacia la arquitectura sin papel mostrando la obra (construida o no) de jóvenes que ha encontrado en la red su fuente de expresión.
Nos encontramos con seis proyectos de reciente construcción, elaborados por arquitectos de reconocida trayectoria que, de forma callada, generaron sus obras cubriendo una demanda cada día más compleja. Una manera de construir para los ciudadanos: una biblioteca, un conjunto escultórico de viviendas o un centro de artes escénicas. Son obras que definen y conforman lugares que se transforman, haciendo visible lo invisible.
Proyectos firmados por arquitectos como Juan Navarro Baldeweg -premio Nacional de Artes Plásticas-; Lluis Clotet e Ignacio Paricios, el estudio vasco IMB Arquitectos o los madrileños Víctor López Cotelo y Juan Manuel Vargas Funes. Este último equipo recibió el premio Manuel de la Dehesa de la VII Bienal de Arquitectura Española con el proyecto de rehabilitación de una antigua fábrica de curtidos como vivienda, que se expone en el Pabellón. «Todas las obras seleccionadas muestran respuestas vanguardistas a la modernidad arquitectónica que aún no está agotada», comentan los comisarios del Pabellón. «No se han elegido nombres del star system, aunque poseen una amplia trayectoria profesional. Para la selección nos hemos apoyado en juicios poéticos que acercan a los presupuestos del arte», añadieron.
Trabajos que son presente y futuro de la arquitectura, donde se reflejan nuevas vías de creatividad cercanas al arte. Las obras se exponen de manera visual -animaciones- al igual que se encuentran en la red y con un elemento común: el empleo del medio digital como lenguaje arquitectónico.

Arquitectura en los pies

2008-08-03T13:56:00.000-05:00

Cuando la moda indica que los tacones de vértigo son la tendencia, es natural que se llame a un arquitecto para diseñar unos zapatos.

En colaboración con la firma brasileña Melissa, la arquitecta iraquí Zaha Hadid ha diseñado unas zapatillas de edición limitada que saldrán a la venta en septiembre, durante la semana de la moda en Londres. Cada par costará 200 libras esterlinas (246,80 euros). Las zapatillas están fabricadas en un material plástico reciclable.

Un concurso restringido decidirá la arquitectura del nuevo Guggenheim

2008-08-03T13:52:00.000-05:00

Bilbao no limita el presupuesto del proyecto a la reserva de cien millones

EVA LARRAURI - Bilbao - 19/07/2008

Con el comienzo del nuevo curso tras el parón del verano, la Diputación de Vizcaya impulsará el proyecto del nuevo Museo Guggenheim en Urdaibai con la convocatoria de un concurso restringido de proyectos de arquitectura.

La convocatoria de un concurso de ideas de carácter abierto ha sido desechada porque no garantiza, en palabras del diputado general de Vizcaya, José Luis Bilbao, la presencia de los "primeras espadas de nivel internacional" que se buscan para diseñar el museo en la desembocadura de la ría de Mundaka.

El proyecto deberá responder a la voluntad de aunar "arte y naturaleza" en un entorno protegido, que obliga a limitar el impacto visual de las futuras construcciones. Bilbao aseguró ayer que el diseño arquitectónico no superará los volúmenes ya existentes en la finca de Sukarrieta de la BBK elegida. Aún no se ha determinado si el edificio de las colonias que alberga la residencia será conservado o derruido para levantar en su lugar una nueva edificación. "No me cierro a nada", añadió. "El edificio cuenta con protección municipal, lo que no significa que no se pueda tocar".

El diputado general no concretó qué estudios de arquitectura serán invitados a participar en el concurso de Urdaibai, pero dejó abierta la posibilidad de que sean firmas que no han construido en Bilbao. Y recordó la grata impresión que le causó el Museo del Quai de Branly, en París, del arquitecto Jean Nouvel, con su fachada cubierta de vegetación.

La Diputación sigue sola en el plan de ampliar el Guggenheim con un nuevo museo en Urdaibai, con una reserva de 100 millones de euros. El Gobierno vasco, hasta ahora su socio al 50% en el Guggenheim, acogió la iniciativa con frialdad. Ahora sus portavoces zanjan cualquier pregunta sobre el tema con un tajante "sin comentarios". Pero Bilbao no da ninguna importancia al desapego del Ejecutivo y asegura que está informado del desarrollo del proyecto, incluido en el plan de reactivación de la economía que firmaron las tres diputaciones y el Gobierno vasco. "Alguien tiene que tirar del carro", argumentó.

Otra de las incógnitas del proyecto de Urdaibai es su financiación. Bilbao no quiso detallar las cantidades que se destinarán a la construcción de las instalaciones, ni adelantar si se contará con aportaciones del Gobierno vasco, pero no limitó el presupuesto total a los 100 millones anunciados. "Tenemos 100 millones en caja, pero no sabemos lo que va costar", reconoció. "Si es más, será más".

La Diputación dispondrá de la finca de las colonias infantiles de Sukarrieta, 80.000 metros cuadrados propiedad de la BBK, para poner en marcha el proyecto del nuevo Guggenheim gracias a una permuta de terrenos. A cambio de las colonias, con 80 años de historia a sus espaldas, la BBK recibirá una parcela más grande, cerca de 106.000 metros cuadrados de suelo rural, que la Diputación adquirió en 1990 junto al mar en el término municipal de Ea. Ayer Bilbao y el presidente de la BBK, Xabier de Irala, dieron de forma conjunta carácter oficial a la voluntad de trasladar las colonias a Ea para dejar sitio libre al Guggenheim, aunque todavía no se han cerrado los términos concretos del acuerdo. Entre otros aspectos queda por estudiar en qué medida colaborará la Diputación en la financiación de las nuevas colonias de Ea.

Irala dijo que el Guggenheim no podía haber elegido "lugar más bello" en Urdaibai que la finca de Sukarrieta, a orillas de la ría, con unas vistas espectaculares de la desembocadura. Recordó el compromiso de la BBK con el Guggenheim -es uno de sus patrones estrátegicos- y su satisfacción por participar de forma activa en la ampliación, pero no dejó de apuntar que el Guggenheim es la mejor opción para Sukarrieta, después de sus colonias.

La BBK acepta la permuta propuesta por la Diputación, pero con la prioridad de mantener las actividades de Sukarrieta "de forma ininterrumpida". Los aspectos legales, económicos y las posibilidades de construcción que ofrece el terreno tendrán todavía que ser analizados, "en un período de tiempo razonable y con transparencia", se comprometió el presidente de la BBK. "Tenemos la oportunidad de crear, desde cero, un centro moderno e innovador", añadió.

Por ahora Bilbao no habla de plazos en el desarrollo del Guggenheim en Urdaibai. En otoño el proyecto cogerá nuevos bríos con la convocatoria del concurso de ideas para la arquitectura y la presentación de la idea a la Fundación Solomon R. Guggenheim.

¡Viva la evolución!

2008-08-03T13:43:00.002-05:00

JAVIER MOZAS 19/07/2008

El joven arquitecto danés Bjarke Ingels cambia las reglas de la profesión con humor y desmesura

Bjarke Ingels (Copenhague, 1974) es el hombre del sí, que no se detiene ante un no. Cualquier situación que deje una puerta abierta le da una razón para salirse con la suya, por ahí se colará. Sus proyectos llevan impresa la cabezona insistencia del espermatozoide triunfador que, a costa de sus convecinos, desea perpetuar la especie. Nunca da una idea por perdida. Con 33 años y una importante carga de ambición, ha conseguido agrupar a más de ochenta profesionales, entre arquitectos, diseñadores y gente con ideas, en una empresa que lanza proyectos hacia Dinamarca y al resto del mundo, allí donde hagan falta, o no. Es como si siempre diera la razón a un reticente interlocutor de otra cultura, en la que negar fuera mover la cabeza de arriba hacia abajo.

La oficina de BIG, Bjarke Ingels Group, está en el segundo piso de un ordinario edificio de oficinas de hormigón y ladrillo de la calle Nørrebro de Copenhague. Desde sus ventanas se puede ver la tapia que encierra al cementerio de Kierkegaard. En este antiguo barrio de clase obrera -reemplazada ahora por una juventud reivindicativa-, situado al noroeste del centro, reside una gran cantidad de población inmigrante y se ha convertido en un área con renovada intensidad creativa y comercial.

Bjarke Ingels tiene el aire de un joven actor de películas de acción americanas. Viste camiseta gris con siniestro motivo de encapuchado negro en el pecho. Golpe de efecto. Aporta ese grado de provocación latente que sirve para explicar algunas contradicciones danesas. "El mejor modo de ser arquitecto -como diría Bernard Rudofsky, autor de Arquitectura sin arquitectos- es no ser arquitecto, sino evolucionar desde otras situaciones y otros ambientes", comenta Ingels. En 1997, estudió un año en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona. "Me resultó extraño el cambio de cultura. Sobre todo lo diferente que era el tempo. En el sur de Europa las cosas requieren maduración. También trabajé en el estudio de [Enric] Miralles. Aquel fue el periodo formativo más importante de mi carrera. Creo que la arquitectura española actual tiene rasgos distintivos que la hacen única. Es reconocible en su materialidad, en la condición portante de su estructura, en la verdad de sus detalles. Además, todavía permanece viva la línea docente desde maestro hasta el aprendiz. Se puede seguir esa trayectoria, que va de Gaudí a la joven arquitectura catalana, pasando por Miralles a través de Albert Viaplana. Ocurre algo parecido en Madrid y Sevilla".

En la oficina de BIG no se ven croquis. Todo son maquetas. Parece la colección de coleópteros de un entomólogo a la que sólo le faltan los alfileres. Las hay de todos los tamaños y de todos los materiales. Llenan estanterías y explican la evolución natural de las formas. De un proyecto surgen otros y estudiando la cronología de las maquetas se puede seguir el hilo de la mutabilidad de las especies. Sus trabajos provienen de un ancestro común que condensa la conjunción de dos extremos opuestos: el de una vanguardia llena de ideas locas arrejuntada incestuosamente con la monótona efectividad de una organización empresarial. Ingels llama a este modelo la "utopía pragmática".

"Cuando en 2001, Julien de Smedt, ahora JDS, y yo fundamos PLOT- "trama", en castellano-, era porque inicialmente queríamos hacer una película. Copenhague era el sitio ideal, con el movimiento Dogma y todo eso. Luego nos dimos cuenta de que lo que realmente nos gustaba era la arquitectura. Nos habíamos conocido un año antes trabajando en Holanda para Rem Koolhaas. Pero Copenhague en aquella época era una ciudad anclada en la época dorada del diseño nórdico. Aparecimos sin filiación conocida y sin padrinos. Abrimos el camino a una serie de arquitectos que han destacado después, y que en su mayoría colaboraron con nosotros". Para BIG, cada lugar significa un experimento pragmático y utópico al mismo tiempo. Impone siempre una pauta de amable radicalidad a la realidad y esta tarea de mantenerse en vanguardia parece no desgastar a Bjarke Ingels. Desmesura, ambición, optimismo y humor son las características que definen su obra. BIG ha supuesto un revulsivo motivador para la arquitectura danesa tradicional. De las generaciones anteriores, Bjarke Ingels sólo nombra a Jørn Utzon y a Arne Jacobsen. "Jacobsen fue quien introdujo la modernidad en Dinamarca, pero siempre como una traducción. En el Royal Hotel de Copenhague empleó el mismo lenguaje que SOM ya había utilizado en la Lever House de Nueva York. En sus piezas de mobiliario, su vocabulario provenía de los Eames. Podríamos decir que no aportó nada nuevo. En cambio, lo que me interesa de Utzon fue la apropiación de las formas de otras culturas y su transposición a nuevos lugares. Las pagodas, las pirámides escalonadas son formas potentes que pueden servir en multitud de emplazamientos. Un edificio que planteamos para Suecia y que no funcionó lo hemos reconvertido en un hotel con centro deportivo y de congresos para la Exposición Mundial de Shanghai 2010. Además, luego nos enteramos de que su forma se corresponde con el pictograma chino que significa 'gente'. Por eso ahora lo llamamos People's Building".

Otro caso: "Cuando nuestro cliente nos planteó un Hotel y Centro de Congresos en el aeropuerto de Arlanda, Estocolmo, intentamos darle la vuelta al tradicional edificio de 'torre que sobresale de zócalo' y pensamos que el camino sería una base alta fina y estrecha con una gran plataforma encima. No hubo manera, pero seguimos dándole vueltas. Cedimos en que el prisma saliera del suelo, pero no con planta cuadrada, sino triangular. En cada una de sus caras planteamos un recorte de ventanas que, desde lejos, diera la impresión de gigantescos retratos a lo Warhol de cada uno de los tres príncipes de Suecia. Es como si la familia real viniera a recibirte o a despedirte. Cuando enseñamos nuestro trabajo en Emiratos Árabes, con motivo de la presentación de otro proyecto, esta idea le gustó tanto al califa de turno, que nos propuso que hiciéramos lo mismo con un retrato suyo para un edificio en el desierto".

El principal proyecto que BIG tiene ahora entre manos en Dubai, Emiratos Árabes, es Bawadi, un dorado edificio multiusos, con oficinas, espacios comerciales y viviendas. Se sitúa en duodécima línea de playa y trata de darle la vuelta al antieconómico rascacielos americano de acero y cristal, de manera que, agrupando cinco torres invertidas y colocándoles una tapadera común, a modo de mesa con cinco patas, se consigue un edificio de cien metros de altura con las fachadas rehundidas para evitar la incidencia de los rayos solares y una amplia superficie sombreada en la calle. De esta forma, la mayor cantidad de volumen construido se encuentra en la parte más alta, allí donde el precio de venta es mayor. Para darle sentido al esquema, cada pata corresponde a uno de los cinco preceptos del islam. La solución estructural se obtiene de la conexión catalana con Gaudí, quien investigó el sistema de fuerzas con la catenaria para aplicarlo después, de manera invertida, a los arcos y bóvedas de sus edificios. Bjarke Ingels relaciona estas formas con los mocárabes de las construcciones hispanomusulmanas que convierten, mediante complicados juegos geométricos, lo que es curvo en recto y lo que es bóveda en muro.

Charles R. Darwin escribió en El origen de las especies: "Las razones dadas en este libro pueden chocar con los sentimientos religiosos de algunas personas". Los comentarios de Bjarke Ingels, por su ausencia de principios, pueden escandalizar de igual modo a algunos docentes y teóricos con fuertes convicciones asentadas en la disciplina arquitectónica tradicional, pero por ahí es por donde va el mundo.

Ingels terminó la carrera cuando apareció el libro S, M, X, XL y ha leído a Rem Koolhaas antes que a Le Corbusier. Existen etapas en su formación que no ha cubierto de forma lineal. Por eso, al visitar sus edificios se debe sentir la misma sensación que experimentó Darwin cuando desembarcó del HMS Beagle y se encontró con los marsupiales australianos. Con gran naturalidad, Bjarke Ingels explica que sus obras son el resultado de un experimento de alquimia programática. "Si una idea no funciona en un sitio, irá buscando acomodo en otros proyectos, hasta que termine por concretarse". La revolución ha muerto, ¡viva la evolución! -

The BIG CPH Experiment. Exposición en la galería POP UP. 1- 5 Exhibition Road, Londres. Hasta el 27 de julio. www.BIG.dk

Rascacielos vivo en Dubai

2008-08-03T13:41:00.000-05:00

El proyecto de una torre giratoria con pisos prefabricados en permanente movimiento, última 'locura' de la arquitectura sin fronteras que tiene su paraíso en el golfo Pérsico

JOSEBA ELOLA 13/07/2008

La visión le impresionó. Fue hace tres años y medio, poco antes de navidades. El arquitecto David Fisher disfrutaba de un atardecer en la impresionante terraza de un amigo suyo, en la Olimpic Tower de Nueva York. "¿Te das cuenta?", le dijo el amigo, "nadie tiene una vista como la mía en Nueva York". Su privilegiada orientación permitía ver los dos ríos que flanquean la península de Manhattan: el East y el Hudson. Fue entonces cuando Fisher se iluminó y se hizo la siguiente pregunta: ¿y si hiciéramos rotar este apartamento?, ¿qué pasaría si hiciéramos que en un edificio cada piso rotara a una velocidad distinta, con una aceleración distinta, en momentos distintos? El resultado es el proyecto que presentó el pasado 24 de junio en Nueva York, la Rotating Tower, una torre viva que sueña con convertirse en icono de la ciudad de las locuras arquitectónicas.

Una torre de 80 pisos en movimiento. Cada piso rotando a su ritmo, de modo que el edificio nunca presenta el mismo aspecto. Un cono central del que se van colgando apartamentos de lujo previamente fabricados en Bari. Son los presupuestos fundamentales de los que parte Fisher, de 59 años, un experto en estructuras prefabricadas que, con ese apellido que tiene, se declara cien por cien italiano. El que alquile un piso en su torre no notará el movimiento bajo sus pies, pero sí verá cómo el paisaje va cambiando a lo largo del día. "Cambiará nuestra percepción del tiempo. Es como cuando ves un atardecer en el Mediterráneo: atrapas el sentido de que el tiempo pasa sin necesidad de mirar el reloj", cuenta por teléfono desde su laboratorio florentino este hombre conocido hasta ahora por el diseño de baños de mármol inteligentes.

El edificio genera una parte de la energía que requiere por medio de su propia rotación y de la captación de energía del viento, según se explica en el proyecto. Un elemento que a Fisher y a los que le respaldan -una sociedad creada ex profeso para el proyecto, Rotating Tower Dubai Development- les permite poner la etiqueta de verde al proyecto. Fisher asegura que su torre rotatoria será realidad en 2010. Que tras la presentación en Nueva York han recibido peticiones de Estados Unidos, Brasil e incluso España, y ya tienen más clientes que apartamentos. Sin embargo, no desvela la cifra de clientes ni quedan del todo claros los detalles financieros de la operación. Es lo que se lleva hoy día: se hace una presentación-flash, una pequeña inversión de partida, y se espera a que la brillantez de la idea arrastre a las fuerzas políticas y financieras. Algo muy habitual en todo el mundo y a lo que estamos menos acostumbrados en España, como explica el arquitecto Miguel Ruano, especializado en proyectos a gran escala, y que prepara un libro sobre Dubai. "Si en algún sitio se puede hacer un proyecto así es precisamente en Dubai, donde nada es imposible", comenta Ruano, que viene trabajando en el emirato desde 2000. "Es posible que se construya, o que sea una puesta en escena. Pero en Dubai, cada vez hay que ser más serio, te la juegas: si les haces quedar mal, ya no puedes volver a poner en marcha un proyecto".

El objetivo de Fisher y los suyos es muy ambicioso: convertir su torre en el próximo icono de la ciudad. Lo tienen difícil. Ya está en fase de construcción Burj Dubai, la que será la estructura más grande jamás construida por el hombre (ya han llegado a los 811 metros de altura).

La torre giratoria pretende abrir una nueva era en la arquitectura, incorporando el dinamismo a los edificios, dicen sus promotores. Veinte pisos para oficinas, 15 para un hotel, 35 con pisos de lujo y, los 10 últimos, chalés. En una primera fase, confiesa Fisher, los clientes sólo podrán ser ricos: el metro cuadrado costará 20.000 euros. Pero el arquitecto italiano confía en que su idea prospere, se popularice y acabe siendo asequible para "la gente corriente". Asegura que se hará otra torre giratoria en Moscú, en 2011. Y sueña con que le sigan Londres, Nueva York y, en un futuro, dice, Madrid. -

Fernando Higueras, infinito

2008-08-03T13:38:00.000-05:00

IÑAKI ÁBALOS 05/07/2008

Mal entendido por algunos, admirado sin restricciones por otros, fue un arquitecto con personalidad y talento. Su muerte en enero ha provocado una revitalización de su legado. Ahora una exposición confronta sus mejores proyectos

A Higueras -con quien tuve la suerte de trabajar cuando era estudiante- le gustaba recordar una anécdota de los primeros años de estudiante, cuando el examen de ingreso retrasaba las biografías profesionales varios lustros. Saliendo del examen de cálculo, consistente en resolver un solo y difícil problema, Fernando le pregunta a su amigo Luis Peña Ganchegui: ¿a ti cuánto te ha dado? Peña le responde: "A mí, cero". "Pues a mí, infinito", le dice Fernando. Luis se queda pensativo y tras unos segundos le dice con acento de casero del Goierri: "¿Tanto, eh?". Infinito era lo que le daba todo en la vida a Fernando Higueras, generoso autor de obras infinitas que salió al mundo profesional el año 1959 con el que considero el proyecto más brillante de la arquitectura española moderna, la Residencia de Artistas en el Monte de El Pardo, consiguiendo con él y de forma fulminante el accésit del Premio Nacional de Arquitectura (sin haber construido antes nada). Un proyecto más vivo hoy que entonces, fechado en 1959, con una geometría y una concepción espacial más probable en 2000 y de la mano de algún cybergurú americano que de un bisoño autor madrileño en el castizo y franquista Madrid de los sesenta. Sólo por este proyecto Higueras habría quedado en la memoria de los arquitectos por mucho tiempo.

Pero no se quedó ahí: al año siguiente, colaborando nada menos que con Rafael Moneo, entonces también bisoño, ganó el Premio Nacional de Arquitectura con el germen de lo que luego sería el Centro de Restauraciones en la Ciudad Universitaria de Madrid, primer ensayo de uno de sus leitmotivs, el edificio circular (ahora que la Ciudad de la Justicia va a inaugurar 18 edificios circulares en Madrid, más de uno redescubrirá la maestría de aquella obra...). La figura circular con patio central le condujo a familiarizarse pronto con el hormigón, material más manejable que el acero para estas geometrías. Descubriría no sólo su plasticidad sino que -frente a la tendencia dominante del momento, que ensalzaba las cualidades estructurales del hormigón (Nervi, Torroja)- la unión de circunferencias y hormigón despertó en Fernando Higueras un interés entonces inédito por la historia, en especial por las construcciones estereotómicas de las canterías góticas y renacimentales, de cúpulas, tolos, girolas y demás ejemplos desarrollados en el Siglo de Oro por las "águilas" de la arquitectura española, y que él reinterpretó combinando triángulos y rectángulos, realizados los primeros in situ y los segundos con tableros pretensados con la ayuda de José Antonio Fernández Ordóñez, amigo e ingeniero de valía. Sus techos tenderían siempre a exhibir su condición tectónica con gran poder evocativo de las viguerías de las construcciones tradicionales, una síntesis de tecnología contemporánea y lecciones plásticas de la historia que emocionaba a Fernando y con la que firmó otros dos proyectos magníficos desgraciadamente frustrados, el pabellón para la Feria de Nueva York y el proyecto de Montecarlo.

De nuevo encontramos necesario buscar la fecha de su autoría (1963) al contemplar la maqueta del Pabellón de España para la Feria de Nueva York, con su superficie reglada remitiéndose a tantas arquitecturas topográficas como hemos visto en las dos últimas décadas pero generando aquí una estructura formal ambigua, escalinata, plaza, anfiteatro y plaza de toros a la vez, de bellísima factura, capaz de emocionar como pieza abstracta, casi escultórica, y como referencia cultural tradicional española, tal era su habilidad para hablar por así decirlo dos lenguas, la de la modernidad y la de la tradición, sin cambiar de palabras, con los mismos elementos constructivos y compositivos. Y luego vino la apoteosis, el lanzamiento internacional de Higueras con su proyecto para el concurso internacional más importante realizado en aquella década junto al Centro Pompidou de París, el concurso de Montecarlo, en el que luchó nada menos que con Archigram con un proyecto enormemente escultórico que se contraponía frontalmente al de los ingleses. Mientras el de Archigram proponía en aquel lugar pegado al mar una colina artificial cubierta para ofrecer un parque de césped inglés y crear en su interior (sin luz) un contenedor multifuncional hipertecnificado, Higueras construía en hormigón una gigante flor o volcán, una explosión mineral radiando -¡cómo no!- en torno a un centro mediante bandejas voladas que permitían entrar la luz y disfrutar de las vistas desde cualquier ángulo, exterior e interior, indiferenciadamente. Sin duda la construcción de aquel proyecto hubiera cambiado radicalmente la trayectoria profesional de su autor -Sidney lo hizo con Utzon y más recientemente Yokohama con FOA-, y quizás el éxito en este concurso hubiera dado un marco mejor a su tendencia monumental y formalista que el más provinciano en el que se movía la arquitectura española en los sesenta.

Pero no todo era grandioso o monumental en su obra. También supo dar sentido a su obra en contextos en los que la máxima simplicidad era necesaria. Fernando fue, como Peña y otros de su generación, un magnífico "viviendero", un fabricante de magníficas viviendas colectivas como en el centro de Madrid muestra su intervención en la glorieta de San Bernardo. Pero, sobre todo, consiguió el prodigio que es para un autor supuestamente excesivo y barroco que su obra construida más sencilla y barata sea la más admirada y reconocida internacionalmente, el gran ejemplo que supo construir entonces Madrid para erradicar el barraquismo: la UVA de Hortaleza (reconocible hoy como marco escenográfico donde discurren las escenas más "sociales" del Ulises televisivo). Un proyecto pensado por Fernando contra el espíritu de la época, que demandaba en la vivienda social prefabricación compacta y que él, intuyendo que la dignidad de los emigrantes recién llegados a la capital era el gran problema arquitectónico a resolver, planteó en ladrillo, con cubierta de tejas y maravillosas galerías al modo tradicional andaluz, que pronto se llenaron de macetas y enredaderas y crearon un entorno climático y social único y prodigioso. De nuevo la amalgama de naturaleza y artificio, de nuevo una relectura oportuna de la tradición tipológica y una toma de postura radical e intuitiva ante el problema planteado. Estos rasgos hicieron casi ineludible que César Manrique y Fernando se encontraran y formasen un interesante tándem.

César y Fernando no sólo eran amigos y colaboradores sino necesarios el uno al otro, una impredecible combinación de creadores puros, ambos con más proyección fuera que dentro de su país, sospechosos aquí, desde la ortodoxia izquierdista, de "comerciales" y, como se decía entonces, "horteras". Mientras, el resto del mundo -para su fortuna- los celebraba y entendía mucho mejor que nosotros la brillante y visionaria transformación de Lanzarote, aquel infierno al que Franco mandaba a los desafectos, en uno de los centros del mapa imaginario de la libertad, los incipientes valores medioambientales y la belleza hedonista de la época. En ese mapa, como una verdadera catedral, reinaba y reina aún hoy el hotel Las Salinas, un manifiesto desgraciadamente solitario de lo que podía haber sido la costa y el turismo españoles con un poquito más de amor hacia los lugares, la arquitectura y los turistas (seguramente la comparación con Puerta América, nuestro hotel más cool actual nos puede dar una idea de lo mal que han ido las cosas).

En Lanzarote también está ubicado el otro gran proyecto turístico de Higueras, un proyecto de una urbanización ingenuamente pre-ecologista que fusiona el patrón circular de otros anteriores suyos con el bellísimo paisaje de la "Geria", creado artificialmente en la isla -el conocido sistema de círculos excavados para proteger del viento los viñedos que producen la malvasía (el mismo problema al que se enfrentaba Fernando, el viento)-. La maqueta de esta topografía artificial circular y aterrazada restituyendo el acantilado de lava con la impronta de la Geria es, en mi opinión, junto al proyecto iniciático de la Residencia de Artistas, el momento de mayor inspiración en su obra, aún hoy, como el primero, con poder para desencadenar nuevos proyectos -como demuestra que siga siendo utilizado como referencia de forma recurrente por muy distintos arquitectos de múltiples países-.

Tuve la oportunidad de trabajar para él en la década de los setenta, en un mal momento en su vida. Le oía tocar la guitarra horas y horas encerrado en su despacho (fue, como es sabido, uno de los discípulos más amados de Andrés Segovia). Lala Márquez y yo, muy ignorante, ayudábamos a desarrollar los proyectos con desigual fortuna. Ella impecable con lo suyo, siempre elegante e inteligente; yo creyendo haber dado con la solución perfecta al hotel perfecto (era un hotel en Isla Margarita) hasta que por fin un día Fernando se dignó salir de su despacho de buen humor y con ganas, se sentó junto a mí y me dio la mayor lección de arquitectura que recuerdo, deshaciendo primero por completo mi trabajo ante mis atónitos ojos y recomponiéndolo a continuación -todo en no más de 20-25 minutos- hasta proyectar un hotel asombrosamente perfecto y complejísimo espacialmente, dibujando a mano bocetos elementales pero muy bellos de los que sólo tras varias semanas de restituir aquello pude comprobar anonadado su increíble precisión, un verdadero mago, cuya facilidad infinita quizás fuese a la postre su peor enemigo (esto no lo digo yo, lo dijo Alejandro de la Sota, otro de los grandes de entonces, y de siempre, en las antípodas de Fernando en todo, ambos de la madera de la que sólo están hechos los que tienen grandeza infinita).

Fernando Higueras: íntimo y externo. Fundación cultural COAM. Piamonte, 23, Madrid. Hasta el 26 de septiembre.

Los beneficios del redondel

2008-08-03T13:34:00.000-05:00

Iñaki Ábalos 28/06/2008

El artista reconoce en los trazos de sus dibujos una abstracción de la realidad filtrada por la propia subjetividad que dan determinados patrones a sus líneas, lo que algunos denominan un estilo. El estilo conlleva a menudo una intensidad, una entrega, pero también puede entenderse como una rutina más allá de la voluntad, que se desarrolla a través de patrones recurrentes que vienen a uno sin necesidad de copiar la realidad ni especial intensidad. El estado mental que propicia que los trazos se liberen tanto de la realidad física como de la intensidad de la proyección en ella conduce al garabato, dibujo distraído, automático en gran parte, que permite trasladar la atención a otro tema, como es una conversación telefónica (o dejarla en suspenso). Sin afán representativo alguno, a menudo se desarrolla como una iteración de bucles, la figura carente de accidentes que permite el mínimo esfuerzo de la mano, una rotación que se desplaza por el campo del papel (o el post-it, o la hoja del cuaderno, o el rincón en blanco del periódico) cubriéndolo, creando un continuum en el que generalmente se evitan tensiones, densificaciones, cúmulos, tratando la mano más bien de extender los beneficios del redondel al conjunto del campo disponible. Al igual que el redondel es simple y complejo al mismo tiempo, existe una conexión también sencilla y compleja entre el redondel como forma seminal y el campo construido por iteración. Muchos artistas han trabajado y trabajan sobre este tema atraídos por esta duplicidad de carácter. Desde Klee y Picasso a Pollock o Tàpies, el siglo XX ha visto surgir una verdadera eclosión de garabatos ascendidos a pintura, igual que en el terreno de la arquitectura el croquis pasó a ser mostrado públicamente como instrumento esencial del arquitecto (Le Corbusier, Aalto o Siza serían representativos). Pero casi siempre para el arquitecto el esbozo de sus ideas ha sido una forma más equivalente al apunte artístico, una primera representación de la realidad a construir, realizada a través de una cierta intensidad, que hasta hace poco llamábamos inspiración sin avergonzarnos (al último que oí hablar de la inspiración de las musas sin pestañear fue a Richard Rorty, el filósofo pragmatista, frente a una audiencia de arquitectos que se quedó atónita). La aparición de garabatos como tales, presentados y entendidos como figuras seminales de la arquitectura, o verdaderas arquitecturas, puede fecharse en la eclosión expresionista del Berlín de principios de siglo: Mendelsohn, Bruno Taut y otros arquitectos de la "hermandad expresionista" llevaron el gesto de la mano a unos niveles de elaboración arquitectónica nunca antes alcanzado. Se buscaba tanto la expresión personal como un balance casi orgánico entre complejidad y sencillez. El garabato tardío pero certero de Jørn Utzon en Sidney es seguramente el más conocido y de mayor repercusión del siglo XX. Una gran metrópoli lo es en gran medida gracias a un garabato feliz. Hoy el gesto del garabato o del apunte instantáneo, que daba toda su fuerza a quien se confiaba a él y le otorgaba por así decirlo el derecho al estilo, adquiere una nueva dimensión combinado con técnicas digitales, de la que Gehry ha sido el profeta anunciador. Sus intentos pueden entenderse como de transición entre dos mundos, el manual y el digital. Desde esta última perspectiva, un bucle ha pasado a ser el algoritmo de una "primitiva" simple que puede actualizarse formando sistemas complejos, con continuidades diferenciadas programables. ¿Es la mano el único órgano legitimado para construir garabatos? ¿Es el garabato impermeable a la tecnología digital? ¿Existe un garabato digital? -

Dominique Perrault, el 'no-arquitecto'

2008-08-03T13:33:00.000-05:00

ANATXU ZABALBEASCOA 28/06/2008

El niño bonito de la era Mitterrand ha entrado en el Centro Pompidou. Construyó la Biblioteca Nacional de Francia como una no-arquitectura, y es el primer arquitecto que no posee el Premio Pritzker al que el museo parisiense rinde homenaje

No tenía treinta años cuando en un París que celebraba la arquitectura elegantemente moderna de Jean Nouvel, Dominique Perrault (Clemont Ferrand, 1953) se convirtió en el elegido de los dioses políticos. Ganó el concurso para levantar la Biblioteca Nacional de Francia y supo hacerse un hueco en la esfera internacional compartiendo el cupo de franceses elegantes. Con el tiempo, ha sabido desvincularse de esa única etiqueta gracias a su habilidad con las mallas metálicas, a su moderado número de proyectos y, sobre todo, a la variedad de sus respuestas y la evolución de sus propuestas. Eso le ha permitido mantener la carta de la intriga, vital porque evita el encasillamiento de los profesionales. No lo tenía fácil. Pero cuando en 1992 ganó el concurso para levantar el velódromo olímpico en Berlín, su rival más directo, Jean Nouvel, debió entender que la cosa iba en serio. Una exposición en el Centro Pompidou de París, la primera dedicada a un arquitecto sin el Premio Pritzker, recoge ahora toda esa aventura en proyectos. Desde el velódromo hasta su último diseño en Seúl (una universidad para mujeres), pasando por los proyectos españoles de Barcelona, Tenerife o Madrid, además de los diseños industriales del arquitecto. Perrault llegó a España antes que Nouvel, aunque el segundo logró cuajar primero sus proyectos. En enero de 2009 entregará la Caja Mágica, sus canchas de tenis con cubiertas móviles junto al río Manzanares, y ahora, coincidiendo con esta muestra, termina su primer rascacielos en Barcelona, el hotel Habitat Sky.

PREGUNTA. ¿A Europa sólo le queda subir?

RESPUESTA. Es muy raro porque tras el desastre del 11-S los arquitectos creímos que lo siguiente era el fin de las torres singulares. Sin embargo, un par de años más tarde comenzamos a ver que sucedía lo contrario. Por todo el mundo se han empezado a construir rascacielos. Vivimos una época extraña, indefinida para muchos países y continentes. ¿Qué está marcando la arquitectura de hoy? ¿Lo que sucede en el sureste asiático? ¿Lo que ocurre en el golfo Pérsico? ¿La peatonalización de las ciudades europeas? ¿O la fiebre de los rascacielos? Europa ha desempeñado un papel especial en el tema de los rascacielos. Durante mucho tiempo hemos tratado de mantenernos al margen.

P. ¿Eso es posible?

R. Los que criticaban el crecimiento en altura en las ciudades europeas sostenían que era la mejor manera de proteger los centros históricos, la escala humana. En París, el debate sobre los rascacielos en la ciudad continúa. No está solucionado.

P. ¿Y usted qué opina?

R. Ahora mismo, además del hotel en Barcelona, estamos levantando una torre en Luxemburgo. Ganamos un concurso para erigir una pareja de rascacielos junto a la Feria de Milán y en Viena también estamos levantando otro. La densidad de las ciudades europeas lo pide.

P. ¿Qué tienen en común los rascacielos que levantan en esas ciudades?

R. Una marcada identidad. El rascacielos tiene que reconocerse de lejos. O bien porque tenga un cuerpo añadido y colgante (como el hotel de Barcelona) o bien porque crezca con un compañero, como las torres de Milán. Los rascacielos se han de singularizar. Sólo así consiguen crear un contexto.

P. ¿Hay un lugar más idóneo para los rascacielos en las ciudades europeas? ¿El extrarradio, como en París? ¿La City, como en Londres?

R. Es imposible construir una trama urbana con un único edificio. A mí me interesa que las torres cumplan un papel de referencia, que es el que históricamente han tenido. A partir de ahí, una torre sí puede organizar el urbanismo de un barrio. O cerrar el de una ciudad. Sin embargo, tengo la impresión de que la mayoría de los rascacielos que se levantan hoy, lejos de culminar un urbanismo, son un punto de partida.

P. Usted fue el niño bonito de la era Mitterrand. Cuando levantó las cuatro torres de la Grand Bibliothèque marcó París en lo urbanístico y lo arquitectónico, pero también en lo político. ¿Qué cree que les interesa hoy a los políticos franceses?

R. Creo que se están concentrando más en el aspecto social de la arquitectura que en el representativo. Y por social no me refiero sólo a construir en los suburbios. Hablo de calidad de vida. De inversión ciudadana para el futuro, de sostenibilidad. Eso se traduce en más peatonalización, más transporte público y otro tipo de decisiones arquitectónicas. Europa pide ese cambio. En Francia vamos un poco retrasados en la construcción de viviendas de protección oficial. Por eso los políticos han decidido concentrarse en esa urgencia. En Francia no se están acabando Grands Travaux ahora mismo. La arquitectura institucional se ha parado. Se están construyendo edificios del montón, tal vez un poco banales. Pero creo que ese equilibrio, construir normalidad cuando todos los demás están llenando las ciudades de espectáculo, puede ser una buena idea.

P. En España, a muchos de sus proyectos les cuesta arrancar.

R. Pero estamos en racha. Por fin tenemos fecha de entrega de las instalaciones olímpicas de tenis junto al río Manzanares que estamos construyendo en Madrid: principios de 2009. Las elecciones ralentizan los trabajos. Tanto que algunos, como el estadio que diseñamos para Badalona, terminan por desaparecer.

P. Las torres que construirá en Milán se inclinan una sobre la otra.

R. Sí, se mueven un poco. Tienen que ser especiales. El terreno está rodeado de autopistas, aparcamientos y vías. Hay que crear una idea de victoria para sobreponerse a un lugar así. Los rascacielos se inclinan para formar esa V y adaptarse al movimiento del lugar. Serán muy visibles en medio del jaleo.

P. Los proyectos que termina son muy distintos. En Luxemburgo, la Corte Europea de Justicia es de una modernidad clásica, el hotel Habitat Sky es minimalista y escultórico, y en Seúl, la universidad para mujeres, es un edificio topográfico, pegado a la tierra. ¿Huye de un único sello?

R. El contexto es definitivo en el diseño. En Barcelona, la torre quería marcar una de las entradas a la ciudad. En Seúl, la universidad es más paisaje que edificio para expandir la presencia de la ciudad en la universidad. Es un parque-edificio-ciudad, una tipología híbrida. Yo trabajo con el lugar, la cultura, el paisaje y los medios. La exposición del Pompidou refleja que muchos de mis edificios no son inmuebles sino paisajes.

Dominique Perrault. Centro Pompidou. París. Hasta el 22 de septiembre.

Dubai, Moscú y Nueva York lucirán los primeros rascacielos giratorios

2008-08-03T13:30:00.000-05:00

Las torres, diseñadas por el arquitecto David Fisher, permitirán a sus habitantes modificar la orientación de sus apartamentos

AGENCIAS - Nueva York - 25/06/2008

Se abre la era de la "arquitectura dinámica", bautizada así porque "introduce una cuarta dimensión en el diseño: el tiempo". Así lo asegura el italiano David Fisher, que este martes ha presentado en Nueva York su "rascacielos giratorio y autosuficiente", que permitirá a sus habitantes modificar la orientación de sus apartamentos para cambiar el paisaje o seguir la progresión del Sol. Los dos primeros comenzarán a construirse este mismo año en Dubai y Moscú y previsiblemente estarán terminados a finales de 2010, y ya está en marcha otro proyecto para la ciudad de Nueva York. Hay, además, peticiones de Canadá, Alemania, Italia, Corea del Sur y Suiza.

Cada una de las plantas de estos edificios en movimiento girará a la velocidad que escojan los inquilinos y rotará de forma independiente con respecto a los demás pisos, por lo que el edificio cambiará de forma constantemente.

El rascacielos de Dubai medirá 420 metros de altura y tendrá 80 pisos, de los que los primeros 20 serán oficinas; los 15 siguientes, un hotel de seis estrellas; los 35 siguientes, apartamentos de lujo (desde 124 metros cuadrados), y los últimos diez, viviendas de 1.200 metros cuadrados con ascensor privado, jardín, piscina y aparcamiento dentro del piso. El de la capital rusa tendrá estas mismas características pero será un poco más bajo (70 pisos y 400 metros de altura).

Según los cálculos previos, el precio de un metro cuadrado en un apartamento en las plantas superiores puede ascender hasta los 30.000 dólares (unos 19.000 euros). A pesar del precio, ya ha empezado a llenarse la lista para poder reservar alguna de las viviendas del edificio de Dubai.

Torre ecológica

Según ha explicado Fisher, la torre giratoria es además el primer rascacielos ecológico y autosuficiente desde el punto de vista energético, ya que genera electricidad transformando la energía del Sol y el viento gracias a las 79 turbinas eólicas dispuestas horizontalmente entre cada piso y a los paneles fotovoltaicos de los techos, con lo que se podría suministrar energía también a los edificios colindantes.

Se trata también del primer edificio que se construirá enteramente con piezas prefabricadas, con el objetivo de reducir los tiempos de construcción en un 30% y los costes en más de un 10%.

El arquitecto asegura que para la materialización de su proyecto sólo se requerirá el trabajo de 600 personas en la obra de montaje y 80 técnicos en el lugar de construcción, en lugar de los 2.000 empleados que habrían sido necesarios para realizar una construcción tradicional de las mismas dimensiones.

En principio, la velocidad de ejecución será de un piso por semana, merced a un nuevo método: el núcleo central de la torre se levantará a pie de obra, y los pisos se realizarán sección por sección en la fábrica y se engancharán al eje central cuando se monten, ya amueblados y con todas las instalaciones.

Otra característica de estos edificios será la facilidad de mantenimiento, considerando que todas las partes se podrán inspeccionar y reparar independientemente, de forma que podrán durar más que otras construcciones contemporáneas.

Según Fisher, la prefabricación será la forma de construcción del futuro, porque permitirá "obras limpias y verdes sin ruido, polvo, emisiones o desechos, con mayor seguridad en el puesto de trabajo, tiempos de construcción más breves y menores consumos de energía".

Una historia que comenzó hace 17 años

2008-08-03T13:28:00.000-05:00

E. L. - Bilbao - 25/06/2008

El inicio de la gestación del proyecto Guggenheim de Bilbao se remonta a 17 años atrás. El 8 de abril de 1991, el director de la Solomon R. Guggenheim Foundation, Thomas Krens, fue recibido en el palacio de Ajuria Enea por el entonces lehendakari, José Antonio Ardanza. Los contactos preliminares entre Krens y Juan Luis Laskurain, entonces diputado de Hacienda de Vizcaya, para explorar la posibilidad de asociarse para construir un Guggenheim en Bilbao empezaban a cuajar. En febrero de 1992, se firmó en Nueva York el acuerdo, que comprometía a las instituciones vascas a pagar 20 millones de dólares (2.000 millones de pesetas de 1991) a la Fundación Guggenheim por usar su nombre y fondos artísticos, a construir un edificio de arquitectura singular y a dotar al nuevo museo de una colección propia.

El 22 de octubre de 1993 se colocaba la primera piedra del museo en Abandoibarra, en medio de un paisaje desolador de terrenos abandonados y depósitos de contenedores. Cuatro años más tarde se celebraba por todo lo alto la inuguración oficial, presidida por los Reyes.

En total, la puesta en marcha del Guggenheim, con la misión de convertirse en locomotora de la regeneración económica y urbanística, tuvo un coste superior a los 162 millones de euros, de los que más de 86 correspondieron a la construcción del edificio, diseñado por el arquitecto Frank O. Gehry.

En el centro de las negociaciones y de la puesta en marcha del Guggenheim estuvo el entonces consejero de Cultura, Joseba Arregi. El principal impulsor del proyecto no cree ahora en la idoneidad de la ampliación del Guggenheim con nuevas instalaciones en Urdaibai. "Lo siento, pero no veo la razonabilidad [de la ampliación]", dijo ayer a EL PAÍS. "No sé que puede aportar a lo que ya existe, no sé que función podría cumplir". Ante el anuncio de la disponiblidad de 100 millones de euros para el proyecto de sacar parte del Guggenheim de Bilbao, Arregi recuerda que se luchó por que no hubiera otros Guggenhiem en Europa después de inaugurar el de la capital vizcaína. "¿Más espacio para qué, para quitar visitantes a Bilbao?", se pregunta.

El Guggenheim crecerá en la reserva de Urdaibai

2008-08-03T13:27:00.000-05:00

Los gestores del museo quieren 5.000 metros más de espacio

EVA LARRAURI - Bilbao - 25/06/2008

El Museo Guggenheim Bilbao quiere 5.000 metros cuadrados más para exposiciones en la reserva de Urdaibai. La belleza natural del entorno es la baza principal del proyecto de ampliación del museo, que llega apenas una década después de su inauguración. En un lugar aún sin determinar de la reserva natural, 230 kilómetros cuadrados en el entorno de la ría de Mundaka, a unos cuarenta kilómetros de Bilbao, se prevé levantar un edificio en el que se aúne "el arte y la naturaleza".

El diputado general de Vizcaya, José Luis Bilbao, anunció ayer que el proyecto dispone de 100 millones de presupuesto. La Solomon R. Guggenheim Foundation, partidaria de las ampliaciones de la galaxia Guggenheim, ha sido informada del proyecto y espera el estudio de viabilidad. La Diputación de Vizcaya va sola en esta parte de la aventura, pues no ha contado con el Gobierno vasco, hasta ahora su socio al 50% en el Guggenheim Bilbao, ni con el visto bueno de la treintena de empresas que forman parte de su patronato.

La elección de Urdaibai, con unas severas normas de protección medioambiental, implica que las nuevas instalaciones estarán condicionadas por la sostenibilidad y su integración en el paisaje. La marca Guggenheim requiere una arquitectura singular, al nivel de la acusada personalidad de sus sedes de Bilbao y Nueva York. Pero, por ahora, no hay más detalles. Oficialmente, ni se ha comenzado a elaborar el estudio de viabilidad.

"La idea está en una fase preliminar. En los próximos meses comenzarán a analizarse los puntos críticos que determinen la viabilidad", manifestaron fuentes del museo. El Guggenheim cuenta en Bilbao con unos 24.000 metros cuadrados de superficie, de los que 11.000 se destinan a exposiciones. A estas instalaciones se suma un almacén en Artea (Vizcaya), con cerca de 10.000 metros cuadrados. El nuevo Guggenheim que se planea en Urdaibai tendrá un "carácter complementario" del museo de Bilbao.

El tamaño del museo fue motivo de discusión desde el comienzo. En las primeras propuestas se preveía un edificio de 33.000 metros cuadrados, pero finalmente fue reducido en un tercio de la superficie. En una visita al museo el pasado año, el arquitecto Frank O. Gehry volvió a poner el foco de atención en el espacio que requiere el arte contemporáneo: propuso solucionar el problema creando "satélites" alrededor del edificio actual.

Dubai, Moscú y Nueva York lucirán los primeros rascacielos giratorios

2008-08-03T13:25:00.000-05:00

Las torres, ideadas por el arquitecto David Fisher, permitirán a sus habitantes modificar la orientación de sus apartamentos

AGENCIAS - Nueva York - 24/06/2008

Se abre la era de la "arquitectura dinámica", bautizada así porque "introduce una cuarta dimensión en el diseño: el tiempo". Así lo asegura el italiano David Fisher, que ayer presentó en Nueva York su "rascacielos giratorio y autosuficiente", que permitirá a sus habitantes modificar la orientación de sus apartamentos para cambiar el paisaje o seguir la progresión del Sol. Los dos primeros comenzarán a construirse este mismo año en Dubai y Moscú y previsiblemente estarán terminados a finales de 2010, y ya está en marcha otro proyecto para la ciudad de Nueva York. Hay, además, peticiones de Canadá, Alemania, Italia, Corea del Sur y Suiza.Se abre la era de la "arquitectura dinámica", bautizada así porque "introduce una cuarta dimensión en el diseño: el tiempo". Así lo asegura el italiano David Fisher, que ayer presentó en Nueva York su "rascacielos giratorio y autosuficiente", que permitirá a sus habitantes modificar la orientación de sus apartamentos para cambiar el paisaje o seguir la progresión del Sol. Los dos primeros comenzarán a construirse este mismo año en Dubai y Moscú y previsiblemente estarán terminados a finales de 2010, y ya está en marcha otro proyecto para la ciudad de Nueva York. Hay, además, peticiones de Canadá, Alemania, Italia, Corea del Sur y Suiza.

Cada una de las plantas de estos edificios en movimiento girarán a la velocidad que escojan los inquilinos y rotarán de forma independiente con respecto a los demás pisos, por lo que el edificio cambiará de forma constantemente.

El rascacielos de Dubai medirá 420 metros de altura y tendrá 80 pisos, de los que los primeros veinte serán oficinas; los quince siguientes, un hotel de seis estrellas; los 35 siguientes, apartamentos de lujo (desde 124 metros cuadrados), y los últimos diez, viviendas de 1.200 metros cuadrados con ascensor privado, jardín, piscina y aparcamiento dentro del piso. El de la capital rusa tendrá estas mismas características pero será un poco más bajo (70 pisos y 400 metros de altura).

Según los cálculos previos, el precio de un metro cuadrado en un apartamento en las plantas superiores puede ascender hasta los 30.000 dólares (unos 19.000 euros). A pesar del precio, ya ha empezado a llenarse la lista para poder reservar alguna de las viviendas del edificio de Dubai.

Según ha explicado Fisher, la torre giratoria es además el primer rascacielos ecológico y autosuficiente desde el punto de vista energético, ya que genera electricidad transformando la energía del sol y el viento gracias a las 79 turbinas eólicas dispuestas horizontalmente entre cada piso y a los paneles fotovoltaicos de los techos, con lo que se podría suministrar energía también a los edificios colindantes.

Se trata también del primer edificio que se construirá enteramente con piezas prefabricadas, con el objetivo de reducir los tiempos de construcción en un treinta por ciento y los costes en más de un diez por ciento.

Según el arquitecto italiano, la construcción de las torres giratorias sólo requerirá a 600 personas en la obra de montaje y a 80 técnicos en el lugar de construcción, en lugar de las 2.000 personas que habrían sido necesarias para realizar una construcción tradicional de las mismas dimensiones.

En principio, la velocidad de construcción será de un piso por semana, merced a un nuevo método de construcción: el núcleo central de la torre se levantará a pie de obra, y los pisos se realizarán sección por sección en la fábrica y se engancharán al eje central cuando se monten, ya amueblados y con todas las instalaciones.

Otra característica de estos edificios será la facilidad de mantenimiento, considerando que todas las partes se podrán inspeccionar y reparar independientemente, de forma que los edificios podrán durar más que otras construcciones contemporáneas.

Fisher destacó que la prefabricación será la forma de construcción del futuro, porque permitirá "obras limpias y verdes sin ruido, polvo, emisiones o desechos, con mayor seguridad en el puesto de trabajo, tiempos de construcción más breves y menores consumos de energía".